Rental Family

 Llego hasta "Rental family " película japonesa del 2025 de la directora Hikari, a través del maravilloso programa de cine de la 2 "Días de cine".

La película sigue los pasos de un actor estadounidense que intenta salir adelante en el Japón actual mediante trabajos de poca monta hasta que le proponen trabajar para una empresa que ofrece "familias de alquiler", es decir, esposo, amigo, padre, novio o cualquier otro rol que el cliente demande a domicilio.

En una sociedad donde la soledad y el aislamiento están a la orden del día y donde ir a terapia está estigmatizado, parece una necesidad rentable en el mercado, comprar un bienestar emocional que de otro modo parece difícil conseguir.

"Rental family" se convierte así en una película agradable de ver donde contra todo pronóstico, los vínculos humanos superan los acuerdos mercantiles y se establecen auténticas vinculaciones afectivas que desafían la relación compra-venta.

Se puede interpretar como una crítica no sólo hacia el capitalismo de las ciudades modernas sino además hacia el patriarcado donde pocas opciones le quedan a una mujer que por ejemplo es madre soltera y aspira a tener una plaza en un colegio privado para su hija ,sobre todo porque no cuenta con la figura de un padre, cabeza de familia que asegure el bienestar de la familia a la antigua usanza y configure esa idea de familia nuclear tradicional.

Es en una sociedad donde producir y consumir es la maquinaria que impera en toda ciudad del primer mundo pero además esa imagen de un edificio en la noche con cada vivienda con las luces encendidas, a modo de colmena, donde cada vecino/a vive su vida y está incomunicado del resto, pero produce y se ve envuelto a veces en una existencia sin sentido donde ha de recurrir a un servicio de pago para que alguien le haga sentir que importa.

Aún con todo, la película es amable, auténtica, te hace reir y llorar y también se revuelve contra quienes intentan hacer negocio en esas grietas que la sociedad deja repletas de vacío y soledad.

Nos habla además de la memoria, de la importancia de conservar el recuerdo de lo que te hizo sentir vivo y feliz, de volver al origen a la raíz,de tomar conciencia de que somos mientras recordamos y  somos recordados.

Apuesta por la fluidez y la calidez de las relaciones humanas en lo sencillo y lo cotidiano, en lo genuino de los vínculos que surgen entre desconocidos sin estar estrictamente planificados.

No esperaba mucho del título ni de la portada pero la verdad es que la película ni es dulzona ni es una telecomedia barata de sobremesa, con todos mis respetos hacía las películas de la hora de la siesta.

Quisiera destacar la interpretación de Brendan Fraser, actor que ganó el oscar por la película "La Ballena". Él da credibilidad y honestidad a las emociones que experimenta su personaje y nos conduce por un viaje que va desde la mera interpretación de un rol a la verdadera conexión afectiva que de manera espontánea sucede entre él y algunos de sus clientes.

Haced por verla y saldréis del cine con una sonrisa, que es algo, que igual podríamos practicar más.

Féliz fin de semana.

Troyana

Tres samurais

Se dicen que las fiestas y vacaciones son momentos para descansar, y para ello, no hay nada mejor que volver a ver a una saga favorita, de entre las tantas que hay. Yo hice esto durante las Navidades, y pude ver más de una, con mayor o menor fortuna al volver a verla, o descubrirla por primera vez. Y una de las que disfruté con más cariño fue la Trilogía del Samurai de Yôji Yamada.

Hacía muchos años que no había visto estas películas, que no tienen personajes comunes. Al igual que en la Trilogía del Dólar de Sergio Leone, hay temas comunes, pero no se repiten los personajes. En este caso, veremos samurais de poca "relevancia", en los últimos años del Japón más tradicional, en el periodo Edo, y cómo se verán obligados en un momento de sus vidas, a una lucha que no buscan pero en la que se verán abocados, a la vez, que coincide un momento de sus vidas en las que su corazón también debe tomar decisiones inesperadas, y la personalidad del pueblo japonés, el honor y el clasismo tienen mucha influencia. Todas están basadas en relatos de Shûei Fujisawa.

Yôji Yamada comenzó en el cine a finales de los años 50 y firmó su primera película en 1961, con Nikai No Tanin, habiendo escrito 130 películas y dirigido 90, en sus casi 90 años de vida. Ganador de varios premios, en occidente la irrupción de la primera película de la Trilogía del Samurai, le hizo ganador del Óscar a Mejor Película de Habla No Inglesa en su 76 edición. Hablemos ahora de estos films. Son también conocidos sus films Kâbê (Nuestra madre), Una Familia de Tokio, La Casa del Tejado Rojo o las películas de Tora-San.

El Ocaso del Samurai - 2002

Protagonizada por Hiroyuki Sanada, este film cuenta la vida de un samurai de bajo rango, viudo, con dos hijas y una madre dependiente, que quiere lo mejor para su familia, pero que no cuenta con recursos. Su vida tranquila y pobre, en la que sufre las burlas de sus compañeros de trabajo, se ve cambiada, cuando llega Tomoe, una antigua amiga de la infancia que ha divorciado. El protagonista, se verá imbuído en un conflicto sobre lo que desea su corazón, y lo que puede hacer, mientras que recibe órdendes para asesinar a otro samurai caído en desgracia.

La Espada Oculta - 2004

En este caso, el papel del samurai recae en el actor Masatoshi Nagase, que interpreta a Munezo Katagiri, un samurai con una posición modesta, que vive feliz con su hermana, su madre y una joven criada, Kie. Al pasar el tiempo, y quedánsose Munezo solo, decide ayudar a Kie, que se casó y vive maltratada. Esto provoca las murmuraciones, a la vez, que otra circunstania, la caída de un amigo en desgracia, lo obligan a tomar decisiones duras para él.

Amor y Honor - 2006

Dos años después, se cierra la trilogía. En este caso, el protagonista es un casado, interpretado por Tayuka Kimura, que vive con felicidad junto a su mujer. Como samurai menor, se dedica a ser catador, pero una alimento mal hecho, hará que se quede ciego, y su felicidad, que era modesta pero plena, desaparezca, creando un conflicto son su esposa.

Como podemos ver, todas la historias, están interpretadas por samurais que no se dedican a grandes y épicas batallas, como pensaríamos al evocar el cine japonés, pero eso no los aleja de unas batallas finales en las que desembocan todas las películas, y motivadas, más allá de por la sed de venganza, o el orgullo del guerrero, por la obligación o el concepto del honor. La motivación de estos hombres, es siempre el amor a sus "mujeres" y su familia, en un concepto muy diferente a los miembros del Shogun a los que tienen que "sufrir", y que les imponen tareas, en principio tediosas, y luego terribles.

Los films, aunque tranquilos, y calmados, poseen una belleza excepcional, y una atracción hipnótica para aquellos que gusten de las buenas historias contadas con lujo de detalles, pero de forma poco evidente. Son de una estética delicada, dulce y profunda, en la que aunque nos podamos estar alejados por el tiempo y la cultura, podemos navegar y disfrutar.

Si queréis ver una buena historia universal, sobre el amor y el honor, no os perdáis la Trilogía dle Samurai.

Carmen R

La Tumba de las Luciérnagas (Hotaru no Haka) (1988)

Personalmente, creo que con semejante trailer, sobran las palabras con las que yo, modestamente, os pueda hablar y recomendar La Tumba de las Luciérnagas. 

Descubrí esta película por casualidad, mientras hacía, hace ya mucho tiempo, aquella entrada sobre los actores y actrices de doblaje españoles y españolas, buscando información sobre Nuria Trifol, que interpreta a Setsuko en dicha película y donde, Albert Trifol, su hermano, interpreta al hermano mayor de Setsuko, Seita.

Durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, Seita y Setsuko, quedan con su madre en encontrarse en un búnker.

Durante el bombardeo en cuestión, la madre resulta herida de extrema gravedad y es trasladada a una escuela que hace las veces de hospital, pero que no tiene, evidentemente, los recursos necesarios para atender a los enfermos. 

El padre de los niños, un oficial de la Marina que está de servicio en ese momento, está desaparecido y Seita y Setsuko irán a vivir unos días a casa de una tia; pero el hambre no entiende de lazos familiares y los niños pronto entenderán que deben irse a su suerte. A partir de entonces, vagarán huérfanos, sin rumbo, tratando de sobrevivir. 

La Tumba de las Luciérnagas es una película de animación dirigida por Isao Takahata basada en la novela de Akiyuki Nosaka. 

Su especial atención en el diseño y la artesanía de la que carecían la mayoría de las producciones de dibujos animados occidentales, subvirtieron el concepto de que los dibujos animados estén dirigidos exclusivamente al público infantil. 

La Tumba de las Luciérnagas es una película dura, un drama bélico, una angustiante y dolorosa historia, no sobre la guerra en sí, sino sobre los inocentes que la padecieron, los niños. 

Pocas películas de no animación me han resultado tan duras y difíciles de digerir. La sensibilidad de la historia se mezcla con la dureza de los dibujos, como las imágenes de la madre de los niños con el cuerpo ensangrentado, las llagas en el cuerpo de la pequeña Setsuko por desnutrición o la paliza que recibe Seita por robar algo de comida para la supervivencia de él y de su hermana.



Una película tan dura como enternecedora. La relación de Seita y Setusko me ha parecido una de las historias más tiernas que he visto en el cine.

Al mismo tiempo que se lanzaba esta película, la misma productora estrenaba Mi vecino Totoro, otra película del estudio Ghibli, totalmente opuesta en su temática, más dirigida a un público infantil, o dirigida, mejor dicho, ya que no recomiendo a nadie ver ésta película con un niño o niña.

Tampoco puedo añadir mucho más sobre esta película, no soy ninguna experta en anime japonés (ni en nada) pero de todas las películas que he visto últimamente, La Tumba de las Luciérnagas ha sido la que más me ha impactado, desde la primera frase: "el día 21 se septiembre de 1945 morí yo"

Abrazos, y perdonad mi nula inspiración, indigna de este blog, soy consciente. Espero volver a encontrar las musas.

Bruja Truca.

Lady Snowblood (Shurayukihime) (1973)

En 1873, a las afueras del pueblo de Koichi, una banda de cuatro estafadores asesina brutalmente a un joven profesor que obstaculizaba sus planes. También matan al pequeño hijo del profesor y a su mujer, Sayo (Akaza Miyako), la torturan y violan durante días. Pero Sayo consigue matar a uno de sus torturadores y por ello es enviada a prisión y condenada a cadena perpetua (¡toma ya la justicia!)

Una vez en prisión Sayo jura vengarse de los tres asesinos de su familia que aún quedan y para ello comienza a tener relaciones sexuales con todo hombre que encuentra por la cárcel (otros presos, guardias...) con la intención de quedarse embarazada de un niño que será el instrumento de su venganza. Lo consigue y una fría y nevada noche da a luz a una niña. Poco después Sayo muere.

La niña, Yuki, será criada por su comadrona, Otora (Kusuda Kaoru) y cruelmente entrenada para matar desde su más tierna infancia por el maestro Dokai (Nishimura Ko).  El único objetivo de la vida de Yuki será asesinar a unas personas a unas personas a las que ella ni siquiera conoce.

Este es más o menos el resumen del primer capítulo de los cuatro en los que se divide esta película de Fujita Toshiya basada en el manga de Koike Kazuo (conocido también por su manga “Lobo solitario y su cachorro”) y el dibujante Kazuo Kamimura.

Si os gustan los mangas, os recomiendo este. Buenísimo.

Quentin Tarantino se basó en esta historia de venganza femenina para  su “Kill Bill”, aunque no sólo la historia le sirvió de inspiración, también la estructura en capítulos de la película, ciertas escenas (como cuando el personaje de Uma Thurman y el de Lucy Liu luchan en la nieve), incluso una de las canciones de la banda sonora de “Kill Bill” , “the Flower of carnage” ("Shura no hana" en japonés o "La flor de la matanza" en español), es la canción principal de “Lady Snowblood” y está interpretada por su protagonista, Meiko Kaji. Esta canción es maravillosa y en este vídeo la podéis escuchar y ver algunas imágenes de la película:

Esta es la traducción de la letra:

La nieve cae como si estuviese de luto por la mañana muerta,
Los aullidos de un perro callejero y los pasos de Geta atraviesan el silencio.
Camina con el peso de la Vía Láctea sobre sus hombros,
Pero lo único que tiene es un parasol que abraza la oscuridad.
La mujer que camina por el camino de la vida
Dejó atrás sus lágrimas hace mucho tiempo.
En el río que hay ante ella ve cómo desaparecen en la distancia los faroles de los viajeros,
Las grullas heladas que no se mueven, el viento y la lluvia que caen,
Su pelo sin arreglar, reflejado sobre la congelada superficie,
Y un único parasol, pero ni una sola lágrima.
La mujer que camina por el camino de la venganza
Dejó atrás sus sentimientos hace mucho tiempo.
Justicia y compasión, lágrimas y sueños,
Ayer y hoy, palabras que ya no la confinan.
La mujer que se dejó arrastrar por el río de la venganza
Se dejó a si misma atrás hace mucho tiempo.

Cuando Tarantino hizo su musa a “Lady Snowblood” los que amamos está película desde siempre tuvimos dos sentimientos encontrados. Por un lado, nos alegró que por fin está gran película que llevaba años pasando desapercibida, empezara a tener su merecido reconocimiento, pero esto mismo, nos pareció algo triste ya que esta fama no se debió a sus méritos propios, sino a Quentin Tarantino.

Cómo podéis comprobar hay mucha inspiración, copia,
homenaje, o como queráis llamarlo, de "Lady Snowblood" en "Kill Bill"

Hablábamos antes de Meiko Kaji, su protagonista,una de las diosas del cine explotation japonés,  que ya era muy conocida en Japón, por su trabajo en la película “Female Prisoner Scorpion” (1976), pero a la que el papel de Yuki, convirtió en estrella, sobre todo en Occidente. Y es que su interpretación es magnifica.

Cartel de "Joshuu 701-gô: Sasori" ("Female Prisoner Scorpion"), 1972

“Lady Snowblood” fue un éxito tremendo de taquilla, y el mismo equipo estrenó al año siguiente la secuela titulada “Love song of Vengeance”, que no es una genialidad como la primera, pero tiene un pase. La secuela se centra demasiado en el ambiente político de Japón a finales del siglo XIX, lo que la hace un poco aburrida en mi opinión, aunque si que me pareció muy interesante ver el desarrollo del personaje principal, Yuki, una niña engendrada por el deseo de venganza, educada para vengarse y cuyo único objetivo en la vida es la venganza, ¿qué fue de ella una vez que cumplió su misión?

En 2001 se estrenó su remake “The Princess Blade”, que aunque no pierde ese enfoque manga, está mucho mas encaminada hacia la ciencia ficción, con lo cual pierde la esencia de “Lady Snowblood” que no deja de ser una clásica película de samurais, con escenas violentas, incluso gore, pero tremendamente elegantes. Espero que no me seáis tiquis-miquis con las escenas en las que aparecen los geyseres de sangre, que este efecto lo inventó Akira Kurosawa para “Sanjuro” (otra peli IMPRESCINDIBLE), a ver si va a resultar que cuando algo así aparece en una película cualquiera es una animalada, pero en una de Kurosawa es algo divino.

“Shirayukihime” significa Princesa Blancanieves, y así se llama en Japón la película de Disney, pero si le cambiamos una simple letra, “Shurayukihime”, lo que nos sale es algo así como “la sangrienta princesa de nieve”, más adecuado a esta película (jejeje)

En resumen, “Lady Snowblood” es una impactante combinación de violencia, feminismo, venganza y una gran lección de historia que en mi opinión ha envejecido bastante bien.

Moniruki

Desde el país del sol naciente

No tengo término medio. Me pongo a escribir y, de pronto soy consciente de que la entrada es demasiado extensa. No me había pasado nunca, yo, la reina de lo escueto. Solución, cortar (no, no pretendo seguir las tendencias actuales), y por eso me voy a centrar en filmografía reciente, y dejar para 2013 la posibilidad de retroceder en el tiempo (aunque parezca ciencia ficción).

En concreto he elegido 5 películas, todas de este siglo XXI. Se me da fatal esto de seleccionar, y puede que una vez publicada, se me ocurran otras tantas, o más, que podría haber incluido. En cualquier caso, allá va. Que lo disfrutéis.

Air doll (Hirokazu Kore-eda, 2009)

La protagonista es una muñeca creada para proporcionar placer. Su rutina transcurre entre las cuatro paredes de la casa en la que vive el hombre que hace años la compró. De repente cobra vida, y empieza a observar a su alrededor. Imita los movimientos de una mujer, los gestos de una niña. Todo le deslumbra, los vidrios de colores de las botellas, la ropa. Un día entra en un videoclub y allí descubrirá el amor y el miedo, aprenderá a sentir.

Me ha encantado, la delicadeza que transmite, las ganas de vivir y la desesperanza. La actriz principal borda este complicado papel y nos atrapa lentamente.

Un año antes, ya me había cautivado este mismo director con el retrato familiar de: Still walking (2008).

Se reúnen todos en la casa familiar para compartir una deliciosa comida y recordar al hermano muerto hace años en un trágico incidente. El sofocante calor, el abuelo huraño, la abuela afanosa en la cocina, la hija ayudando y charlando, el hijo que acude a regañadientes acompañado de su actual esposa, una mujer viuda con un niño. Se entremezclan recuerdos entrañables y dardos envenenados de reproches. El dolor por la pérdida, y el odio como único resquicio para superarlo.

Cosas que no se dicen a los padres, deseos que no se pueden hacer realidad.

Faltan adjetivos para definirla, es una joya.

Despedidas (Yojiro Takita, 2008). Oscar a Mejor película de habla no inglesa. WEB OFICIAL

Parece que todas sus ilusiones se desvanecen. Toca el violonchelo en una orquesta, pero se disuelve y se ve obligado a vender el instrumento al no poder afrontar su elevadísimo precio. No cree en su talento y busca una oportunidad lejos de la gran ciudad. Vuelve al pueblo natal, a la casa materna que ha heredado. Responde a un anuncio y de inmediato le contratan, ante su sorpresa. El trabajo que le ofrecen no es exactamente lo que él esperaba, una agencia dedicada a preparar a los difuntos. La ceremonia del amortajamiento consiste en lavar, maquillar y embellecer a la persona ante sus seres queridos. Ha de vencer la repulsión y el estigma social, y, de paso, no dejar que se hunda su matrimonio.

Ese enclave donde se desarrolló su infancia le devuelve a los tristes recuerdos de su padre, quien le abandonó siendo cuando era pequeño. Y a la ternura de la mujer que regenta los baños públicos.
Delicadeza sería la mejor definición para esta preciosa película. El mimo con el que trata a los muertos, ese respeto infinito. El propio protagonista va cambiando su actitud hacia su nuevo empleo. Un jefe comprensivo le ayudará.

El mensaje de las piedras lisas, esas manos que ofrecen el paño para limpiar el rostro, esa melodía que evoca al pasado, ese frío con la llegada de los primeros copos de nieve, el agua templada en las bañeras calentada lentamente con leña, esa infinidad de pequeños cuencos y sabrosas comidas. La muerte vista como una puerta, como el umbral ante otro camino.
Salpicado con momentos de humor y otros de extrema belleza. Me quedo con esas imágenes, tocando el pequeño violonchelo con el que aprendió sus primeras notas, en plena naturaleza.

Dolls (Takeshi Kitano, 2002)

Tres historias: Sawako y Matsumoto eran una pareja feliz, pero finalmente él decide casarse con la hija de su jefe... Hiro es un anciano jefe de la yakuza. 30 años atrás era un pobre trabajador en una fábrica que abandonó a su amada novia por sus sueños de prosperar... Haruna era una famosa cantante hasta que un accidente de tráfico le desfigura el rostro....

Ecléctico Kitano desde “Humor amarillo” hasta películas como “Dolls”; no se puede negar su amplio abanico de opciones. Partiendo de las tradiciones, Bunraku, o representación de marionetas, y empleando un precioso mundo simbólico, nos va sumergiendo en la tristeza, abandono, pérdida del amor y de los sueños. La música es parte fundamental del ambiente que se crea, de los silencios, de los paisajes que van cambiando al ritmo de las estaciones: los cerezos en flor, las hojas rojas y el frío manto de nieve final. Fascinante.

Todo sobre Lily Chou Chou (Shunji Iwai, 2001)

Alrededor de Lily se crea una web donde sus fans comparten todo lo que la música de esta cantante significa en sus vidas. Mensajes del foro sobre el negro de la pantalla en caracteres japoneses, dan paso al deslumbrante campo verde de arroz, donde un chico solitario, con su discman entre las manos y los auriculares, se aísla del mundo.

Grupo de adolescentes de un pueblo de Tokio asisten a clase y a su club de estudiantes para practicar Kendo o ensayar con el coro. Inocencia efímera transformada en actos de rebeldía que van ganando en fuerza y brutalidad: robo de un CD de la tienda y de dinero a un hombre que sale del centro comercial; peleas, violencia, humillaciones, acoso, prostitución, violación, MUERTE.

Profesores y familias impotentes e incapaces de llegar al fondo del problema. Pasividad, desorientación, falta de referencias afectivas y de normas, vacío que se llena a golpe de impulsos y que desata conductas aberrantes.

El director ensalza al ídolo ficticio, compone una hipnótica banda sonora junto a Takeshi Kobayashi, crea una web y a partir de ahí escribe la novela en la que se basa el guión. Demoledora, con un exquisito repertorio de imágenes que muestran desde el más íntimo sufrimiento hasta la fragilidad de una cometa que vuela a lo más alto y cae en picado sin posibilidad de salvación.

Esto es todo, amig@s. Sayonara!!!

LU