Samurai de Ojos Azules

Hoy os traigo una serie de animación emitida por Netflix durante el año 2023. Tras escuchar a una buena amiga hablar de ella, decidí darle una oportunidad, y me alegra mucho haber podido verla.

Creada por el matrimonio formado por Amber Noizumi y Michael Green, se realiza en el estudio de animación Blue Spirit, situado en París.

Samurai de Ojos Azules, cuenta la historia de un "outsider", una figura solitaria y de pocas palabras, que va por el Japón del periodo Edo, buscando la venganza. Como en un clásico relato de "samurai sin señor", que hemos visto en producciones niponas a lo "Lobo Solitario", o bien en los más famosos westerns (como en el Jinete Pálido). Es alguien que no tiene a nadie, y cuyo pecado es de nacimiento, no puediendo jamás borrarlo. Y pese a que el misterio rodea a nuestro protagonista, al contrario que en otros relatos donde este tipo de personaje goza de una de un aspecto "semidivino" y se sabe poco de él, en este caso, la historia, nos va a relatar, mediante flashbacks, la vida de Mizu, y cómo en su camino de la venganza, hará una serie de descubrimientos, que provocarán que sus creencias vayan cambiando.

Mizu irá cruzándose con diferentes personajes como Ringo (un inocente cocinero discapacitado), Taigen (un futuro samurai arrogante y cabezota), Akemi (la hija rebelde de un Lord), el Maestro de espadas Eiji, o Abijah Fowler, un irlandés que quiere imponer su voluntad, entre otros. En general, todos estos personajes tienen algo que no se ve mucho hoy en día: están desarrollados, tienen sus motivaciones y sus deseos, y sus propias agendas, y se irán entrecruzando hasta llegar a la gran final.

He intendo haceros una sinopsis de la manera más "críptica" posible, pues no quiero desvelaros puntos importantes de la trama, o las sorpresas. Y sólo debo decir que tanto la historia como los protagonistas, podrían caer bajos las alas de la "diversidad" que tanto se exige actualmente, pero esta historia no va de esto, aunque los personajes principales puedan ampararse en "minorías" de diverso tipo, o la venganza se diriga hacia "hombres blancos". Si habéis leído alguna review sobre esto, y viendo que se distribuye por Netflix, y tenéis miedo de que sea la clásica producción "contemporánea" metida en un envoltorio de época, sólo puedo deciros que no temáis nada, pues en general, y pese a que es una serie actual, se suele respetar bastante bien, el ambiente en el que se desarrolla.

A todo esto, debo aclarar que la serie no es "real", si no, animada. Que sean "dibujos animados" no quiere decir que sea para menores de edad. De hecho, está muy cargada de sexo y violencia desde su primer capítulo. Es animación para adultos y cuenta una historia brutal en tiempos un poco "salvajes" pese al empaque del Japón Feudal.

La primera temporada consta de ocho episodios, de los que podemos decir que no hay ninguno de relleno. Y todos homenajean el estilo de las producciones japonesas y en particular hay guiños al cine de Kurosawa. Uno de los que más destacan, es aquel donde la historia hace un flashback y paralelismos al teatro japonés y a sus formas de expresión.

Dicho esto, si os gusta la animación para adultos, y podéis aguntar unas ciertas dosis de violencia y sexo, si os va el Japón feudal y las historias de venganza, tenéis que darle una oportunidad a este "Samurai de Ojos Azules". Aquí ya estamos eseprando su segunda temporada.

Carmen R

Spider-Man: a través del multiverso y del tiempo

Se ha estrenado hace nada la continuación de Spider-man: Into the Spider-Verse, ganadora más que merecida del Óscar de animación en su momento, y una propuesta original en un universo, el nuestro, que parece más que desgastado para superhéroes en general, y para el Hombre Araña en particular. Y es que desde que Sam Raimi nos trajo su versión interpretada por Tobey Maguire en 2002, hemos visto en pantalla al personaje diez veces en películas propias, sin contar cameos o apariciones prestadas. Por no decir que ha tenido las caras de Maguire, Andrew Garfield y Tom Holland en las películas de "carne y hueso". Cualquier diría que ésos son suficientes "Spider-Men" para varias generaciones, pero admitamos que la historia del "empollón" convertido en héroe de masas, aunque incomprendido, siempre nos ha atraído.

Realmente, a mí me sorprendió muchísimo que Sony se lanzara a seguir "exprimiendo el limón" mediante la animación, y ni siquiera le presté atención, pero aquella "Into the Spider-Verse", escrita por Phil Lord y Rodney Rothman (los que habían resucitado 21 Jump Street de forma maravillosamente divertida), hacían lo imposible, que un personaje que estaba más que "explotado" nos volviera a resultar atractivo, con una película con mejor guion que la mayoría de superhéroes de aquel 2018. Y lo mejor es que lo hacía no a través de Peter Parker, el clásico Hombre Araña, esta vez era Miles Morales, el protagonista, aunque rodeado del mismísimo Peter Parker, Gwen Stacy (Spider-Woman), Spider-Ham, Peni Parker (con su robot) y un Spider-Man Noir. Mezclar la fantasía del multiverso era una idea que había rondado por las cabezas de los responsables de las películas de superhéroes, puesto que era una herramienta habitual en los tebeos, pero sin mucha suerte hasta ese momento (estábamos más interesados en "juntar" diferentes personajes como habían mostrado The Avengers).

La película, además de por aquella historia que era un claro guiño y homenaje a los lectores de los cómics, además, permitía, al ser animación, una maravillosa puesta en escena que hacía que más que una película de dibujos tradicional, sintieras el vértigo de lo que se expone en el papel, pero con el movimiento que permite el cine. Y además de imagen e historia, se escogieron a unos buenos actores para todos los personajes (Shameik Moore, Hailee Steinfeld, Jake Johnson, Liev Schreiber, Nicolas Cage y más) y se acompañó con una maravillosa banda sonora, cuyos temas originales y orquestales estaban compuestos por Daniel Pemberton (al que yo descubrí en Operación UNCLE, cuya BSO es genial).

Dicho esto, el éxito de la película permitió a Sony, y la productora Amy Pascal, volver a reinar en la propiedad que es el Trepamuros, y por supuesto, no soltarlo por mucho que Marvel/Disney insistieran. Además, aprendieron la lección e hicieron lo imposible, trasladar con éxito el concepto del "multiverso" a su Spider-man real en el éxito de 2021 Spider-man: No Way Home, que demostraba que pese al Covid y los servicios de Streaming, los espectadores querían seguir teniendo un espectáculo, y ahí se lo dieron: cerraban la trilogía (de momento) de Tom Holland, sin romper el universo creado con sus préstamos de personaje a Disney, y tiraban con fuerza del efecto nostalgia con la aparición de Tobey Maguire y Andrew Garfield (que incluso se redimía de aquellas películas que vivió), incluyendo a los villanos de los films de estos dos. ¿Cómo no iban a tener éxito si estarían Willem Dafoe y Alfred Molina con ellos también?. Y para más inri, el Spider-man de Holland dejaba de ser el "Iron-boy" "nerd" y guay, con su traje de fantasía, y por fin abrazaba el camino de la madurez de lo que significa ser Peter Parker y Spider-Man.

 

Naturalmente, con los 384.3 millones de dólares que generó Into the Spider-Verse, frente a los 90 que costó y superando al mayor éxito de animación de la compañía que era Hotel Transylvania 2, la secuela se puso en marcha. ¿Y qué puedo decir de esta película que ya vi este fin de semana? Pues sinceramente que hace lo imposible, que es que visualmente supera a la primera, con la que se conecta bien, que es aún más un homenaje a los tebeos, a los fans y al mundo del Hombre Araña, pero que también, resulta que su historia no está tan bien hilvanada, y sientes que te han dado demasiada "madeja" para el resultado que ves al final. Y es que aquí está el problema, al acabar con un "cliffhanger" que no se resolverá hasta la próxima película (Spider-Man: Beyond the Spider-Verse, que llegará en marzo del año que viene), tienes la sensación de que ha habido demasiado desarrollo para tan poco resultado, y sientes que la película ha sido algo inflada. Pese a esto, la sensación de espectáculo continua y es muy disfrutable.

¿Deberías verla? Si eres fan del Trepamuros, o te gustó la primera o bien disfrutas de una animación espectacular, o una película para no dejar de mirar en ningún momento porque es increíble en ese aspecto, es una de las buenas opciones que tendrás este verano, aunque eso sí, ya me han dicho que la evites doblada al español, pues ahí no han hecho las mejores elecciones. En cualquier caso, disfrutad del aire acondicionado de las salas en los próximos meses de calor, a ver qué clásicos, independientes o blockbusters vemos.

Carmen R

"Live Action" o las "Dead Ideas" (*)

Ya he dicho más de una vez entre mis amistades, que los últimos diez años nos están regalando un periodo de aburrimiento terrible en lo que se refiere a la originalidad del cine más comercial, y todo lo que es la clásica industria del entretenimiento que se extiende a través de la televisión. Vemos una y otra vez remakes, adaptaciones de lo mismo, precuelas continuaciones (¡esos Fast & Furious que llevan 22 años en marcha y no se quedan sin gasolina!), y en un ejemplo de apogeo máximo, el género de "superhéroes" ya sea en la pequeña o gran pantalla, que está quemado especialmente desde los últimos tres años.

Nota "pureta": poned más gente en el cartel,
que va a parecer un video de No me pises que llevo chanclas

Pero hoy no quiero hablar de esto, y aunque me voy a centrar en Disney, una de las grandes industrias que vive de esto, especialmente gracias a sus universo de Marvel (que incluso se podría extender al de Star Wars), mi punto de mira se centra en los llamados "live action" que pueblan su catálogo de "streaming" y que nos venden en sus últimos estrenos cinematográficos (siendo el último La Sirenita, que se estrena hoy en España).

Disney, que hace unos años parecía Sauron y había conseguido acaparar bajo su poder a Lucasfilm o Marvel (Pixar siempre fue algo suya), parecía prosperar con estas nuevas divisiones de productos, pero hacía tiempo que no resaltaba tanto con sus clásicos animados. De hecho, la por entonces independiente Pixar (creativamente hablando), siempre iba por delante, excepto cuando apareció la omnipresente Frozen (aunque Enredados ya apuntaba alto). No sé sabía muy bien el motivo, pero la animación más "moderna", y también el ataque Dreamworks, entre otros, parecía impactar a esos clásicos de "ayer y hoy" y no recibían tan buena taquilla (aunque su calidad fuera más que correcta con casos como "Hermano Oso", por ejemplo).

Hermano Oso, una joyita incomprendida por algunos en su día

Supongo que fue entonces cuando alguien pensó que las películas familiares de "carne y hueso" de Disney seguían teniendo éxito, y había que volver a los clásicos de otra manera, y esa forma era el "live action", o volver a hacer una película animada pero con escenarios, personas y animales reales. Quizá se pensó en el éxito que fue 101 Dálmatas con Glen Close en los 90, y se le dieron las "llaves del reino" en 2010 a la Alicia en el País de las Maravillas y a Tim Burton, con una película que resultó decepcionante, tanto como adaptación, como versión del clásico de Disney e incluso como producto "burtoniano", aunque curiosamente tendría una continuación dirigida por James Bobin. Pese a esto, la taquilla funcionó y en 2014 Angelina Jolie recoge el testigo con Maléfica. Esta vez, no sólo era volver a contar el cuento o la película, también habiá que darle un nuevo aire. Y Maléfica lo consiguió, con la posmoderna costumbre de "justificar" al villano a través de una historia trágica e injusta (algo que ya resulta hasta "cansino" más que sorprendente).

La "Maléfica" Angelina en todo su esplendor.

Durante un periodo de nueve años, Disney nos ha traído más de 15 películas de una calidad ciertamente dudosa, pese a los grandes nombres en la dirección o en su elenco. Films que han tenido la suerte de llegar a la gran pantalla o, suponemos que por los resultados de los tests con público, han ido directamente al streaming de la compañía del ratón Mickey. Curiosamente, se han visto envueltas en la polémica, debido a la gran base de fans del film animado original, o del cuento en el que se basan, y de unas elecciones de cambio de historia verdaderamente controvertidas, especialmente los últimos años, debido a las políticas internas de Hollywood y de esta compañía en particular (por ejemplo, la aparición de "niñas perdidas" en Peter y Wendy (porque no podía ser Peter Pan solamente),para que hubiera diversidad, creando el problema de que las "niñas" resultan tan tontas como los "niños" y por tanto, también se caían de sus cunas).

Ahora se me viene a la cabeza, otra adaptación de "Peter Pan", la de 2003 de P.J. Hogan. Éste es un ejemplo de "live action" hecho con cariño y destreza, que convive a la perfección con la obra literaria e incluso con la adaptación de Disney. Es un film que funciona, cosa que parece que no ocurre con estos "live action", que o bien resultan irrelevantes, o de una controversia machacona, forzada y extenuante.

Isaacs y Sumpter en la maravillosa versión de 2003 del clásico de Barrie

Si los cambios creados para generar originalidad en sus propuestas no son aceptados por el público (que obviamente, debe tener espíritu crítico), y no se nos aporta nada nuevo que sea realmente reseñable en la historia, ¿para que nos sirven estos "live action"? ¿para qué querer poner las historias en "carne y hueso cuando al final están llenos de CGI, pantallas de Chroma y ordenador? ¿No sería mejor gastar esos presupuestos en nuevas ideas que generen "nuevos clásicos"? ¿en adaptaciones de cuentos que nunca se han realizado?

Realmente, no me salen las cuentas, pero si una película animada tiene una gran base de seguidores que la adoran porque representa su infancia, más que originalidad de forma forzada, hay que aportar un homenaje cariñoso y respetuoso al original. Así será como ganarás a ese público que sabes que la va a ver siempre (no sólo porque sea el nuevo estreno de Disney, aunque hay gente para todo). Si haces otra cosa, será como volver a un restaurante al que te llevaban de pequeña y que te sirvan tu plato favorito de forma que no reconoces, y peor aún, que te resulta imposible de digerir. La decepción será mayúsucula y cambiar la sensación será realmente muy difícil, por mucho que nos quieran obligar a comer una y otra vez. Y ese hartazgo es el que me produce ver nuevas versiones de Disney, que lo único que demuestran es que "las ideas están muertas".

Carmen R

(*): "película en vivo" o las "ideas muertas".

La bella y la bestia

Al pasar los años comenzó a impacientarse y perdió toda esperanza, pues, ¿quién iba a ser capaz de amar a una bestia?.

"La bella y la bestia" Kirk Wise y Gary Trousdale 
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Un joven príncipe francés se niega a dar cobijo a una anciana por su repulsivo aspecto (sí, un francés grosero, qué novedad) con tan mala suerte que la anciana resulta ser una hechicera con bastante tiempo libre. Así, como castigo el príncipe es convertido en una terrorífica bestia y deberá conseguir un beso de amor antes de cumplir 21 años para deshacer la maldición o el hechizo durará para siempre.

Convencido de que nunca volverá a ser humano, el príncipe se encierra en su castillo, aislándose totalmente del mundo hasta que hace prisionera a una joven aldeana que se quedará en el castillo a cambio de que la bestia libere a su padre, que había sido hecho prisionero previamente (cuando eres un monstruo recluido en un castillo, sin tele, ni internet, lo único que te queda es ir apresando a la gente).

La cuestión es que terminarán enamorándose de tal manera que la bestia renuncia a su objetivo liberando a su amada para que regrese junto a su padre. Semejante sacrificio y muestra de amor serán recompensados por parte de la joven, atrayendo al castillo a una turba de pueblerinos sedientos de sangre.

Walt Disney quiso llevar "La bella y la bestia" al cine en sus inicios, de tal forma que hubiese sido uno de sus primeros largometrajes, pero por diversos motivos la idea fue aparcada en los años 30 y después otra vez en los 50. La cosa cambió cuando en 1989 se estrenó "La sirenita", convirtiéndose en un éxito mundial. Hay que tener en cuenta que la historia de Ariel era el primer cuento de princesas que la compañía llevaba al cine desde que hicieron "Cenicienta" en 1950 y no las tenían todas consigo. Sin embargo su gran acogida hizo que se decidieran a seguir por ese camino, sacando finalmente del cajón "La bella y la bestia".
Así, mandaron un equipo al Valle del Loira para observar los paisajes y se pusieron manos a la obra. 

Como suele ocurrir en los cuentos de hadas, el original es un poco cruento y tuvo que modificarse para adaptarlo a un público infantil. Para empezar en el relato el príncipe no es castigado por su egoísmo, sino que la hechicera le maldice por negarse a casarse con ella, transformándole en una bestia incapaz de razonar. Y Bella no es hija única, sino que tiene tres hermanas que la atormentan constantemente. Esto se cambió porque recordaba demasiado a las hermanastras de Cenicienta, aunque la idea se mantuvo en forma de esas tres aldeanas rubias que se burlan de la protagonista.

También se eliminaron escenas. Se había pensado incluir una secuencia en la que Bestia arrastra un ciervo que había matado en el bosque y la reunión con el dueño del psiquiátrico no sería en la casa de Gaston, sino que éste visitaría el manicomio. Además en principio se pensó mostrar la transformación del príncipe en bestia (cosa que se vería en la pobre secuela). Como veis, situaciones demasiado sombrías.

Y es que la peli ya era bastante oscura. Para hacer a la bestia combinaron un montón de animales: la cabeza es una mezcla de búfalo y león con colmillos de jabalí y frente de gorila y el cuerpo es el de un oso con patas y cola de lobo. Además el castillo resulta bastante siniestro, siempre oscuro y repleto de gárgolas (que fueron diseños descartados de Bestia), así que lo arreglaron incluyendo una serie de alegres canciones, culminándolo todo en la escena del baile.

Por supuesto la película fue un éxito total. Fue la primera película de dibujos nominada al Oscar como mejor película (se lo llevó "El silencio de los corderos") y también la primera en ganar el Globo de oro a mejor comedia o musical. Como curiosidad decir que también es la primera peli Disney cuya princesa tiene el pelo castaño y también la primera que se dobló en España (hasta entonces las pelis de Disney nos llegaban dobladas por mexicanos).

Personalmente considero "La bella y la bestia" una de las mejores películas de Disney (anda ahí, ahí con "El rey león", "Aladdin" y "El libro de la selva" en mi ranking) y es sin duda la mejor de príncesas (y mira que me gusta "La bella durmiente" y "Blancanieves y los siente enanitos").

Y no sólo por la historia, el diseño de los personajes o las canciones, todo sobresaliente. Considero que "La bella y la bestia" nos trae la primera princesa Disney con verdadera personalidad. Vale, Ariel también tenía personalidad, pero era una adolescente enamorada... yo me refiero a alguien que caiga bien.

Bella no es una princesa de entrada, es una aldeana con interés por la lectura, dulce, pero con mucho carácter (magistral la escena en la que cura las heridas de Bestia). Por primera vez se veía una chica que no estaba obsesionada con el príncipe azul, ni le dejaba las tareas del hogar a la fauna autóctona y era imprescindible para el devenir de la historia, porque hacía falta alguien fuerte para lidiar con su situación.

En definitiva, una de las mejores películas románticas y de dibujos de todos los tiempos, divertida y visualmente sublime. Aunque no sea de tus favoritas, no te puede no gustar "La bella y la bestia".

Doctora

Blancanieves y los siete enanitos

-Ahora, infernal poción, cumple tu misión.

"Blancanieves y los siete enanitos" David Hand
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Bueno, a estas alturas todos conocemos el cuento de Blancanieves. 
Una joven princesa debe huir de palacio para escapar de su madrastra, la reina, que pretende matarla porque es más guapa que ella. En el bosque le darán cobijo siete enanos que, pese a trabajar con diamantes, viven en una choza en medio de la nada. Todo va bien hasta que la reina descubre su paradero y convirtiéndose en una anciana engaña a Blancanieves para que muerda una manzana envenenada. Desde luego el método es limpio y original, pero el asesinato será un fracaso, pues la moza volverá a la vida tras besarla el príncipe de sus sueños.

A menudo se dice que "Blancanieves y los siete enanitos" fue el primer largometraje animado de la historia y aunque no es cierto sí fue el primero de Disney, por lo que los anteriores cayeron en el olvido. 
Corría el año 1934. Walt Disney llevaba 10 años haciendo cortos animados y era famoso por haber creado a Mickey Mouse, de modo que decidió dar el siguiente paso y rodar un largometraje. Después de todo en los cortos no podía desarrollar a los personajes como es debido y tampoco ganaba demasiado dinero con ellos (por eso mismo el gordo y el flaco o Chaplin empezaron a hacer largometrajes en aquella época).

Disney era un gran admirador de Lewis Carroll y su primera idea fue llevar al cine "Alicia en el país de las maravillas", pero se le adelantaron al estrenar en 1933 una versión del libro con Cary Grant y Gary Cooper de por medio.
De este modo, el proyecto quedó aparcado y Disney se decidió por Blancanieves, otra obra que le gustaba desde niño. 

Sólo hay que ver el detalle y la belleza de los dibujos para imaginar el tremendo trabajo que desempeñó todo el equipo para diseñar y animar a cada uno de los personajes. Pero lógicamente no fue sólo labor de los dibujantes. Había que narrar el cuento de forma coherente y entretenida, obviando las partes más escabrosas de la historia original (donde la reina moría tras ser torturada por los enanos), pero dándole un toque sombrío en los momentos precisos (a día de hoy la de "Blancanieves y los siete enanitos" sigue siendo la bruja más aterradora del cine).

Se cuidaron también de componer un buen número de canciones, alegres y románticas (suprimiendo algunas para reducir el metraje) y de darle personalidad a todos los enanos. Porque los hermanos Grimm nunca distinguieron a un enano de otro, siendo Disney quien les dotó de una identidad a cada uno, quedándose varias en el tintero. Así, los enanitos Sucio, Perverso o Habilidoso nunca vieron la luz y Mocoso finalmente ocupó el lugar del enanito Valiente.

Disney temía que la película fuera un fracaso, pero quedó convencido del resultado cuando en el primer pase escuchó mujeres sollozando de felicidad (menos contentos estaban algunos niños que se mearon encima con la escena en la que Blancanieves se pierde en el bosque). 

A día de hoy poca gente incluye "Blancanieves y los siete enanitos" entre sus películas favoritas de dibujos, pero en mi opinión es una obra maestra en todos los sentidos y teniendo en cuenta el imperio que se forjó después es sin duda una de las pocas películas que a ciencia cierta cambiaron la historia del cine.

¿Os imagináis que "Blancanieves y los siete enanitos" hubiera sido un fracaso?. Disney se hubiera ido a pique y hoy la industria del cine (Marvel, etc...) sería completamente distinta. Sea como sea, sólo hay que ver la película para entender por qué esa realidad nunca existió.

¡Feliz verano!.

Doctora

El principito

Título en castellano: El principito

Título original: Le petit Prince

Año: 2015

Duración: 106 min.

País: Francia

Director Mark Osborne

Guión: Irena Brignull

Novela: Antoine de Saint-Exupery

Música: Richard Harvey, Hans Zimmer

Fotografía: Animation

Reparto: Animation

Productora: Onyx Films / Orange Studio / M6 Films

  

Adaptación en animación de la novela homónima de Antoine de Saint-Exupery, que cuenta con las voces en su versión original de James Franco, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Jeff Bridges, Benicio Del Toro, Mackenzie Foy y Paul Giamatti.

 

El argumento de la película consta de dos historias que se entrecruzan. Una de ellas está protagonizada por una niña que dirigida por su estricta madre, pretende prepararse para ingresar en una prestigiosa academia de estudios y para ello se mudan a una nueva casa cuyo vecino, viejo y excéntrico aviador, la introducirá en un mundo mágico y desconocido protagonizado por un principito.

El mundo real de los personajes y el mundo imaginario del Principito vienen diferenciado visualmente por una técnica de animación diferente: Digital 3D para el mundo real y Stop Motion para el mundo imaginario. Dentro del mundo real, los colores son grises y todo es aburrido en la vida cotidiana de la niña mientras que la casa del aviador está llena de color y diversión.

 

El Principito está dirigido por Mark Osborne (Kung Fu Panda, 2008) y su banda sonora está compuesta por Hans Zimmer (Raiman, 1988; El Rey León. 1995; Inception, 2010).

Conocido de sobra es la maravillosa historia que el escritor y aviador Antoine de Saint-Exupery nos muestra en su novela corta El Principito publicada en 1943, un año antes de la muerte de su autor en accidente de aviación durante la II Guerra Mundial.

 

Poco más puedo añadir. Sólo decir que adaptar un libro con El principito, es una tarea difícil debido tanto a su popularidad como al gran cariño que esta historia provoca en los lectores y a mi me ha entusiasmado.

La Tumba de las Luciérnagas (Hotaru no Haka) (1988)

Personalmente, creo que con semejante trailer, sobran las palabras con las que yo, modestamente, os pueda hablar y recomendar La Tumba de las Luciérnagas. 

Descubrí esta película por casualidad, mientras hacía, hace ya mucho tiempo, aquella entrada sobre los actores y actrices de doblaje españoles y españolas, buscando información sobre Nuria Trifol, que interpreta a Setsuko en dicha película y donde, Albert Trifol, su hermano, interpreta al hermano mayor de Setsuko, Seita.

Durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, Seita y Setsuko, quedan con su madre en encontrarse en un búnker.

Durante el bombardeo en cuestión, la madre resulta herida de extrema gravedad y es trasladada a una escuela que hace las veces de hospital, pero que no tiene, evidentemente, los recursos necesarios para atender a los enfermos. 

El padre de los niños, un oficial de la Marina que está de servicio en ese momento, está desaparecido y Seita y Setsuko irán a vivir unos días a casa de una tia; pero el hambre no entiende de lazos familiares y los niños pronto entenderán que deben irse a su suerte. A partir de entonces, vagarán huérfanos, sin rumbo, tratando de sobrevivir. 

La Tumba de las Luciérnagas es una película de animación dirigida por Isao Takahata basada en la novela de Akiyuki Nosaka. 

Su especial atención en el diseño y la artesanía de la que carecían la mayoría de las producciones de dibujos animados occidentales, subvirtieron el concepto de que los dibujos animados estén dirigidos exclusivamente al público infantil. 

La Tumba de las Luciérnagas es una película dura, un drama bélico, una angustiante y dolorosa historia, no sobre la guerra en sí, sino sobre los inocentes que la padecieron, los niños. 

Pocas películas de no animación me han resultado tan duras y difíciles de digerir. La sensibilidad de la historia se mezcla con la dureza de los dibujos, como las imágenes de la madre de los niños con el cuerpo ensangrentado, las llagas en el cuerpo de la pequeña Setsuko por desnutrición o la paliza que recibe Seita por robar algo de comida para la supervivencia de él y de su hermana.



Una película tan dura como enternecedora. La relación de Seita y Setusko me ha parecido una de las historias más tiernas que he visto en el cine.

Al mismo tiempo que se lanzaba esta película, la misma productora estrenaba Mi vecino Totoro, otra película del estudio Ghibli, totalmente opuesta en su temática, más dirigida a un público infantil, o dirigida, mejor dicho, ya que no recomiendo a nadie ver ésta película con un niño o niña.

Tampoco puedo añadir mucho más sobre esta película, no soy ninguna experta en anime japonés (ni en nada) pero de todas las películas que he visto últimamente, La Tumba de las Luciérnagas ha sido la que más me ha impactado, desde la primera frase: "el día 21 se septiembre de 1945 morí yo"

Abrazos, y perdonad mi nula inspiración, indigna de este blog, soy consciente. Espero volver a encontrar las musas.

Bruja Truca.

Arrugas

Triunfadora en la última edición de los Goya, se llevó las dos estatuillas a las que optaba: Mejor película de animación y Mejor guión adaptado (ante rivales como Pedro Almodóvar). Es la primera cinta de animación que consigue este galardón. Y aunque salir victorioso de una gala no siempre es sinónimo de calidad, en este caso, estamos ante una auténtica joya.

Basada en la obra de Paco Roca (Premio Nacional del Comic 2008, entre otros) quien recopiló gran cantidad de experiencias e ideas en una fase previa de documentación para dar forma a esta historia.

Emilio trabajaba en un banco y ahora confunde la realidad. Su hijo lo lleva a una residencia:

Vas a hacer amigos. Vas a estar mejor que en casa.

Cuando entabla la primera conversación con uno de los internos, recibe una extraña respuesta. Alguien le contará más tarde que era locutor de radio, pero se le han gastado las palabras, y repite todo cuanto se dice en su presencia.

Miguel es argentino, nacido en Ribadeo (Lugo), se las sabe todas y controla todo el cotarro; será su compañero de habitación (celda). Le muestra las instalaciones que cuentan con una excelente piscina (perfecta como reclamo para atraer clientes), y gimnasio (donde sencillos juegos con una pelota se convierten en el aliciente de cada semana, gracias a la exuberante monitora).

Doña Sol busca un teléfono para llamar y que la vengan a recoger, porque ya está bien.

La mujer de Modesto no se separa ni un instante de su lado. Con inmenso cariño le da la comida, los medicamentos, con cada uno de sus gestos, le declara su amor incondicional.

Sabe que tiene Alzheimer, pero se hace el tonto.

Antonia no desea ser una carga para nadie y está resignada a su “suerte”. Uno de los nietos la visita muy de vez en cuando, y es el único.

A través de la ventana desfilan los paisajes exóticos del Orient Express. Esa fantasía rescata la esperanza.

Carmiña nunca está sola. Acompañada se siente más segura ante el inminente ataque de un grupo de marcianos.

Es Navidad, llega el ansiado reencuentro con los seres queridos, que no fallan, como los turrones.

Hay que disimular el deterioro, engañar al médico para no subir a la planta superior.

Un despliegue de sencillez y elegancia. Un precioso retrato  que nos hace conscientes del paso de los años.

Primer largometraje del director Ignacio Ferreras, que ya había realizado un corto sobre la vejez (Como enfrentarse a la muerte del 2002), tema que trata con suma delicadeza y respeto. Dosis equilibrada de drama, comedia y ternura. Ritmo pausado, como la vida que llevan los protagonistas. No hay seres fantásticos, ni super poderes. No hay efectos de animación deslumbrantes, ni 3D. No es un producto bajo presiones comerciales. Es un proyecto personal, donde se ha cuidado hasta el más mínimo detalle. Refleja sentimientos de soledad, desarraigo, miedo a la demencia y a la enfermedad. El regreso a los recuerdos de la infancia y el pasado, para rellenar esos espacios en blanco de la memoria presente. Es un canto a la amistad y al compañerismo, a la comprensión.

“… por ahora no se puede hacer nada para evitar el Alzheimer ni lógicamente la vejez, pero sí que está en nuestra mano mejorar la calidad de vida de las personas mayores y sobre todo evitar la soledad” (Paco Roca)

Guión escrito por Paco Roca (que también colabora en el diseño y la supervisión de aspectos visuales), Ignacio Ferreras, Angel de la Cruz (El bosque animado) y Rosanna Cecchini. Impecable y fiel al original, pero con nuevos matices enriquecedores.

Dos grandes dobladores (Tacho y Álvaro Guevara) ponen las voces y su talento. Música de Nani García que acompaña a escenas inolvidables.

Mi intención era expresar lo mucho que me ha conmovido esta película. Se percibe el cariño con que está hecha. Gusta a todo tipo de público, sea o no fan de la novela gráfica, y de la animación (algunos dicen que a los pocos minutos olvidas que son dibujos).

Quiero dedicar esta entrada a la memoria de mi abuela. Sus últimos años los pasó en el abismo del Alzheimer, sin reconocer a su propia familia. Pero no la quiero recordar así. Fue testigo de mis primeros pasos, me acompañaba al colegio, hacía unas filloas exquisitas, tenía carácter y genio... Siempre a mi lado. Va por ti, yaya.

Web oficial y trailer.

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HASTA LA PRÓXIMA.

Biquiños

LU

El (re)estreno del mes: El Rey León

Lo sé. Hoy no tenéis tiempo de leer blogs. Os han dado las vacaciones, tenéis que desplazaros o estáis muy liados con los preparativos de la cena de mañana y aún os falta un regalo que deberíais tener para ayer.  Así que prometo no entreteneros mucho y el único propósito de ésta entrada es sacaros una sonrisa y traeros un poco de nostalgia.

El re-estreno de El Rey León en 3D éste mes nos tiene a los de mi generación con el alma en vilo, los pelos de punta y la nostalgia a flor de piel. Porque para aquellos que en enero del año 1994 éramos niños (9 años  en mi caso) ésta película nos marcó profundamente. 

¿Quién no recuerda el "aaaaaaaaaaaaaaaa cigüeña (como decíamos todos) o el hakuna matata? ¿Quién de mi generación no ha cantado aquello de "yo quiero ser Rey León?". ¿Quien no recuerda a Simba diciéndole a Scar: "no Scar, no voy a matarte, yo no soy como tú"? y dándonos una lección a todos de que se puede perdonar y de que la venganza no es el mejor camino, cuando, si, todos queríamos que lo despeñase por el acantilado.

Aprendimos lealtad de los fieles Timón y Pumba.

Porque eran leales y, sobre todo, eran amigos. Y no importaba que a Pumba le oliera el aliento, estuviese gordo o fuese un cobarde. Tampoco importaba que Timón fuese un pesado, que hablase demasiado y que le chiflasen las faldas hawaianas 

Estuvieron al lado de Simba cuando fue un cachorro repudiado y exiliado y Simba matuvo su amistad cuando llegó a ser el Rey León. Allí estaban el jabalí y el suricato, orgullosos amigos, en lo bueno y en lo malo.

Lo mejor de ésta canción no es la frase en sí, hakuna matata, sino lo que nos decía al principio y nos hicieron repetir hasta la saciedad, "Vive y deja vivir", ese gran lema.

Otra emotiva relación de amistad fue la de Mufasa con Rafiki.

También nos emocionamos con la historia de amor de Simba y Nala, y la canción de Elton John, "La Noche del Amor". "Se perderá sus juergas de león y todo por amor".  

Y ahora confesad, cuántos gatos y perros habéis oído llamar por el nombre de Simba y Nala.

También aprendimos que la envidia no trae nada bueno. Y que lo importante no es el individuo, sino el grupo cuando la manada, dirigida por Scar, se quedó sin comida. Porque la envidia, la avaricia y la codicia no traen nada bueno.

Nos emocionamos con el re-encuentro entre Simba y su madre, Sarabi, años más tarde, cuando Sarabi creía que Simba habría muerto. La llegada del hijo pródigo.

Y cómo las mentiras siempre se descubren. Pasaron muchos años pero al final Simba, que había cargado con la culpa de creer que había matado a su padre, descubrió que él no había tenido nada que ver con aquello. Porque las mentiras, tarde o temprano, siempre se descubren. 

Son incontables los valores, emociones y recuerdos que me trae ésta película, que fue la primera que me regalaron en mi vida. Y ahora, 18 años después, podré volver a verla en el cine y "El Rey León" volverá a marcar a una nueva generación.

Zinéfilaz os desea una muy Feliz Navidad. Sed felices, disfrutad todo lo que podáis, pero sobre todo, tened MUCHO cuidado en la carretera. 

Felices fiestas.