tonyface

Daniele Marzeddu - This is Britannia

2026-05-21T00:30:00.000+02:00

Daniele Marzeddu è un fotografo italiano che da dieci anni vive in Gran Bretagna (che nel prefazione di Jim Donaghey si dimostra che "non esiste").
Attraverso le sue immagini viaggiamo da nord a sud, da immagini di immigrati (il 9% della popolazione si riconosce come britannic asiatici, ad esempio) ai problemi dell'alcolismo, dal crescente isolazionismo xenofobo alla multiculturalità e interreligiosità del "regno".

A corredo delle foto, commenti, talvolta poetici altre volte statistici.
Una nazione in bilico, attraversata dalle mille contraddizioni post Brexit, in trasformazione, a cavallo tra patriottismo e sguardo al futuro.

Molto interessante e coinvolgente.

"We Are British" si sente dire, senza non poco orgoglio, girando per le varie loocalità dell'isola: britannici, un aggettivo che accomuna sotto un'unica grande nazione le etnie che si sono stanziate nelle varie lande e contee in cui è amministrativamente suddiviso il territorio della grande isola che fu, in un tempo geologico relativamente recente, parte del continente.

https://www.edizionilow.it/this-is-britannia/

Daniele Marzeddu
This is Britannia
Low Edizioni
160 pagine
24 euro

Antonio Bacciocchi - Keith Moon, batterista

2026-05-18T00:30:00.000+02:00

𝐊𝐞𝐢𝐭𝐡 𝐌𝐨𝐨𝐧 è stato uno dei batteristi 𝐩𝐢𝐮̀ 𝐩𝐞𝐫𝐬𝐨𝐧𝐚𝐥𝐢, 𝐢𝐧𝐧𝐨𝐯𝐚𝐭𝐢𝐯𝐢 𝐞 𝐢𝐧𝐢𝐦𝐢𝐭𝐚𝐛𝐢𝐥𝐢 𝐝𝐞𝐥𝐥𝐚 𝐬𝐭𝐨𝐫𝐢𝐚 𝐝𝐞𝐥 𝐫𝐨𝐜𝐤.

Nel 2016 avrebbe compiuto 80 anni.
Il suo era uno stile unico che attingeva da tutto e da niente, o forse solo dalla sua mente che viaggiava a mille all’ora in chissà in quale direzione.

Anche la sua breve vita è stata come un proiettile vagante che ha disseminato danni ovunque. Purtroppo è spesso ricordato soltanto come una macchietta folle che devastava alberghi e batterie, che si distruggeva con alcol e mille droghe; in altre parole, un incontenibile pericolo pubblico.
In realtà è stato 𝐮𝐧𝐨 𝐬𝐭𝐫𝐮𝐦𝐞𝐧𝐭𝐢𝐬𝐭𝐚 𝐢𝐧𝐚𝐫𝐫𝐢𝐯𝐚𝐛𝐢𝐥𝐞, 𝐩𝐞𝐫 𝐪𝐮𝐚𝐥𝐢𝐭𝐚̀ 𝐞 𝐟𝐚𝐧𝐭𝐚𝐬𝐢𝐚.

Questo libro, parla della vita e della personalità di Keith Moon, ma soprattutto del modo in cui suonava e interpretava le canzoni di 𝐮𝐧𝐨 𝐝𝐞𝐢 𝐩𝐢𝐮̀ 𝐠𝐫𝐚𝐧𝐝𝐢 𝐠𝐞𝐧𝐢 𝐝𝐞𝐥 𝐗𝐗 𝐬𝐞𝐜𝐨𝐥𝐨, 𝐏𝐞𝐭𝐞 𝐓𝐨𝐰𝐧𝐬𝐡𝐞𝐧𝐝, 𝐞 𝐝𝐢 𝐮𝐧𝐚 𝐝𝐞𝐥𝐥𝐞 𝐩𝐢𝐮̀ 𝐠𝐫𝐚𝐧𝐝𝐢 𝐫𝐨𝐜𝐤’𝐧’𝐫𝐨𝐥𝐥 𝐛𝐚𝐧𝐝 𝐝𝐢 𝐬𝐞𝐦𝐩𝐫𝐞: 𝐠𝐥𝐢 𝐖𝐡𝐨.

Con la partecipazione di Giovanni Naska Deidda con il capitolo "Le batterie di Keith Moon".

“Sono rimasto stupito di come la musica degli Who conduce a una performance orchestrale. Lo stile di batteria di Keith Moon era quasi orchestrale, molto più decorativo e celebrativo piuttosto che ritmico.” (Pete Townshend)

Quando seppi della morte di Keith Moon, il giorno successivo andai a scuola con una fascia nera al braccio in segno di lutto, suscitando la preoccupazione e la solidarietà di compagni e professori.
Si trasformò in ilarità e dileggio quando spiegai che era morto Keith Moon degli Who e che per me ciò significava molto.
E' da sempre stato il mio batterista preferito, allo stesso livello di Ringo Starr.
Tanto compassato, poco visibile e sommessamente geniale Ringo, quanto folle nella sua pirotecnica modalità esecutiva Keith.
Due opposti che si compensavano nella mia visione dello strumento.
Poco tempo dopo il settimanale "Ciao 2001" pubblicò la notizia che gli Who sarebbero andati avanti e che stavano per iniziare le audizioni per un nuovo batterista, riportando anche un indirizzo (quella della Eel Pie, casa editrice e di produzione musicale di Pete Townshend) a cui eventualmente proporre la propria candidatura.
Io non avevo ancora compiuto 17 anni e suonavo la batteria da molto poco ma scrissi immediatamente una lettera con la mia Olivetti, lasciatami da mio padre, su un foglio di ricercata qualità.
Lasciai indirizzo e numero di telefono, avvertendo mia mamma che poteva arrivare una telefonata dall'Inghilterra nei prossimi giorni e di farsi dare il numero che avrei richiamato io.
Ero consapevole che non sarei mai stato scelto ma l'obiettivo era di andare a Londra e di suonare un brano con gli Who, farmi dire "ti faremo sapere", farmi autografare i loro dischi (avevo tutti quelli usciti fino ad allora e anche quelli solisti), una foto insieme e me ne sarei tornato a casa.
Poco tempo dopo uscì la notizia che avevano scelto il loro vecchio amico Kenney Jones, ex Small Faces e Faces.
Capii che era per quello che non mi avevano risposto.

Per chiunque fosse interessato/a l'invito è di rivolgersi a una libreria (oppure Hellnation64@gmail.com) o direttamente a Low Edizioni, cercando, se possibile di evitare Amazon e affini.
Grazie.

https://www.edizionilow.it/

Antonio Bacciocchi
Keith Moon, batterista
Low Edizioni
160 pagine
16 euro

Digitalizzazione repertorio Lilith / Lilith and the Sinnersaints: "Guerra"

2026-05-16T09:03:46.095+02:00

Prosegue la digitalizzazione del catalogo di Lilith e Lilith and the Sinnersaints a cura di LaPOP Music.
Tocca questa volta al mini LP "Guerra" di Lilith pubblicato dalla belga Boom Records nel 1995.

Il buon riscontro ricevuto dall’album “Lady sings love songs” dell’anno prima induce la band a provare a capitalizzare in qualche modo i risultati faticosamente conquistati anche a suon di kilometri da una parte all’altra della Penisola.
Si suona a Vicenza, Trento, Genova, Lodi, Faenza, Bologna, Roma (dove siamo ospitati anche a Radio RAI Uno), Genova, Piacenza, Milano, al “Bloom” di Mezzago, Bergamo, Voghera, Genova, Massa. Ma anche a Imola alla Festa della rivista “Cuore” dove ad aprire per noi c’è un interessante neonato gruppo folk alla Pogues di Modena, tali Modena City Ramblers e a “FestAmbiente” a Grosseto.
In Belgio la Boom Records stampa il 45 “Everything”/“Bluesin me” e distribuisce capillarmente l’album.
In Grecia la Wipe Out Records invece pubblica un altro 45, “Little Louise”/“Bourballad”.
In settembre torniamo in Belgio in tour, suonando alla Radio Nazionale Belga, a Mechelen e a Bruxelles nel Festival Trans Europe, dove rappresentiamo l’Italia in mezzo ad un sacco di altre band da ogni parte d’Europa, ottenendo un inaspettato successo.

Nel 1994 entriamo in studio per un mini CD (per la prima volta non pubblichiamo in vinile) che realizzerà la belga Boom Records; “Guerra” con le cover di “Hommage a Violette Noizieres” degli Area e “You can’t put your arms around a memory” di Johnny Thunders.

“Non avevo ancora 30 anni, la metà della mia vita l’avevo passata in giro su ogni tipo di palco possibile e immaginabile. Mi sentivo come quando cammini e cammini e non arrivi da nessuna parte e hai solo i piedi gonfi. In ogni posto mi vestivano di complimenti ma mi ritrovavo sempre a caricare e scaricare strumenti... mi sentivo come quella storia buddista del vaso di lacca prezioso graffiato da una zampa di granchio.....”
(Lilith)

Ascolta Guerra, da oggi sulle piattaforme digitali: https://lnk.to/lilith_guerra

The Masked Marauders

2026-05-15T00:30:00.001+02:00

Nel 1969 la rivista Rolling Stone si inventò un bootleg intestato ai THE MASKED MARAUDERS, in cui, sotto falso nome, incidevano insieme Paul McCartney, John Lennon, George Harrison Bob Dylan e Mick Jagger.
La recensione attirò ovviamente l'attenzione del pubblico, desideroso di ascoltare le canzoni (siamo in anni in cui i nomi suddetti sono all'apice della poppolarità) e delle etichette, altrettanto impazienti di pubblicare ufficialmente il materiale.

Il giornalista Greil Marcus Marcus e il direttore di Rolling Stone, Langdon Winner, reclutarono così la Cleanliness and Godliness Skiffle Band, un gruppo di Berkeley, in California, che aveva pubblicato un album l'anno precedente che registrò una serie di canzoni, imitando alla perfezione le voci dei presunti partecipanti.

Nel novembre 1969, la Warner pubblicò l'album che vendette più di 100.000 copie, trascorse 12 settimane nella classifica degli album di Billboard, raggiungendo il picco al numero 114.

Nell'album e nelle note promozionali era contenuti diversi indizi su una possibile burla, tanto che alla fine i protagonisti dello scherzo furono particolarmente sorpresi che così tante persone avessero preso sul serio il disco.

I nove brani sono genericamente di scarso valore, con alcuni brevi intermezzi goliardici, una lunga versione di "Season of the Witch" di Donovan e l'iniziale "I can't Get No Nookie" cantata da "Jagger" (sfido a trovare le differenze vocali con l'originale) molto ben fatta, funk rock e credibile. Più bella e interessante l'idea della musica.

New Mod bands (Molotovs, Sharp Class, Spitifires)

2026-05-14T00:30:00.003+02:00

Riprendo l'articolo che ho scritto sabato scorso per l'inserto "Alias" de "Il Manifesto", dedicato alle nuove mod band (e affini) inglesi: Molotovs, Sharp Class e Spitifres, con stralci di interviste esclusive .

“Senza Paul Weller non ci sarebbe stata la nuova scena Mod, non ci sarei stato io”.
Così ha dichiarato Eddie Piller, fondatore dell’Acid Jazz Records, affermato Dj (anche alla BBC), uno dei primo mod londinesi a riprendere la tradizione degli anni Sessanta, portata alla notorietà mediatica da band come Who e Small Faces, abbracciata e amata da future star come David Bowie, Marc Bolan e Rod Stewart.
Come disse Peter Meaden, scopritore e primo manager degli Who: "Quanti ambasciatori del rock inglese sono stati direttamente influenzati dal Mod: Who, Rod Stewart, David Bowie, Stones, Small Faces, Animals, Georgie Fame, Julie Driscoll, Brian Auger, Zoot Money, Steve Winwood, Eric Clapton, Kinks, Marc Bolan, Jeff Beck, Robert Plant, Jimmy Page, Elton John, Andy Summers, Bryan Ferry".

E’ vero, la scena mod ha marchiato a fuoco gli anni Sessanta ma, proprio grazie a Weller e a suoi Jam, sui palchi inglesi dal 1976, è tornata prepotentemente in auge dalla fine degli anni Settanta.
Sembrava un secolo e invece erano solo quindici anni.
Ma qualcosa si muoveva già nel sottosuolo.
Decine di gruppi erano stanchi della pomposità e dell’epica del prog rock o dei travestimenti (spesso imbarazzanti) del glam e tornavano all’essenziale, suonando rock ‘n’ roll, rhythm and blues e cover di soul.
Gente come Dr.Feelgood, Nine Below Zero, Count Bishops, i 101ers di Joe Strummer, Brinsley Schwarz, Kilburn and the High Roads di Ian Dury, gli Hammersmith Gorillaz di Jesse Hector, i favolosi Inmates, tracciavano un nuovo percorso di recupero dei vecchi suoni più immediati e semplici, facendo da (cattivi) maestri a una nuova generazione di giovani appassionati.
E così nuove band con giovanissimi componenti come Purple Hearts, Chords, Jolt, i Merton Parkas di Mick Talbot, poi con gli Style Council, ancora con il nome di The Sneekers, i Pleasers, incominciarono a suonare quelle canzoni, quei ritmi, vestendosi come i primi Rolling Stones, Who, Kinks o Small Faces, definendosi spesso “mods”.

Il “Mod Revival” esplose tra il 1979 e il 1980, grazie anche alla spinta del film “Quadrophenia” di Frank Roddam (giovane regista incaricato dagli Who a mettere su pellicola l’epica della loro omonima opera rock, esclusiva farina del sacco di Pete Townshend, pubblicata nel 1973). Ebbe successo e influenzò migliaia di giovani alla ricerca di un’identità, in mezzo mondo.
Frank Roddam arrivò poi alla tranquillità economica inventandosi il format di “Masterchef”, la sua pellicola diventò invece progressivamente un “cult”, ancora oggi fresco, divertente e pulsante.

Nel corso degli anni la cultura mod ha subito un’altalena di alti e bassi, rimanendo però costantemente presente, seppure in modalità sotterranee, godendosi le serate danzerecce a base di soul, northern soul, ska e rhythm and blues e la costante ricerca di dischi rari e di look eleganti, raffinati e originali.
Progressivamente si sono perse però le band con chiari riferimenti alla tradizione mod.
Per lungo tempo sui palchi sono saliti quasi esclusivamente gruppi appartenenti a quella lontana scena degli anni Ottanta, il più delle volte con solo qualche membro originario e un’età media piuttosto alta.

Ma negli ultimi anni è tornata, improvvisamente e imprevedibilmente, una nuova ondata di band giovani, agguerrite, ricche di energia, nuove canzoni e tanta creatività, pur figlia di quelle radici lontane.

Ne abbiamo scelte tre, i più significativi e promettenti.

Partiamo dagli Sharp Class. Un trio che arriva da Nottingham. Due album e una serie di singoli all’attivo, i Jam come spina dorsale del loro sound ma con influenze che vanno tanto agli Who e ai Kinks quanto ai Clash, al power pop, a Joe Jackson.
Amfetaminici, duri e puri, sfrontati, un vero inno alla “Young Idea” di cui parlava Paul Weller agli esordi.
Interpellato sulle affinità con il mod il chitarrista e leader della band, Oliver Orton, precisa:
Lo stile Mod si distingue. È cool senza sforzo, smart e dà un senso di identità. È come qualsiasi stile, però è tutto soggettivo. C'è qualcosa nell'essere in grado di apparire cool, pur rendendolo naturale. Lo stile Mod fa questo. Una camicia, una giacca e dei mocassini sono fantastici sul palco sotto le luci e un Harrington, le classiche desert boots o le Adidas con jeans scuri sono casual ma si distinguono. Oggigiorno, c'è sempre più stile che si insinua nella società di tutti i giorni. Difficile dire quanto sia "attuale" lo stile in questo momento, non credo che sia importante finché ti sembra la tua seconda pelle.
v Anche i Molotovs sono giovanissimi.
Sostanzialmente sono i due fratello e sorella Matthew e Issey Cartlidge con un batterista in aggiunta.
Sono stati molto spinti a livello mediatico, hanno avuto la benedizione di Debbie Harry, i “nuovi” Sex Pistols, Libertines e Green Day, a cui hanno aperto i concerti, fatto una lunga gavetta, sia come buskers nelle strade londinesi che in piccoli pub, accumulando oltre 600 esibizioni live in pochissimo tempo.

Dice Matthew: Non siamo mai stati tipi da The Voice o X Factor o cose del genere. Per me è tutto così falso. Ogni volta che guardo i miei eroi, nessuno di loro ha avuto successo in un talent show. Sono usciti, si sono fatti un mazzo tanto per i tour e hanno costruito il loro successo partendo da zero. Non sono stati messi insieme dall'industria.

Hanno lentamente costruito un solido seguito anche grazie a una serie di video e singoli riusciti.
A cui aggiungono l’immagine perfetta di Matthew, voce e chitarra, novello Paul Weller made in 1977 e di Issey, affascinante bassista con i lunghi capelli biondi costantemente in volo e occhiate provocanti e ammiccanti durante i concerti.
Suonano bene, travolgono con l’urgenza e l’immediatezza cara ai primi Jam, Buzzcocks, Elvis Costello, amano David Bowie.
Il primo album Wasted Youth è il manifesto perfetto del loro sound, volutamente “ingenuo” e spontaneo quanto sapientemente ben prodotto.
Matthew parla del suo legame con la scena Mod:
Non ho molti legami con la scena per quanto riguarda la partecipazione a tutti i weekenders o i raduni Mod, e se li ho di solito è perché ci suono, cosa che ormai non succede più così spesso, quindi penso che il mio legame risieda solo nelle mie influenze. Penso che alcuni mi vedano come la nuova generazione mod e che la stiamo guidando nel XXI secolo. Ma sì, sono un mod! Non è difficile per nessuno capirlo, lo si vede nel modo in cui mi vesto, nella musica che suono e nella mentalità progressista che abbiamo come band.

Più esperti e navigati gli Spitfires, guidati dal chitarrista e autore Billy Sullivan. Si sono sciolti, dopo quattro album (a base di Weller, Smiths, powerpop) tre anni fa ma dopo una breve, quanto poco fortunata carriera solista del loro leader, sono tornati da pochissimo in attività con una nuova line up.
Sarò sempre vicino alla cultura mod. Penso che possa essere portata avanti e abbracciare nuovi elementi e influenze moderne. Non vedo alcun interesse per qualcosa che rimane bloccato in un circolo vizioso. Sento che c'è spazio per una sua nuova versione dice Sullivan.

Dunque la scena musicale mod esiste ancora, è più che viva e si rinnova in continuazione con nuovi nomi che guardano a quel passato non con nostalgia e rimpianti ma con una rinnovata voglia di portare avanti quella che è diventata una tradizione che, a dispetto degli anni che passano, continua ad essere fresca, identitaria, propulsiva con un costante sguardo rivolto al futuro.
Ovvero la perfetta etica Mod.

Dark Companion

2026-05-13T00:30:00.006+02:00

Prosegue il viaggio informale tra le etichette italiane più oscure per quanto super attive e interessantissime. Tocca oggi alla DARK COMPANION, qui rappresentata da Max Marchini.

Puntate precedenti:
https://tonyface.blogspot.com/search/label/Etichette

Dark Companion
https://darkcompanion.com/

La Dark Companion opera da anni, in chiave indipendente, a fianco di grandi nomi della storia del rock, affiliata a un’altra etichetta storica.
L’origine del nome Dark Companion ha una storia molto suggestiva.
La Dark Companion opera da dieci anni, tra le difficoltà che la musica indipendente incontra in questo tempo di omologazione e disinteresse.
L’idea venne al mio amico Greg Lake durante un viaggio in auto assieme, mentre lo portavo a Firenze.
Decise in un attimo (in Inghilterra la burocrazia è a zero) di riattivare la sua storica etichetta, la Manticore, che ebbe, tra gli altri, l’onore di lanciare due artisti italiani, la PFM e il Banco. L’idea era di non essere nostalgici, ma piuttosto di ritrovare lo spirito pionieristico che fu alla basi di quello che poi, post mortem, venne etichettato “progressive”.
Essendo di fatto poco addentro alle nostre faccende, Greg vagheggiava un’Italia patria dell’arte e del gusto, cosa senz’altro vera, ignorando però il totale disinteresse - specie in sede istituzionale - verso le suddette.
Detto fatto e cominciammo a lavorare su alcuni progetti.
Poiché il neo nominato direttore artistico, ovvero io, aveva interessi assai poco mainstream, Lake tuonò che bisognava create un’altra etichetta dedita alle semantiche della musica nuova, avant-garde e alternative.
In quel momento dalla mia compilation iniziò a suonare un vecchio singolo dei Tuxedomoon che si chiama “Dark Companion”.
“Ecco: questo è il nome della nostra etichetta. Il compagno oscuro della Manticore”.
Purtroppo la malattia che portò Lake a vita migliore impedì alla Manticore di andare oltre alla terza uscita poiché, dopo la dipartita del mio amico, nonostante i suoi desideri fossero scritti, la vedova decise di tenere il brand esclusivamente per la ristampa del materiale del marito.
La prima fu il live registrato da Greg Lake al Teatro Municipale di Piacenza, la seconda e ultima prodotta assieme, è Moonchild ove Greg promosse il talento interpretativo e la voce multiottava di Annie Barbazza a rivisitare, assieme a Max Repetti che ne curò gli arrangiamenti, alcuni dei brani più poetici e intesi dei King Crimson e di ELP. e, infine, un album di John Greaves che Lake non potè sentire, Life Size.
Intanto nel 2015 parte Dark Companion con 5 album in uscita il 18 novembre 2015: qui ho sfruttato i miei oltre 40 anni di giornalismo musicale e quando gli amici musicisti hanno saputo dei miei insani propositi, hanno generosamente voluto affidarmi i loro lavori: gli artisti con cui iniziammo furono Keith Tippett, Paolo Tofani, John Greaves, Lino Capra Vaccina (che oggi è uno degli artisti più amati della nostra famiglia) e, per la sussidiaria psichedelica Unifaun Productions, il ritorno dei Flyte Reaction che registrarono alcune delle gemme neo-psichedeliche più pregnanti degli anno ’80.
Da li abbiamo ampliato molto il nostro catalogo ricevendo lodi universali dalla critica e moderate vendite.
Tra gli artisti più iconici, Annie Barbazza, ormai affermata musa dell’avanguardia internazionale, Markus Stockhausen, Michael Mantler, Ron Geesin, Paul Roland, il nuovo progetto degli ex The Cure, Vamberator, e anche autori meno conosciuti che abbiamo introdotto come Sofia DeVille e Jeanette Sollén.
Oggi Dark Companion è una squadra che oltre a me vede Camillo Mozzoni di Associazione Novecento (ex primo oboe della Filarmonica della Scala), Alberto Callegari dello Studio Elfo e Massimo Orlandini di Maracash che è l’executive.

Da gestore della label hai notato se c’è stato un effettivo ritorno alla voglia di possedere l'oggetto fisico negli ultimi anni, a scapito della fruizione digitale?
Nella nostra nicchia delle nicchie si: non è mai mancato l’amore per il disco fisico.
Per fortuna. In effetti piattaforme come Spotify (shitty-fi come ama definirla Rick Wakeman) uccidono letteralmente la possibilità da parte dei giovani artisti di registrare professionalmente poiché, per esempio, per essere remunerati con 1000 dollari (lordi) occorrono oltre 375.000 ascolti. Una follia. Come si fa a pagare le spese di uno studio?

Hai un’idea di chi siano gli acquirenti dei dischi dell’etichetta? Giovani? Meno giovani? Pubblico trasversale?
Francamente più diversamente giovani, come credo per tutto il mercato del fisico, con le dovute eccezioni.
Stiamo notando una ripresa notevole del CD e del Cdr a scapito del vinile che, dopo un ritorno a seguito di sdrucciola moda, sta vivendo, anche grazie ai costi asinini, un rallentamento significativo.
Chiunque abbia un buon impianto resta inorridito dalla pessima qualità delle ristampe in vinile spesso compresse e prese dal CD. Per i dischi nuovi, la quasi totalità delle registrazioni avviene in digitale e a causa di ciò, per l’ineludibile principio fisico dell’entropia, i CD suonano meglio dei vinili. Inoltre, purtroppo, oggi i dischi si vendono praticamente solo ai concerti.

C’è un minimo di ritorno economico per un’etichetta così specializzata e che pubblica sempre confezioni molto curate e di conseguenza più costose?
Quando va di lusso si riescono a coprire le spese. Ci sono eccezioni. Per esempio alcune nostre produzioni sono state ristampate: Vive di Annie Barbazza, Henry Now, la North Sea Radio Orchestra di Folly Bololey e in generale i dischi di Markus Stockhausen abbracciano un’audience più vasta e sono quelli che ci permettono di pagare le spese e di sostenere anche le uscite di alto valore artistico ma meno fortunate o di osare nell’introdurre nel nostro catalogo artisti giovani il che, naturalmente, ci gratifica molto.
Nessuno di noi è coinvolto in Dark Companion per ragioni economiche.
Le nostre policies danno una percentuale molto alta dei profitti, quando ci sono, all’artista.
Siamo una Non Profit Company.

Con che criterio scegliete le band da produrre?
Dispoticamente arbitrale mio. Non c’è un criterio.
Per esempio ho conosciuto recentemente una band di Roma, i Malesh, che sono venuti a Piacenza per sottopormi un loro lavoro neofolk, cupo, ancestrale che mi è piaciuto.
Abbiamo approntato, come ti dicevo, una sussidiaria, la Unifaun Productions, per tutto ciò che non è strettamente avantgarde, dalla musica classica indiana, alla psichedelica al folk.
Da critico senior sono abituato a non usare mai “mi piace” o “non mi piace”.
Ma da produttore lascio che sia la mia prima impressione a indicare la via. In generale, comunque, siamo focalizzati su linguaggi nuovi, visioni personali, eccentriche e fuori dai percorsi già battuti.

Quali sono le mosse promozionali per far conoscere l’attività dell’etichetta? Avete un’attività parallela di organizzazione di eventi e concerti molto intensa.
Musiche nuove a Piacenza e Dark Companion sono due entità indissolubili.
Una supporta l’altra ma, come ha osservato argutamente un caro amico, io sono il propulsore di Dark Companion ma anche il suo limite.
Se grazie a Massimo Orlandini e Maracash/Self abbiamo una distribuzione soddisfacente, se grazie ad Alberto Callegari e allo studio Elfo, i nostri dischi sono premiati anche per la qualità del suono, ciò che manca è una tecnologia promozionale di ampio respiro che etichette inglesi, tedesche e americane hanno per il maggiore interesse che questo tipo di prodotto ha nel loro mercato, e alle agevolazioni statali in Italia inesitenti.
Ma soprattutto - dato che i dischi si vendono principalmente ai concerti - siamo disperatamente alla ricerca di una o più agenzie di booking per i nostri artisti.

Cosa c’è in programma per il futuro?
Siamo pieni di progetti e attualmente nella pipeline abbiamo un album di solo piano di Lino Capra Vaccina la cui genesi è decisamente curiosa. Lino è un musicista immenso: un vero poeta del silenzio.
Come produttore niente mi realizza più che mettermi al servizio della sua arte. Una mattina mi sveglio col ricordo di Lino che suona il pianoforte. Lo chiamo e glielo dico: “Lino ho sognato un tuo album di solo pianoforte”. Siccome il caso non esiste, Lino stava pensando di scrivere per piano.
L’album si chiamerà Rosa Mystica e uscirà tra poco. Poi abbiamo il nuovo album in studio di Paul Roland, l’album del John Greaves Ensemble che vede - tra gli altri - membri della Penguin Café Orchestra, dei Soft Machine e dei King Crimson. Il nuovo album di Sofia DeVille, poi la nostra seconda ristampa espansa (in genere non ristampiamo album del passato.
L’unica eccezione fu Songs di John Greaves con Robert Wyatt, Elton Dean ecc) Big Fish Popcorn dei Kings Of Oblivion: uno spassoso album uscito originariamente nel 1987 per la Bam Caruso e che è un pastiche assai zappiano, di Jakko Jakszyk e Gavin Harrison, mai ristampato.
Poi abbiamo due album in duo: i notturni di Gareth Davis e Lino Capra Vaccina e Fred Frith con Annie Barbazza. L’idea di aprire una “Dark Companion Classical” per pubblicare musica classica (abbiamo già un album pronto realizzato con Eugenio Finardi). E tanto altro ancora in ordine, anzi, in sacro disordine sparso.

Cesare Basile - Gigghiana

2026-05-12T00:30:00.070+02:00

Un recente rapporto Onu, parla di "bancarotta globale" in merito alla crisi dell'acqua ovvero il pianeta sta utilizzando il proprio capitale idrico come se fosse una risorsa infinita, consumando oggi quantità che non riusciranno più a essere recuperate nel lungo periodo.

Il consumo delle risorse idriche sta crescendo soprattutto nelle economie avanzate e aree tradizionalmente considerate sicure dal punto di vista idrologico.
L'acqua c'è ma non riesce a rigenerarsi abbastanza velocemente da sostenere quello che l’umanità consuma.
Nel 2022 Google, Microsoft e Meta hanno prelevato due miliardi di metri cubi di acqua dolce.

E' il tema del libro di Cesare Basile, storico cantautore siciliano che conosce bene quanto la povertà idrica abbia e continui ad essere un problema di primaria importanza nella sua terra, da sempre "fonte di ricchezza e di miseria, di potenza e di schiavitù".

Ogni scritto è accompagnato da QR code che aprono paesaggi visivi e sonori originali e collage che raffigurano Santi e Madonne tra devozione popolare e rielaborazione simbolica.

Un libro che è opera d'arte, dura, importante e penetrante come la musica di Basile, che non lascia scampo e ci mostra come la tradizione popolare, vissuta non come mero orpello folkloristico ma come identità, sia quanto di più punk e rivoltoso si possa immaginare.

E se tragedia deve essere, appoggiamoci a un anelito di speranza finale:

La fame che scorre per letti di fiumi deviati
ridotti a carretta blindata da guerra
La carne del mondo si crepa
La creta riarsa nasconde nei solchi le ciglia dei poveri e aspetta
L'arsura che insegni di nuovo a sbocciare rivolte.

Cesare Basile
Gigghiana
Phaos Edizioni
40 pagine
15 euro

Kneecapp - Fenian

2026-05-11T00:30:00.003+02:00

Una recensione approfondita a cura del nostro collaboratore Michele Savini di uno degli album più importanti dell'anno, "Fenian" dei Kneecapp.

Dopo un anno difficile, segnato da battaglie legali oltremanica e da un pesante impatto sia economico che d’immagine, i Kneecap tornano con il loro terzo lavoro, Fenian, senza perdere il mordente che li ha sempre contraddistinti.
E se qualcuno si aspettava un cambio di rotta più prudente, lontano da temi sensibili e polemiche internazionali, si sbagliava di grosso.
Nessun passo indietro: i rapper rientrano in scena a gamba tesa, con un album combattivo, che non fa sconti e non risparmia critiche né frecciate a nessuno.

Il titolo dell’album è tutt’altro che casuale.
Fenian è un termine carico di storia: dalle radici mitologiche dei Fianna, guerrieri leggendari della tradizione gaelica guidati da Fionn mac Cumhaill, fino alla sua riappropriazione politica nel XIX secolo da parte della Fenian Brotherhood, simbolo della lotta per l’indipendenza irlandese.
Nel tempo, soprattutto in Irlanda del Nord, il termine è stato anche utilizzato in senso dispregiativo da ambienti unionisti per indicare i cattolici o i nazionalisti irlandesi (spesso accompagnato dal “rafforzativo” bastard). I Kneecap lo ribaltano ancora una volta.
Come afferma Mógláí Bap “Speriamo che questo album rifletta il fatto che non riguarda solo noi. Si intitola Fenian , e non Kneecap , perché un fenian è qualcuno che si fa avanti, che resiste e che non rinuncia a ciò in cui crede.”
Il nazionalismo irlandese attraversa l’album come un filo conduttore, non in senso tradizionale o nostalgico, ma come una rivendicazione culturale contemporanea che i Kneecap reinterpretano e rilanciano con la loro consueta irriverenza.

Prodotto da Dan Carey (già al lavoro con Fontaines D.C. e Wet Leg), Fenian costruisce un impianto sonoro denso e stratificato, ampliando il ventaglio sonoro della band per spingersi con più decisione verso una dimensione dance-rave, già anticipata dai singoli pubblicati lo scorso anno.
Dubstep notturno, rave anni ’90 in stile The Prodigy, acid house, trip-hop di matrice Bristol e gangsta hip-hop convivono in un equilibrio sorprendente.

Numerosi i momenti più riusciti del disco, che dopo l’introduzione ambient dalle atmosfere celtiche di Éire go Deo (Ireland forever) esplode senza preavviso in un lato A, a dir poco travolgente.
Smugglers & Scholars, porta in primo piano un pesante beat hip-hop industriale e vede Mo Chara e Mógláí Bap scambiarsi versi e microfono per tutta la durata del brano, evocando il termine irlandese per “terrorista” (sceimhleitheoir) e restituendo il retrogusto amaro di una parola che i repubblicani irlandesi hanno a lungo respinto.
Carnival, avvolto in un beat trip-hop in stile Massive Attack, allude in modo ironico alle recenti controversie legali di Mo Chara e include registrazioni reali dei fan che gridano “Free Mo Chara” fuori dall’aula di Westminster.
Il titolo fa riferimento al “carnevale” mediatico orchestrato per distogliere l’attenzione e mettere a tacere la band dopo i fatti di Coachella dello scorso anno.

Con la partecipazione del rapper palestinese Fawz, Palestine amplia ulteriormente il registro linguistico del disco, intrecciando gaelico, inglese e arabo in un’unica tessitura sonora e politica, e mettendo in evidenza il parallelo tra West Belfast e West Bank, in una potente espressione di solidarietà tra Irlanda e Palestina, che trova il suo epilogo nel verso finale “non ci fermeremo finché tutti non saranno liberi”.

E qui l’album esplode definitivamente grazie ai due singoli già pubblicati. Liars Tale è costruita su una cavalcante base acid dance che ti travolge come un’orda di guerrieri feniani, con un ritornello rabbioso e immediato «Non va accettato, non c’è nulla di buono nella loro politica per te e per me» e l'inevitabile menzione al primo ministro inglese e la sua complicità nel conflitto palestinese «Fanculo a Keir Starmer, il lacche' di Netanyahu e armatore di genocidi. Dovrebbe diventare concime per gli agricoltori ».

E se a questo punto dell’ascolto non state già ballando con un passamontagna tricolore in testa, ci pensa la title track a convincervi definitivamente.
Fenian è probabilmente uno dei brani più riusciti dell’album, in cui la band si riappropria del termine rivendicandone il significato: uno di quelli che, grazie a un beat altamente contagioso e a un ritornello irresistibilmente orecchiabile, ti entra in testa e non se ne va più.
Sarà divertentissimo vedere i festival di mezza Europa quest’estate scandire “FENIAN” durante le loro performance, come se fosse una qualsiasi “Y.M.C.A.” dei Village People.
Ma ancora più divertente sarà la faccia che faranno i loro detrattori quando succederà.

Si prosegue con Big Bad Mo, un brano teso ed energico, costruito su un riff nervoso che ironizza ancora una volta sui guai giudiziari di Mo Chara, seguito dalla dinamica Headcase, l’ennesimo attacco satirico al colonialismo anglosassone in An Ra, l’hip hop vecchia scuola di Cold At The Top e Occupied 6, in cui il trio offre un ritratto opprimente della vita durante i Troubles, concedendosi anche un riferimento diretto agli Undertones: «Nelle sei contee occupate non era tutto solo Teenage Kicks».

Gael Phonics, strutturato come una lezione di gaelico, è una sorta di inno e di rivendicazione a favore della lingua irlandese, di cui i rapper si ergono a promotori e difensori, con la consueta ironia e provocazione:
«Fanculo l’uccello di Duolingo, sta dicendo un sacco di sciocchezze. Metti questo in ripetizione e diventerai fluente divertendoti».

La chiusura è cupa e riflessiva, ma di un’intensità emotiva quasi viscerale.
Cocaine Hill, il cui ritornello è ispirato alla versione di Cocain di John Martyn, brano della tradizione blues, è un avvolgente tuffo nelle cupe atmosfere dei Portishead.
Un riff di chitarra polveroso e un beat ipnotico ci trascinano nel lato oscuro di un viaggio da cocaina, mentre l’ammaliante voce di Radie Peat dei Lankum attraversa la traccia come una presenza quasi spettrale, amplificandone l’atmosfera psichedelica.
A chiudere le danze è la toccante Irish Goodbye, un lamento intriso di dolore scritto da Móglaí Bap e dedicato alla madre, deceduta per suicidio, con la brillante partecipazione di Kae Tempest, che affronta ancora una volta una delle problematiche più gravi e dolorose dell’Irlanda.
Nel verso «Volevo dirti addio, non un addio all’irlandese» c’è tutto il desiderio del rapper di poter salutare la madre in modo adeguato, e non con un “Irish goodbye”, espressione colloquiale usata per indicare quando si lascia una festa senza salutare nessuno.

Un finale che aggiunge un’ulteriore sfumatura al lavoro, confermandone la sorprendente imprevedibilità.

Fenian è un disco divertentissimo e mai noioso.
Sì, certo: magari non immediatamente accessibile, tra linguaggio da strada e gaelico non sempre decifrabile, ma proprio per questo ancora più identitario, mai piatto o scontato, segno di una maturità compositiva in continua evoluzione per uno dei gruppi più ribelli e indomabili della scena contemporanea.

Not Moving Live Tour

2026-05-10T00:30:00.005+02:00

Prosegue il tour dei NOT MOVING.
Prossima tappa venerdì 15 maggio a EUFONICA di Bologna presso Ente Fiere (https://www.eufonica.it/home/14159.html).

Suoniamo alle 19.30 dopo GazNevada, Pesissimi (Ex Skiantos), Avvoltoi e altri.

NOT MOVING

https://www.facebook.com/profile.php?id=100051397366697

https://www.instagram.com/not_moving_ltd/

https://www.youtube.com/watch?v=Foxxqa8ouR0

Digitalizzazione catalogo Lilith /lilith and the Sinnersaints: "Lady Sings Love Songs"

2026-05-09T00:30:00.026+02:00

Prosegue la digitalizzazione del catalogo di Lilith e Lilith and the Sinnersaints a cura di LaPOP Music.
Tocca questa volta all'album "Lady Sings Love Songs" del 1992 pubblicato dalla Face Records.

L’attenzione della stampa riservata all’esordio a 12 pollici di “Hello I love me” e una serie di richieste di esibizioni live induce Lilith accelerare i tempi sulla costituzione di un live act con la band composta da Massimo Vercesi alla chitarra, Cristiano Cassi al basso, Antonio Bacciocchi alla batteria. L’8 marzo (non a caso nel giorno della Festa della Donna) all’ “Area” di Carugate (Milano) avviene l’esordio live.

Il 7 novembre 1991 intanto esce per la Face Records il nuovo 45 giri con “Venus in furs” dei Velvet Underground e “Tombstone blues” di Bob Dylan.

“The lady sings love songs”, primo album della formazione, esce il 28 febbraio 1992 in CD e vinile per la Face Records.
14 brani con cover che vanno da Milva a Battiato, dai Velvet agli Stones, a Fassbinder, tra punk, blues, folk, rock.

Trova numerosissimi plausi della stampa, vende parecchio bene e scatena un torrenziale tour in tutta Italia, attraverso tutte le regioni della penisola, e la Germania.
Parallelamente arriva anche l’appoggio di radio, interviste alla Rai e sulle principali testate italiane, riviste, fanzine.
Alla fine tra vinili e CD, il resoconto delle vendite sarà di qualche migliaio di copie.

“Il teatro, il travestimento, sempre presenti nella mia anima hanno un exploit evidentissimo in questo periodo...spunti dagli anni Venti - periodo che personalmente ho sempre ritenuto il più creativo nel secolo scorso - dalle ombre, dalla storia del costume, dalla Parigi dei meandri sotto i ponti della Gare du Nord, dalle macerie del post Muro di Berlino tra i grigi palazzi adibiti a dormitori e la follia dei primi anni ’80 dissolti, dai bar di ogni luogo”.

Ascolta “Lady Sings Love Songs”, per la prima volta sulle piattaforme digitali: https://lapop.lnk.to/ladysingslovesongs

Jesse Hector

2026-05-08T00:30:00.027+02:00

Un ricordo del grande JESSE HECTOR, recentemente scomparso.

Nato nel 1947, Jesse Hector dopo gli esordi in ambito rock 'n' roll, con il Rock 'n' Roll Trio (che riformerà brevemente nel 1966) abbraccia l'etica e la filosfia MOD, forma nei primi 60's i Cravats, vicini al rhythm and blues e nel 1963 "entrerebbe" nella mod band dei Clique ma in realtà non è mai stato ufficialmente accreditato, per poi unirsi ai Way of Life e in seguito ai Mod Section.

Grande fan degli Small Faces, dal 1969 si perde in una lunga serie di nuove band: i Crushed Butler, attivi dal 1969 al 1971, poi trasformatisi in Tiger, sono spessi indicati tra le principali proto punk inglesi anche se si configurano più come una band tra rock blues e vigoroso hard rock non distante dai Blue Cheer.

Successivamente si dedica agli Helter Skelter, suonando un glam rock intriso di hard rock e reminiscenze Sixties fino agli Hammersmith Gorillas (con cui incidono nel 1974 una deragliante versione di "You Really Got Me" dei Kinks), poi GORILLAS che realizzano dal 1976 al 1981 sei 45 giri finendo anche nel calderone punk, suonando con Damned e Eddie and the Hot Rods al Mont-de-Marsan Punk Festival nell'agosto 1976, il "primo european punk festival".
Dopo altri due singoli nel ma riscuotendo scarsa fortuna (ma influenzando a fondo un giovane Paul Weller, loro fan).
In particolare vanno ricordati "Gatecrasher" del 1976 e la tiratissima, su un ritmo alla Bo Diddley, "It's My Life" del 1978.
Nel 1978 pubblicano l'album "Message To The World" dal taglio (anche estetico, in copertina) decisamente glam con una discreta versione di "Foxy Lady" e una serie di canzoni autografe non esaltanti.

Jesse continua a suonare in seguito negli anni Novanta con il Jesse Hector Sound e i Gatecrashers, incidendo vari brani, raccolti, nel 2023, nella compilation "Running Wild", con un sound debitore ai tardi Small Faces più hard, Humble Pie, ruvido rock 'n' roll, garage, Stooges.
La regista Caroline Catz gli ha dedicato il film biografico "A Message to the World" nel 2008.

Crushed Butler
https://www.youtube.com/watch?v=gl8KmrQ4dUc

Helter Skelter
https://www.youtube.com/watch?v=wxQvcYNMWNw

Gorillas "Message To The World" full album
https://www.youtube.com/watch?v=T80Xof7hoHI&list=PLd7RNylrQjkLscfpGnzg9snKT69gFKcIP

Jesse Hector "Running Wild"
https://anotherplanetmusic.bandcamp.com/album/running-wild

La pagina Facebook a lui dedicata da cui sono state estratte alcune foto:
https://www.facebook.com/groups/58432755944/media

Riccardo Bertoncelli - Abitavo a Penny Lane

2026-05-07T00:30:00.011+02:00

Piaccia o meno, il giornalismo musicale italiano per eccellenza vede indubbiamente Riccardo Bertoncelli sul podio (più alto? ai posteri...).

Ora è il momento di raccontarsi, in quello che è probabilmente il primo capitolo della sua lunga storia (visto che si ferma a "quel" fatidico 8 dicembre 1980).
Lo fa con leggerezza, ironia, forzata limitatezza (ci vorrebbero probabilmente dieci altri libri per essere esaustivo), un pizzico di malinconia, mista a una giusta e perdonabile "arroganza" di chi è comunque arrivato prima di tanti (tutti?) altri.

Ci sono le dovute "scuse" per anni estremi e incredibili agli occhi odierni:
"Era un viziaccio dell'epoca insegnare agli artisti cosa dovevano fare, anzi, chi dovevano essere e io c'ero cascato con lo zelo leninista di una Guardia Rossa".

I famosi screzi e feroci litigi con Francesco Guccini e gli Area seppure così tanto ammirati:
"Mi piacevano perché erano proprio quelli che dicevano di essere, vogliosi, polemici, aggressivi, voraci, perché si prendevano tutto dei tempi, velleità, slanci, opportunità con la rabbia repressa di "chi ha suonato per anni la musica dei padroni"... con una disinvoltura, una libertà, una naturalezza che oggi lasciano basiti e testi libertari tra anarchia e situazionismo...".

E poi la sua storia, tra le fanzine "Blues Anytime" e "Freak", le riviste storiche come "Gong", "Muzak" e "Musica 80" (sempre al centro di scissioni, discussioni e altro), libri altrettanto importanti (su tutti "Pop Story").

Vicende che, anagraficamente, ho vissuto in tempo (quasi) reale, collezionando avidamente buona parte dei suddetti titoli, in una sorta di amore/odio per il personaggio (incontrato, disponibile ed estremamente "easy", poco tempo fa a un concerto di Fred Frith).

Un bel libro che lascia, immancabilmente, l'immediato desiderio di un veloce seguito.

Riccardo Bertoncelli
Abitavo a Penny Lane
Feltrinelli
230 pagine
18 euro

Cesare Camardo - No Easy Action

2026-05-06T00:30:00.005+02:00

Un documento visivo (dal 1986 al 2025) di una lunga serie di concerti, attraverso centoventi foto, rigorosamente in bianco e nero, di concerti, dal punk, all'hardcore, al jazz, all'avanguardia.
Un viaggio tra centri sociali, piccoli club, festival e altro, che colgono l'atto "supremo" dell'esibizione live, l'attimo fuggente, talvolta sgranato e non a fuoco ma perfettamente comunicativo.

Rimango e mi considero un dilettante nel contesto della fotografia, ma in un certo senso con questa raccolta tento di spostare l'attenzione verso una narrazione fotografica a totale servizio della scena, della performance, dell'azione che si svolge ogni volta in luoghi, condizioni, dinamiche sonore e antropologiche sempre nuove - anche quando gli spazi degli scatti sono sempre gli stessi.
Quasi come cercare, nella fotografia, uno strumento musicale che renda verbo e canzone l'immagine.
BUON ASCOLTO.

Tra i soggetti fotografati:
Bad Religion, Meat Puppets, Swans, Jello Biafra, Afterhours, Bad Brains, Motorpsycho, Vinicio Capossela, The Gang, Social Distortion, Fleshtones, Eugenio Finardi, Jesus Lizard.

Cesare Camardo
No Easy Action
Low Edizioni
134 pagine
24 euro

Area Pirata Records

2026-05-05T00:30:00.009+02:00

Prosegue il viaggio informale tra le etichette italiane più oscure per quanto super attive e interessantissime.
Tocca oggi alla storica AREA PIRATA RECORDS, qui rappresentata da Tiziano Rimonti, boss della label con Jacopo Giannetti.

Puntate precedenti:
https://tonyface.blogspot.com/search/label/Etichette

https://www.areapirata.com/

Cosa vi ha spinto ad aprire un’etichetta impostata su un genere non facile come “punk, garage e dintorni”.
Mai piaciute le cose facili ahahah.
Diciamo che la spinta parte dai nostri gusti personali, per cui ci siamo mossi su quei territori, che abbiamo sempre sentito come familiari. La spinta viene dalla passione…

La vostra è un’esperienza ormai di lunga data ma che resiste a un mercato sempre più difficile. Qual è la formula?
Forse la formula, banalmente, è aver tenuto botta.
Ora abbiamo un catalogo abbastanza vasto e quindi tra vendite dirette e scambi, riesci a sopravvivere abbastanza bene. Poi chiaramente stiamo attenti ai dettagli anche rispetto agli ordini: dagli imballaggi a prova di corriere maldestro alle mail sempre personalizzate, al prendersi carico di eventuali problemi o ritardi…
Siamo sempre stati anche clienti, per le nostre ‘collezioni’, e quindi abbiamo cercato di essere i venditori che vorremmo trovare quando siamo dall’altra parte…

Da gestore della label hai notato se c’è stato un effettivo ritorno alla voglia di possedere l'oggetto fisico negli ultimi anni, a scapito della fruizione digitale?
Non so se parlare di un effettivo ritorno, ma ho notato che l’interesse si è mantenuto vivo negli ultimi dieci anni, senza grosse differenze. Anche la supposta crescita esponenziale del vinile a fronte del calo del CD, è un po’ relativa. Ultimamente abbiamo ristampato il secondo album dei Vipers (‘How About Some More’), e la versione CD ha venduto molto più del vinile per ora…

Hai un’idea di chi siano gli acquirenti dei dischi dell’etichetta? Giovani? Meno giovani? Pubblico trasversale? In concreto: c’è un minimo di ritorno economico per un’operazione del genere?
Con che criterio scegliete le band da produrre?
Gli acquirenti sono di solito ultra-trentacinquenni, con poche eccezioni, da quanto ci risulta… Quindi non giovanissimi…
La nostra label, da sempre, è un’attività senza fini di lucro e non potrebbe essere altrimenti. Dopo le perdite secche dei primi anni, siamo riusciti a crescere, ma i margini sono così bassi per cui ha più senso reinvestirli e mantenere questa passione come qualcosa di slegato dal compenso.
Sicuramente i primi due criteri con cui decidiamo di produrre una band, sono il sound della band e la sua attitudine, che sia cioè vicina alla nostra.
Poi chiaramente dobbiamo capire con loro se ci sono possibilità che la band possa muoversi per far conoscere il disco, che sennò resta un progetto tra noi… Oggi come ieri, l’attività live, sempre più difficile, data la scarsità di spazi, resta però un punto di riferimento per tutti per conoscere per una band, apprezzarla e magari supportarla!

Quali sono le mosse promozionali per far conoscere l’attività dell’etichetta?
Cerchiamo di sfruttare gli spazi che troviamo, dai social, alle recensioni, ai passaggi radio, ma sicuramente su questo versante dovremmo fare molto di più… D’altra parte il fatto che questo sia un bellissimo, ma pur sempre un hobby, non ci lascia il tempo necessario per occuparci di tutto come vorremmo…

Incontro con Brian Eno. Parma. Evento SEED e My Light Years

2026-05-04T00:30:00.026+02:00

(Foto di Andrea Amadasi)

Trovarsi al cospetto di BRIAN ENO è emozionante.
Ancora di più le cose che dice sono lucidissime, ricche, colte, illuminanti.
Persona solare, ironica, divertente, disponibile e sorridente.

Dal 1 maggio al 2 agosto 2026 a Parma, nel Giardino del Complesso Monumentale di San Paolo e l’Ospedale Vecchio (riaperto al pubblico dopo 15 anni) vengono presentati due progetti complementari, rispettivamente SEED e My Light Years con la curatela di Alessandro Albertini.
Tutto molto interessante, avvolgente, ipnotico, avanti. Opera unica, da vedere.

Brian Eno si è trattenuto con la stampa per una serie di brevi domande e risposte.
Elogia e si dice ammirato dallo stile di vita degli italiani:
Me lo aveva sottolineato già il mio amico Robert Wyatt. Voi avete il gusto di una vita più riflessiva, vi piace stare a tavola a lungo, andare a visitare mostre e città d'arte, prendete la vita con meno frenesia e ve la godete di più. Io vivo a Londra, la capitale mondiale della finanza, dove non c'è nulla di questo ma solo la ricerca del guadagno e del profitto".

Sul suo giaccone campeggia una grande bandiera della Palestina (per la cui causa si è speso spesso con inziative di ogni tipo) e parte da qui una riflessione su questi tempi grami:
"Alle persone piace la pace, c'è troppa propaganda per la guerra. In poche parole la pace può essere questo progetto artistico, non sarebbe bello vivere così? (fa riferimento al Giardino in cui avviene l'incontro con la stampa).
Invece di vivere in un mondo in cui ogni anno vengono spesi 25mila miliardi di dollari per le armi. Sarebbe bello che la pace potesse essere presentata in questo modo, fare in modo che arrivi alle persone, perché alle persone in realtà la pace piace, è questo che vogliono ma invece ci sono tanta propaganda e pubblicità per la guerra.
Molto spesso le persone non sono consapevoli del fatto che viviamo sommersi da un fiume di messaggi: ti dicono cosa pensare, come devi pensarlo, quanto pensarlo oppure che cosa non devi proprio pensare. Credo che l'arte possa essere utile nel senso che ti debba dire: pensa quello che vuoi e pensa come vuoi. Io voglio dare uno spazio in cui si possa pensare e ascoltare."

Gli fa eco la scrittrice e attivista Ece Temelkuran che lo accompagna (e ha collaborato alla realizzazione di SEED): “La Palestina è forse l’esempio più evidente di quanto le persone possano essere crudeli. Non solo lo sterminio in atto ma l'idea di farlo rapidamente per potere creare un resort.”

Una riflessione sull'uso dell'Intelligenza Artificiale nella musica:
"L'Intelligenza Artificiale c'è già da molti anni.
Non è importante lo strumento in sé ma come viene usato. Nel nostro caso, in questo momento, lo si usa per far diventare i ricchi ancora più ricchi, gli stessi che hanno creato e sono proprietari dei social media.
Importante è come viene utilizzata, è in corso un processo di ‘re-ingegnerizzazione’ dell’AI che persegue scopi politici molto precisi, per trovare un modo per controllare la società facendo arricchire ulteriormente quei pochi che sono i soliti noti. Non si dica però che io sono pessimista…”

E infine un ulteriore pensiero relativo a un argomento molto caro a noi più attempati:
“Ogni epoca ha avuto i suoi canoni artistici su cui le persone si sono trovate ad essere d’accordo o in disaccordo. Negli anni Sessanta e Settanta è stata la musica ad avere il palcoscenico mentre ora è così tanta, troppa direi, che è impossibile condividerla con tutti e quindi parlarne. C’è stato un momento nella storia in cui tutti sapevano quale fosse la musica disponibile, adesso non è più così, la musica non è più un canone.
Ci sono tanti della mia generazione che dicono ‘ah, la musica che avevamo noi negli anni Sessanta, quella sì che...’.
Non è vero, c’era un sacco di merda anche allora. Se prendiamo venti canzoni del 1966 tra le più ascoltate, 17 erano cose che non avremmo mai voluto sentire e che non abbiamo mai più ripreso in mano.
Adesso ce n’è tanta nuova e affascinante, molta non appartiene ad una tradizione ben definita. Penso che tra dieci o vent’anni la musica tornerà ad avere il ruolo di canone che non avuto negli ultimi vent’anni. Però non credo sia una cosa che io arriverò a vedere…”.

Digitalizzazione del catalogo Lilith / Lilith and the Sinnersaints

2026-05-02T00:30:00.001+02:00

Dopo la digitalizzazione del catalogo dei Not Moving, LaPOP Music inizia quella del repertorio di Lilith e Lilith and the sinnersaints. Si incomincia dall'esordio del 1990 "Hello I Love me!".

La brusca rottura con i Not Moving di fine 1988 lasciò Lilith-rita Oberti spaesata e alla ricerca di una nuova identità artistica. Dopo la breve e infruttuosa esperienza con i TimePills si dedica a teatro, disegno, cucina macrobiotica, mercatini vintage, modella.

“Un giorno Tony venne a casa mia e mi disse della sua nuova idea, una casa discografica, la Face Records di cui mi chiese di disegnare il logo e di incidere un disco da solista. Non avevo preso in considerazione questa opzione ma mi piacque l’idea.
Da tempo avevo ricominciato a scrivere testi in forma poetica senza suono perché tutto quello che mi girava per la testa erano dei talking blues, forse per sfuggire alle chitarre metalliche e ululanti dell’ultimo periodo dei Not Moving."

Qualche prova con l’amica Betty Vercesi (ex Scrimshankers) alla chitarra acustica, Antonio Bacciocchi alle percussioni, veloci session di registrazione, autogestite, crude ed essenziali, un aiuto da parte di qualche amico (Massimo Vercesi, pure lui dagli Scrimshankers, Luca Talia Accardi dei Ritmo Tribale alla fisarmonica, Marco Porcari alla chitarra che fu, per breve tempo, nei primi Not Moving)” e il primo mini Lp della nuova carriera “Hello I love me” diventa una realtà, all’insegna di quello che viene da subito chiamato “punk cabaret”.

Pubblicato il 4 ottobre 1990 trova un’inaspettata accoglienza da parte della stampa che rilascia una serie di ottime e incoraggianti recensioni e del pubblico, che acquista numeroso l’inatteso esordio.
“A Child” e “I Love Me” sono due ballate acustiche, “The Piano” un boogie blues mutuato dalla lezione di John Lee Hooker, Rickie Lee Jones, Michelle Shocked, “You Got The Silver” un omaggio ai Rolling Stones più blues degli anni Settanta.

1° Maggio. Festa dei lavoratori e lavoratrici

2026-05-01T00:30:00.002+02:00

Nel profilo Spotify di Radiocoop e nel sito ww.radiocoop.it (https://www.facebook.com/RadiocoopTV) abbiamo compilato (io e la collega Vittoria Rossi) una playlist dedicata al 1° Maggio, ai lavoratori e alle lavoratrici.

Ecco la nostra selezione.
Puoi ascoltarla qui:

https://open.spotify.com/playlist/3QiuG2K1bbuvhom1acxK4k?si=849cc05f3eeb40dd&pt=27d971758bb47409a955ef1e3fc57488

Gruppo folk internazionale – Inno del primo maggio
Riccardo Tesi Elena Ledda, Lucilla Galeazzi e Ginevra Di Marco – La lega
Margot – Canzone triste
Enzo Jannacci – Vincenzina e la fabbrica
Lucio Dalla – L’operaio Gerolamo
Francesco De Gregori/Giovanna Marini – Saluteremo il signor padrone
Rino Gaetano – Agapito Molteni Ferroviere
Franco Battiato – Gente in progresso
Fabrizio De André – La canzone del maggio
Piero Ciampi – Andare, camminare, lavorare
Giorgio Gaber – Il nostro giorno
Teatro degli Orrori – Lavorare stanca
Marlene Kuntz – Primo maggio
Caparezza – Eroe
Sud Sound System – Ballata del precario
99 Posse – Stato di emergenza
Iosonouncane – Torino pausa pranzo
The Pops – Un uomo rispettabile
Paolo Pietrangeli – Contessa
Ivan Della Mea – O cara moglie
Ines Serventi – Guarda giù dalla pianura
Alfredo Bandelli – La ballata della Fiat
Claudio Lolli – Primo maggio di festa
Chico Buarque – Funerale di un contadino
Zelia Barbosa – Pedro Pedreiro
Bob Marley – Them Belly Full (But We Hungry)
Brian Auger – Work song
Woody Guthrie – Farmer-Labor Train
Marianne Faithfull – Working Class Hero
Bjork – Cvalda

Il meglio del mese. Aprile 2026

2026-04-30T00:30:00.364+02:00

A un terzo dall'inizio dell'anno un bel po' di cose di livello: Black Crowes, My New Band Believe, The Delines, Tiwayo, Sleaford Mods, Kula Shaker, Angeles Of Libra, Sault, Incognito, Dry Cleaning, Molotovs, Courtney Barnett, Paul Weller.
In Italia Neoprimitivi, Sick Tamburo, Peawees, Bologna Violenta, Chicco Allotta, Provincials, Warm Morning Brothers, The Mads, Pier Adduce.

MY NEW BAND BELIEVE - s/t
Che strano (ormai...) quando un disco ti spiazza e ti costringe a riascoltarlo più e più volte senza capirci granché: se ti piace o no, se ha valore o meno, da che parte prenderlo e giudicarlo.
MY NEW BAND BELIEVE è una creatura dell'ex bassista dei Black Midi, Cameron Picton, band che ho apprezzato molto, quanto mai lontana da questa nuova esperienza.
Ci sono un'anima barocca (tra Kinks, Queen, Boomtown Rats!!!), prog, Paul McCartney and the Wings, XTC e chissà quanto altro.
Perché ad ogni ascolto salta fuori una nuova suggestione.
Va ascoltato tanto: perché è un piacere, perché è un lavoro davvero strano, inconsueto e inafferrabile.
Tanta roba al giorno d'oggi.

THEY MIGHT BE GIANTS - The World Is to Dig
Non delude mai il duo statunitense, in giro ormai da 40 anni, con album sempre all'altezza. Anche nel nuovo lavoro stupiscono per freschezza compositiva, arrangiamenti di qualità sorprendente, una pioggia di influenze che vanno dal power pop a vari sapori Sixties, XTC, una cover dei Raspberries, new wave, un po' di post psichedelia, un goccio di glam.

PEAWEES - More Scraps
"More Scraps" fa parte del box set per il trentennale dei The Peawees "Food For My Soul (1995–2025)", pubblicato da Wild Honey Records, ma disponibile anche come uscita singola.
Raccoglie una serie di B-side, rarità e reinterpretazioni, sparse qua e là nella lunga carriera della band spezzina. Impressionante la qualità del contenuto ma soprattutto delle scelte, da Bob Dylan ai Beatles, da "Da Doo Ron Ron" delle Crystals alla stupenda versione acustica di "Lover's Rock" dei Clash.
Il tutto incrociando rock 'n' roll, power pop, garage, beat, PASSIONE (chi conosce e sceglie certe cose lo fa con questo spirito e competenza). Un lavoro stupendo di (presunti) scarti (scraps).
Grandissima band.
Top in Italia (e non solo)!

TIWAYO - Outsider
Il cantautore soul parigino torna con un album di rara raffinatezza ed eleganza attraverso undici brani registrati ad Austin in Texas ai Electric Deluxe Studios. Ad aiutarlo membri dei Black Pumas e le ospitate di Doyle Bramhall II (Eric Clapton) and Kendra Morris (Colemine Records). L'album punta principalmente le sue carte su suadenti ballate soul ma sa essere anche ruvido e potente in episodi soul rock come la conclusiva Peace Makers che riporta alle atmosfere più dure care a Fantastic Negrito o nel groove avvolgente di Sunshine Lady perfetta incarnazione del concetto di Southern Soul.
Ci sono anche blues, pennellate gospel, retaggi funk, l'incedere latin soul di Electric Spanish con tanto di Fender Rhodes a dare il giusto ritmo.
Grande album e grande anche Record Kicks nel colpire sempre nel segno nella scelta dei suoi artisti.

JOE JACKSON - Hope and Fury
Il musicista inglese ha sorpassato i 70 anni da un po' ma continua a sfornare album freschi e frizzanti (dovrebbe essere il 22° questo più una decina di live) che attingono dalla sua stessa ricca discografia e personalità artistica. Nel nuovo lavoro che lui definisce "bicoastal Latin-jazz-funk-rock" troviamo retaggi surf/beat ("Do Do Do"), sguardi al fortunato "Night And Day", sfumature soul, il tribal latin jive dell'introduttiva "Welcome tu Burning By The Sea" e tanto altro. Un bel disco, accompagnato da una band potente e raffinata, canzoni di primissima qualità, divertenti, allo stesso tempo ricche di spunti lirici che guardano al sociale e alla quotidianità inglese, per uno degli artisti più "Brit" e immediatamente riconoscibili in circolazione.

RINGO STARR - Long Long Road
La sorprendente rinascita di Ringo (che a luglio ne fa 86...) è incominciata con il precedente "Look Up", in coppia con T Bone Burnette, alla produzione artistica e a buona parte della composizione.
Il nuovo "Long Long Road" è forse meno incisivo ma rimane un buon disco, molto country oriented, con anche la bellissima rivisitazione della sua "Choose Love" in chiave psichedelica e piccoli e piacevoli episodi sparsi qua e là.
I Beatles fans apprezzeranno, per affetto e riconoscenza.

CHRIS D and the POISON FANG SOCIETY - Courtroom Wedding
Registrato in diretta in sala prove, con relativo sound "brutto, sporco e cattivo".
Chris D è stato l'anima dei Flesh Eaters, band di punta della scena di Los Angeles dei primi anni 80, che ha lasciato un piccolo capolavoro come "A Minute to Pray, a Second to Die" (1981).
Troviamo punk rock, blues malato, poesia, cattiveria, amaro sarcasmo contro l'America odierna.
Un inno allo spirito underground, allora, ora, per sempre.

THE CLEOPATRAS - Heart Pieces
E' una lunga storia quella della all female band toscana, passata attraverso cambi di formazione, una nutrita discografia (siamo al sesto album in circa vent'anni di carriera, oltre a numerosi singoli ed ep) e un'incessante attività live. "Heart Pieces" è l'album più maturo, che raccoglie al meglio quanto seminato nel corso degli anni. Rimangono le influenze beat, garage e punk rock, Ramones, Pandoras, Go Go's, Blondie ma ci sono episodi più pop punk (Amore Narcotico con i Meganoidi non sarebbe stato male in un album dei Prozac+), una cover dei Dead Kennedys, Moon Over Marin, echi di Modern Lovers e sferzate surf. Il tutto in un perfetto equilibrio tra impegno socio/politico che traspare spesso nei testi e la consueta voglia di divertire e divertirsi. La loro vetta artistica corroborata da una produzione eccellente.

MAL THURSDAY QUINTET - Mods & Gods
Ci sono voluti otto anni per mettere insieme il secondo album della band texana, guidata dalla voce roca di Mal Thursday, aiutato da unpo' di ospiti. garage punk, un po' di glam rock, di Stones, varie suggestioni Sixties. Buon disco.

ANGINE DE POITRINE - Vol.II
Ne ha parlato il mondo del duo canadese mascherato, dopo un'apparizione televisiva che ne ha fatto esplodere l'hype, spesso inneggiando a quanto siano innovativi, geniali etc. Siamo in realtà in un contesto math rock non particolarmente avanguardistico ma piuttosto di maniera, per quanto interessante e a tratti coinvolgente. Ora che la "notorietà da social" sta, come sempre in questi casi, precipitando, il giudizio può essere più pacato. Sono curioso di vedere i nquanti a fine anno li inseriranno tra i preferiti o se saranno dimenticati.

COURTNEY BARNETT - Creature of Habit
Cinque anni di pausa dal precedente lavoro che ha fatto incetta di premi.
Molto bello anche questo che riporta ai fasti della migliore Juliana Hatfield, con qualche asperità grunge, splendide melodie 60's, un frequente incedere Lou Reediano, un po' di Pretenders. Soprattutto tanta Courtney Barnett.

AA.VV. - Help (2)
“The Help Album”, uscì nel 1995 a cura di War Child per raccogliere fondi destinati ai bambini che vivevano nelle aree devastate dalla guerra, in particolare nei Balcani. Partecipò il fior fiore della scena britannica: Radiohead, Blur, Oasis, Suede, Stone Roses, Massive Attack, Portishead, Charlatans e Chemical Brothers insieme, gli Smokin Mojo Filters ovvero Paul McCartney, Noel Gallagher e Paul Weller, alle prese con “Come Together” . Un album che ebbe una storia soprattutto artistica a sé, non mera compilation ma un contributo attivo da parte dei partecipanti che contribuì a raccogliere milioni di sterline.
Il secondo capitolo esce con le medesime particolarità ed è in funzione di raccolta fondi per i bambini di Ucraina, Gaza, Sudan e Siria. Il produttore James Ford ha occupato per una settimana gli Abbey Road Studios, portando con sé un altro parterre di artisti interessantissimi, spesso in diretta collaborazione.
Ne esce un album ricchissimo di piccole gemme, che splendono per la loro esclusività e unicità.
A partire dal nuovo brano degli Arctic Monkeys, che prosegue lo stile "crooner" delle ultime produzioni e dalla successiva unione di Damon Albarn, Grian Chatten dei Fontaines DC e Kae Tempest, sorprendente per costruzione compositiva, sorta di breve operettta, vetta dell'album.
Beth Gibbons ci delizia con una versione oppiacea di "Sunday Morning" dei Velvet Underground.
Coraggiosa e riuscita la cover di "Universal Soldier" di Buffy Saint Marie ripresa dai Depeche Mode.
Bravi gli Ezra Collective con il reggae di "Helicopters", ottima la rilettura dei Fontaines DC di “Black boys on Mopeds” di Sinéad O’Connor, potentissimi i Pulp con il rock quasi punk sparatissimo di "Begging for change".
I brani sono 23, prevalentemente di taglio semiacustico, contemplativo, lento.
L'operazione ha finalità nobili, la musica è davvero eccellente.

AA.VV. - Power Pop! American Power Pop For The Now Generation 1977-81
Molto intrigante questa compilation, uscita per il Record Store Day, con una serie di band americane ascrivibili al Power Pop tra il 77 e l'81. In realtà il sound è più vicino al punk rock 77 di Buzzcocks, Jam e dintorni (vedi i Testors di Sonny Vincent) con puntate in Devo o Joe Jackson. Brani brevi, tirati, urgenti, travolgenti.

MAMAS GUN - Dig
La band inglese firma un settimo album elegantissimo, ricco di groove, mellow soul, Marvin Gaye/Curtis Mayfield (ma ci sento spesso anche Jay Kay e i Jamiroquai), funk, abbracci al gospel. Nella title track "DIG!" ci sono le tastiere di Brian Jackson (la solida spalla di Gil Scott Heron che talvolta emerge nel disco) e ciò mi basta. Ottimo album per chi ama il soul raffinato.

VANESSA HAYNES - Wild Balloons
Nata a Trinidad, in giro per il mondo come backing vocalist di Van Morrison e Chaka Khan, tra gli altri, è stata poi la voce per 14 anni con gli Incognito. Superfluo dire che in questo album si dedichi a sette brani di chiaro stampo soul, dal piglio moderno ma con un retaggio vintage.
Bene arrangiato, cantato magnificamente, ottimo lavoro.

CANDI STATON - Back To My Roots
A 86 anni sfoggia ancora una voce irresistibile, piena, soulful. Dopo una carriera di spicco in ambito disco, nel 1982 tornò all'originario gospel, con cui ha proseguito fino ad oggi.
Il nuovo album ne è pieno ma ci sono, ovviamente, soul, blues, il "fantasma" di Mavis Staples e tanto altro.
Produzione perfetta, una potente cover di ""Shine A Light" degli Stones di "Exile...", la famiglia - figlio, figli, sorella - ad aiutarla insieme ad altri amici. Bello!

THE OLYMPIANS - In Search of a Revival
Da New York, via Daptone Records, la creatura di Toby Pazner (Lee Fields & The Expressions, El Michels Affair), aiutato da una lunga serie di musicisti del "giro", pubblica un ottimo album a base di soul funk strumentale con abbondanza di groove, archi, fiati.
Molto gradevole.

NUBIYAN TWIST - Chasing Shadows
La band di Leeds, "naturalizzata" londinese, è una delle migliori realtà del Nu British Jazz. Al secondo album espandono ancora di più la contagiosa miscela di funk, soul, jazz, afrobeat, vari elementi caraibici. Tanto groove, perizia tecnica sopraffina.

THE MELVINS WITH NAPALM DEATH - Savage Imperial Death March
Solo a leggere i nomi affiancati c'è da avere paura. Due monumenti del "rumore" per eccellenza insieme, che tirano fuori un "Signor disco" in cui si mischiano violenza sonora e sperimentazione, note oscure, Black Flag, Killing Joke, riff potentissimi, eseguiti con grande perizia e creatività e un gusto progressive davvero interessante. Il tutto si chiude con le note di tastiera di "Jump" dei Van Halen... Notevole.

BOLOGNA VIOLENTA - Oblomovismo
La creatura di Nicola Manzan (che si occupa di tutta la composizione ed esecuzione, accompagnato dalla funambolica batteria di Alessandro Vagnoni) è una delle realtà più originali in circolazione. In assoluto.
Il settimo album è una sorta di sinfonia violenta, estrema ed esasperata che spazia tra grind core, rock, prog, sperimentazione, elettronica, (finti) campionamenti. Specchio sonoro di una società "Oblomovizzata" (il termine oblomovismo è stato coniato dallo scrittore russo Ivan Aleksandrovič Gončarov e si riferisce all’apatia e all’ignavia di Oblomov, protagonista dell’omonimo romanzo del 1859) in cui parte della popolazione resta dietro uno schermo da dove giudica e trova nemici e colpevoli per ogni suo fallimento, convinta intimamente di stare sempre e solo dalla parte della ragione. La capacità di Bologna Violenta è di scrivere dischi "unici", inimitabili opere di arte contemporanea che, come la contemporaneità che stiamo vivendo, ne sono la tragica colonna sonora.

THE BOOGERS - Rhythm 'n' Booze with...
Difficile, sicuramente rarissimo, trovare band italiane (ma non solo) che prendono come riferimento quella nicchia sonora che nella seconda metà degli anni Settanta precorse il punk con un sound ruvido e grezzo, figlio di rhythm and blues, blues, rock 'n' roll primitivo. In Inghilterra lo chiamarono pub rock, di cui band come Dr.Feelgood in particolare ma anche Ninbe Below Zero, Count Bishops, le varie incarnazioni di Jesse Hector, Eddie and the Hot Rods, furono brillanti rappresentanti.
La band sarda suona esattamente così, con un tiro mutuato dal punk, bellissime canzoni, cover di Little Walter, Slim Harpo, Otis Rush. Un vero e proprio gioiello.

CHICCO ALLOTTA and the GROOVERS - Segunda Genie
Dopo una proficua attività con i Chiaramira, il tastierista siciliano si è trasferito nel 2014 a Londra dove ha trovato, dal 2022, ospitalità nel fantastico mondo degli Incognito, con cui sta girando il mondo e ha inciso l'album Into You.
Il suo primo album solista è uno splendido condensato di umori jazz, fusion, blues, funk, con sguardi alla lezione di Pino Daniele e James Senese e un particolare riguardo per i suoni mediterranei e folk nostrani (non mancano echi della formidabile avventura di Napoli Centrale o Perigeo).
Il sound è attuale, modernissimo, fresco, l'espressività esecutiva della band ad altissimi livelli, la citazione del canto siciliano per eccellenza Ciuri Ciuri in Jungle Ciuri 2.0 si trasforma in un canto politico dall'incidere reggae, la reinterpretazione dell'altro inno della canzone dell'isola, Vitti na crozza, una splendida ballad di gusto jazz funk.
Album semplicemente eccellente.

ONORATO - Le Beatitudini
Musicista, scrittore, pittore, produttore artistico, discografico, didatta, esperto di cinema, (Giancarlo) Onorato è stato un prime mover della scena new wave a fine anni Settanta, con la stupenda e indimenticata avventura degli Underground Life. Da solista ha prodotto sei dischi in trent'anni, giungendo a una maturità artistica che emana ogni "solco" di questo nuovo lavoro, attraverso sette brani in perfetto equilibrio tra raffinata canzone d'autore, l'anima new wave/Bowiana che lo ha sempre accompagnato, un tuffo in atmosfere ai limite del punk rock (Stanotte). Arrangiamenti ricercati, pur nella loro essenzialità, canzoni "asciutte", efficaci e dirette. Come sempre, siamo nell'ambito dell'eccellenza.

THE APPETIZERS - Keep Your Step
Cimentarsi con (original) reggae, ska e rocksteady è sempre un esercizio "pericoloso", essendo un ambito abbondantemente scandagliato nel corso degli anni. Di fronte a un album come Keep Your Step non ci sono dubbi: la qualità delle composizioni autografe della band milanese, la splendida cover di A Message From The Meters dei Meters, la cura dei suoni, la capacità esecutiva, lo rende un vero e proprio gioiello di stile. Semplicemente eccellente.

OK BELLEZZA - Nine Selections From The Inoki Collection
Torna, a sei anni dall'esordio, il quartetto lombardo (ex MiniVip) con un pregevole album strumentale all'insegna di una miscela di cool jazz, ritmi latini, funk e uno sguardo costante alla lezione di Jimmy Smith, Horace Silver, Jimmy McGriff, il primo Herbie Hancock di "Blow Up". Un disco molto curato ed elegante, eseguito splendidamente e con gusto raffinato. i cultori del genere sono avvertiti.

SPECTRE - Twisted Views
Torna la band comasca con un 12 pollici in vinile di cinque brani inciso solo su una facciata. Mantengono salde le basi nelle atmosfere dark goth dell'esordio, a cui si aggiungono la rabbia e il sound arrembante dell'hardcore californiano che caratterizzò band come TSOL, Dead Kennedys, 45 Grave. Una scelta originale e scarsamente seguita ai nostri tempi. Il suono è compresso, oscuro, minaccioso, ostile, la band gira a mille. Da seguire.

CHUBBY AND THE TWERKS - One Second with...
Charlie Manning Walker, frontman e chitarrista di Chubby & The Gang e The Chisel, unisce le forze con i nostri Twerks per un 45 giri diretto e senza fronzoli, che attinge dal punk rock 77 più urgente e spontaneo. Gli amanti del genere ne saranno entusiasti.

COUCHGAGZZZ - Primitive Men
La band barese, dopo l'ottimo esordio di tre anni fa, torna con un feroce Ep di quattro brani, tra garage punk, uno sguardo al mood dei Devo (I Can't Find A Job in particolare, potrebbe essere un'outtake di uno dei primi album della band di Akron), un approccio Lo-Fi e brevi brani di grandissima efficacia e immediatezza.

RASHCO - Disperato Erotico Noise
Da Foggia arriva un trio che ama la sporcizia sonora, il garage, il punk rock primordiale e più disturbante, il rock 'n'roll più primitivo. Nessun compromesso, pochi accordi, ritmi ipnotici, la lezione di Pussy Galore/Jon Spencer Blues Explosion, Gories e affini, imparata alla perfezione. Niente altro, va bene così.

NIGHT TERROR – Non t’arrabbiare
Un esordio con i fiocchi, poco più di venti minuti di intenso punk core in pieno mood Husker Du, con pennellate alla J Mascis/Dinosaur Jr. Sembra di tornare alle immersioni totali nel fragore abrasivo di “Zen Arcade”, capolavoro della band di Minneapolis. Le canzoni sono brevi, immediate, dirette, arrembanti. Una partenza di carriera ai 100 all’ora.

JACK WHITE - G.O.D. And The Broken Ribs / Derecho Demonico
I due brani del nuovo singolo di Jack White si muovono, come da tempo accade, in un contesto punk rock pyscho blues.
Alti livelli compositivi, riconoscibilità stilistica, anche se emerge una patina di "stanchezza" creativa e di auto omologazione.
Comunque, come sempre, più che bene.

PAUL WELLER - Live At BBC vol.2
Torna il super prolifico PAUL WELLER con il secondo volume delle sue apparizioni alla BBC (il primo uscito nel 2008 con registrazioni dal 1990 al 2008). Contiene 48 canzoni (dal 2008 al 2024), che, come sempre, spaziano liberamente e senza particolari vincoli tra Jam, Style Council (tre brani ognuno), la discografia solista (sono diciotto i suoi album in studio) e alcune cover scelte con la consueta cura da grande fan musicale.
Da Days dei Kinks, Time Of The Season degli amati Zombies, un brano di Eddie Floyd a suggello della sua passione per la black music, un sorprendente omaggio a Billie Eilish con What Was I Made For?, una canzone di Denny Laine.
Un ottimo lavoro, si ascolta con immenso piacere, grazie anche alle scelte sempre molto accurate e mai banali.

Emerge quanto il livello compositivo ed emozionale più alto arriva dalle canzoni più vecchie e classiche, sia per una questione meramente nostalgica ma, altrettanto, perché probabilmente il meglio come scrittura lo ha dato tempo fa, continuando poi a fare dischi più che dignitosi ma raramente all'altezza del fulgido passato.

DISC ONE
Si parte con molta dolcezza e quiete con "Gravity" da "True Meanings" per poi sorprendere con "What I made For" di Billie Eilish (che ha scoperto grazie a una figlia che l'ascoltava a ripetizione, trovando la canzone meravigliosa).
Bellissima versione con lap steel, pianoforte e batteria, avvolgente e suadente.

Curiosa e ben riuscita anche la scelta di "One Bright Star" (certo non un capolavoro) da "22 dreams", in versione molto più veloce e ritmata con arrangiamento di archi e di "That Pleasure" da "Fat Pop vol.1" molto energica e jazzy.

"From the Floorboards up" (da "As Is now") è uno dei suoi migliori brani solisti, super elettrica e alla Jam. Versione perfetta.
"Woo See Mama" (da "A kind of Revolution")è un grande e arrembante brano rock soul che trova energia e potenza anche in questa chiave semi acustica.
Assume un'altra veste "Aim High" da "Wake Up the Nation" con solo chitarre acustiche arpeggiate che fa un po' rimpiangere la versioine originale.
"Odessey and Oracle" degli Zombies è stato indicato spesso da Weller come il suo album preferito di sempre. Prende da qui "Time Of the Season", in chiave acustica, riuscendo a darle nuova vita, pur non raggiungendo il groove della band di Rod Argent.

Caotica la già non irresistibile "Drifters" dall'altrettanto scarsino "Sonik Kicks". Trascurabile.
Meglio "Pieces of a Dream" da "Wake Up the Nation", più veloce e psichedelica, quasi Doorsiana, "Movin On" da "True Meanings" di ampio respiro e una rauca e ruvida "That Dangerous Age" ancora da "Sonik Kicks".
Poco da fare e da dire quando esplodono in sequenza "Start!" e "Shout To The Top" registrate nel febbraio 2024 alla BBC Scotland, The Quay Sessions at Alhambra, Dunfermline. Splendide, rivisitate alla perfezione.
Bene "Going My Way" da "Saturn Patterns" e commovente chiusura del primo disco con una sentita ripresa di "Days" una delle più belle canzoni dei Kinks.

DISC TWO
Buona "Rise Up Singing", anonima "Flying Fish", entrambe da "66", dimenticabile "When Your Garden's Overgrown" da "Sonik Kicks", sempre stupendo il groove Northern Soul di "No Tears To Cry" da "Wake Up the Nation", una delle migliori composizioni del Weller solista, durissima "Wake Up the Nation" dall'omonimo album del 2010.
Piano, archi e voce per "Invisible" (da "22 Dreams"), senza lode né infamia "Village" da "On Sunset", "The Cranes Are Back" da "A Kind of a Revolution", "Fat Pop" dall'omonimo album.

Cresce il ritmo nella discreta "Dragonfly" e in "Around The Lake"(entrambi da "Sonik Kicks"). Si torna al passato remote e il livell osi alza nella sempre più che ottima "Foot Of The Mountain" da "Wild Wood".
Arriva poi una cover di "I've Never Found a Girl (To Love Me Like You Do)" di Eddie Floyd (dal suo secondo album del 1960, scritta con Booker T.).
Si sente e comprende bene chi ha il soul nel sangue. Grande interpretazione, ottimo arrangiamento.

Ancora soul, molto contaminato da sferzate rock, in "Have You Made Up Your Mind" da "22 Dreams".
Ancora "Sonik Kicks" con "The Attic", "White Horses" da "Fat Pop" e un salto negli Style Council con "Have You Ever Had It Blue", sempre di grande classe e raffinatezza.

DISC THREE
La lugubre "Aspects" da "True Meanings" apre il terzo album.
Inaspettata "Rip The Pages Up" estratta dalla compilation di rarità "Will Of The People" del 2022, formidabile soul funk che avrebbe meritato maggiore visibilità.
"Cosmic Fringes" apriva con vigore "Fat Pop" e fa ancora una bella figura, "Sea Spray" (da "22 Dreams") passa senza colpo ferire mentre "Boy About Town" da "Sound Affects" dei Jam in veste acustica (con la London Metropolitan Orchestra & Hannah Peel) ti mangia l'anima per quanto è ancora bella.

Da "Saturn Patterns" arriva il roboante quasi grunge di "White Sky".
Ed ecco "Eton Rifles" super elettrica e durissima che spacca tutto.
Cala poi (troppo) la tensione con "I Woke Up" da "66".
Lievissima, quasi eterea, sempre epica, "Wild Wood".
Lo stesso non si può dire della trascurabile "Burn Out" da "66". Poi quella volta che Paul fece il verso a Iggy Pop in "Saturn Patterns" con "Long Time". Buona canzone.

Dallo stesso album la soffice e notturna "These City Streets", piccolo gioiello dimenticato. "Say You Don't Mind" è un altro esempio della passione di Weller per le gemme nascoste. E' il singolo d'esordio di Denny Laine nel 1967, poi ripresa dagli Episode Six, portato al successo da Colin Blunstone degli Zombies nel 1971 e infine proposta qualche volta dal vivo nel tour 72/73 degli Wings (tra le poche canzoni che non cantava Paul McCartney).
Si chiude con il classico "My Ever Changing Moods" (Style Council), versione appena sufficiente, registrata maluccio e con uno degli capolavori solisti di Paul "Broken Stones", unica concessione a "Stanley Road".

Per i Welleriani hardcore ci sono 6 cover, 4 brani ciascuno da "66", "Sonik Kicks", "Fat Pop", "22 Dreams", 3 canzoni da "Saturn Patterns", "True Meanings" e "Wake Up the Nation", 1 da "As Is Now", "A Kind of Revoltion", "On Sunset", "Wild Wood", "Stanley Road", "Will Of the people.

LETTO

Detail Magazine #20
Paul Weller è il protagonista, in qualità di guest editor e consigliere speciale nelle scelte dei contenuti, del nuovo numero di DETAIL.
Ci sono le sue preferenze nei negozi di abbigliamento londinesi, una serie di consigli su nuovi artisti che predilige, un articolo sulla "sua" Lambretta SX 200, un ricordo, a cura di Eddie Piller, di Mani Mounfield degli Stones Roses recentemente scomparso, un approfondimento del passaggio "from Bootboys to Soul Boys" e un sacco di altri eccellenti spunti e articoli.
Numero davvero speciale.
Clothes and music. that's it for me. They make me happy. Niether one is ephemeral but both are pieces of art. (Paul Weller)

Ellade Bandini - L'Ellìade. Vita epica di un batterista
ELLADE BANDINI è tra i più importanti batteristi italiani, dal curriculum infinito, da De André a Guccini, Paolo Conte e Vinicio Capossela, fino a Al Bano a Branduardi, Mina, I Giganti di "Terra in bocca", Edoardo Bennato, Fabio Concato. Ma la lista è ancora molto lunga.
In questo libro si racconta, dagli esordi nelle orchestre tra anni Cinquanta e Sessanta all'approdo al grande giro discografico e concertistico dai Settanta in poi, tra aneddoti, riflessioni, considerazioni varie.
Il tutto con un grande uso dell'(auto) ironia e di una prosa leggera e veloce.

Luca Ragagnin - I dieci passi di Nick Drake
Molto originale la scelta dell'autore (paroliere per Subsonica, Delta V, Venditti, Mina, e scrittore, con decine di pubblicazioni all'attivo) di raccontare la tribolata vita di NICK DRAKE attraverso un'immaginaria autobiografia, in cui il musicista si riguarda post mortem.
Un libro che si muove dall'unico filmato (probabile) di Drake, una manciata mentre cammina (per dieci passi, da cui il titolo del libro) di spalle in uno sconosciuto festival folk degli anni Settanta e scorre poi attraverso flash riflessivi (riportati in maiuscolo) e la narrazione biografica.
Il tutto trattato con leggerezza e buone dosi di ironia.
Un ritratto di uno dei più importanti cantautori di sempre, scarsamente considerato quando era in vita, fino al 25 novembre 1974 quando chiuse la sua esistenza con un (probabile, mai effettivamente accertato) suicidio.
Anche chi conosce poco dell'artista troverà la lettura coinvolgente e avvincente.

AthletiQuillo - Abbecedario Pallonaro
AthletiQuillo è un collettivo formato da professori universitari, viaggiatori, uomini d’affari, burattinai, attori e osti. Scrive ricordando il Grande Torino e l’Honved di Puskás, il Celtic tra il 1965 e il 1974 e l’Arancia Meccanica olandese, il Corinthians di Sócrates e il Napoli di Maradona. Scrive con la testa e con il cuore. Scrive con le mani sporche di tinta, Guinness e Malvasia.
Ci si diverte molto per ritrovarsi anche immersi in un mare di nostalgia, a scorrere le pagine di questo libro, scritto a più mani da appassionati di "quel calcio là".
I nomi di cui si parla tornano alla memoria da un infinito passato, da quello più recente (Hidetoshi Nakata o Taribo West), ai tempi che furono (Giovanni Lodetti, Mario Kempes con la sua triste storia mai iniziata con il Fiorenzuola, Luis Silvio Danuello, Edmundo o Robin Friday), fino a nomi dimenticatissimi o ignoti come Vasilis Chadzipanagis, Rocco Pagano o Carlos Henrique Raposo che fece passare fior di squadre brasiliane senza mai scendere in campo una sola volta.
Scrivono tutti molto bene e con leggerezza, le pagine volano e il lettore rimane soddisfattissimo (con un pizzico di malinconia).

Vincenzo Greco - Battiato e l'assoluto. Una ricerca spirituale
Appannaggio pressoché esclusivo per i cultori e profondi conoscitori dell'opera di Franco Battiato, il libro di Vincenzo Greco si addentra nei meandri più profondi della poetica, spiritualità e filosofia del Maestro.
Da un dialogo immaginario con l'Artista, alle sue caratteristiche musicali, a una playlist esclusiva delle sue canzoni consegnate al sindaco di Milo, Alfio Cosentino, autore della prefazione, fino a un testo conclusivo di uno spettacolo teatrale dello scrittore, il libro è un compendio essenziale, un tassello ulteriore alla conoscenza della creazione di Franco Battiato.
Lettura a tratti complessa ma sempre stimolante e interessante.

VISTO

The Rise of the Red Hot Chili Peppers di Ben Feldman
"Non ci abbiamo avuto nulla a che fare a livello creativo. Dobbiamo ancora realizzare un documentario sui Red Hot Chili Peppers" hanno dichiarato i membri della band.
Poco male, il lavoro, pur non irresistibile, è ottimo, per quanto "adagiato" sulla consueta e prevedibile trama di immagini d'epoca, inframmezzate da commenti di Flea, Anthony Kiedis e John Frusciante e altri personaggi del primo periodo artistico della band, quello formativo che si circoscrive fino alla morte del chitarrista Hilell Slovak nel 1988.
Il tutto è ben documentato e ci sprofonda nella follìa di abusi a cui erano soliti abbandonarsi e che hanno minato a fondo la stabilità del gruppo.
Ce la faranno, la formidabile e irresistibile miscela di funk e punk di "Mother's Milk" diventerà negli anni 90 più levigata e li porterà a un successo globale.
Album come quello citato e "Blood Sugar Sex Magik" rimangono capolavori indiscussi.

COSE VARIE
° Ogni giorno mie recensioni italiane su www.radiocoop.it (per cui curo ogni settimana un TG video musicale - vedi pagina FB https://www.facebook.com/RadiocoopTV/).
° Ogni mese varie su CLASSIC ROCK.
° Ogni sabato un video con aggiornamenti musicali sul portale https://www.facebook.com/goodmorninggenova
° Sulle riviste/zines "GIMME DANGER" e "GARAGELAND"
° Periodicamente su "Il Manifesto".

APPUNTAMENTI

Giovedì 28 maggio:
Firenze "Spazio Alfieri" via Dell'Ulivo 8
"Something About Maggie". La musica ai tempi di Margaret Tatcher.
Io racconto, i Ratoblanco la suonano.

NOT MOVING
"That's All Folks!" Tour
Venerdì 15 maggio: Bologna “Eufonica Festival”
Mercoledì 27 maggio: Genova “Giardini Luzzati”
Sabato 20 giugno: Livorno “Surfer Joe”
Venerdì 10 luglio: Bologna “Frida”
Sabato 11 luglio: Festival Increa Masnada (Milano)
Venerdì 31 luglio: Cervia “Planet Rock”

Vincenzo Greco - Battiato e l'assoluto. Una ricerca spirituale

2026-04-29T00:30:00.002+02:00

Appannaggio pressoché esclusivo per i cultori e profondi conoscitori dell'opera di Franco Battiato, il libro di Vincenzo Greco si addentra nei meandri più profondi della poetica, spiritualità e filosofia del Maestro.

Da un dialogo immaginario con l'Artista, alle sue caratteristiche musicali, a una playlist esclusiva delle sue canzoni consegnate al sindaco di Milo, Alfio Cosentino, autore della prefazione, fino a un testo conclusivo di uno spettacolo teatrale dello scrittore, il libro è un compendio essenziale, un tassello ulteriore alla conoscenza della creazione di Franco Battiato.

Lettura a tratti complessa ma sempre stimolante e interessante.

Vincenzo Greco
Battiato e l'assoluto. Una ricerca spirituale
Arcana Edizioni
Pagine 140
14 euro

Paul Weller - Weller At The BBC Vol.2

2026-04-28T00:30:00.226+02:00

Torna il super prolifico PAUL WELLER con il secondo volume delle sue apparizioni alla BBC (il primo uscito nel 2008 con registrazioni dal 1990 al 2008). Contiene 48 canzoni (dal 2008 al 2024), che, come sempre, spaziano liberamente e senza particolari vincoli tra Jam, Style Council (tre brani ognuno), la discografia solista (sono diciotto i suoi album in studio) e alcune cover scelte con la consueta cura da grande fan musicale.
Da Days dei Kinks, Time Of The Season degli amati Zombies, un brano di Eddie Floyd a suggello della sua passione per la black music, un sorprendente omaggio a Billie Eilish con What Was I Made For?, una canzone di Denny Laine.
Un ottimo lavoro, si ascolta con immenso piacere, grazie anche alle scelte sempre molto accurate e mai banali.

Emerge quanto il livello compositivo ed emozionale più alto arriva dalle canzoni più vecchie e classiche, sia per una questione meramente nostalgica ma, altrettanto, perché probabilmente il meglio come scrittura lo ha dato tempo fa, continuando poi a fare dischi più che dignitosi ma raramente all'altezza del fulgido passato.

DISC ONE
Si parte con molta dolcezza e quiete con "Gravity" da "True Meanings" per poi sorprendere con "What I made For" di Billie Eilish (che ha scoperto grazie a una figlia che l'ascoltava a ripetizione, trovando la canzone meravigliosa).
Bellissima versione con lap steel, pianoforte e batteria, avvolgente e suadente.

Curiosa e ben riuscita anche la scelta di "One Bright Star" (certo non un capolavoro) da "22 dreams", in versione molto più veloce e ritmata con arrangiamento di archi e di "That Pleasure" da "Fat Pop vol.1" molto energica e jazzy.

"From the Floorboards up" (da "As Is now") è uno dei suoi migliori brani solisti, super elettrica e alla Jam. Versione perfetta.
"Woo See Mama" (da "A kind of Revolution")è un grande e arrembante brano rock soul che trova energia e potenza anche in questa chiave semi acustica.
Assume un'altra veste "Aim High" da "Wake Up the Nation" con solo chitarre acustiche arpeggiate che fa un po' rimpiangere la versioine originale.
"Odessey and Oracle" degli Zombies è stato indicato spesso da Weller come il suo album preferito di sempre. Prende da qui "Time Of the Season", in chiave acustica, riuscendo a darle nuova vita, pur non raggiungendo il groove della band di Rod Argent.

Caotica la già non irresistibile "Drifters" dall'altrettanto scarsino "Sonik Kicks". Trascurabile.
Meglio "Pieces of a Dream" da "Wake Up the Nation", più veloce e psichedelica, quasi Doorsiana, "Movin On" da "True Meanings" di ampio respiro e una rauca e ruvida "That Dangerous Age" ancora da "Sonik Kicks".
Poco da fare e da dire quando esplodono in sequenza "Start!" e "Shout To The Top" registrate nel febbraio 2024 alla BBC Scotland, The Quay Sessions at Alhambra, Dunfermline. Splendide, rivisitate alla perfezione.
Bene "Going My Way" da "Saturn Patterns" e commovente chiusura del primo disco con una sentita ripresa di "Days" una delle più belle canzoni dei Kinks.

DISC TWO
Buona "Rise Up Singing", anonima "Flying Fish", entrambe da "66", dimenticabile "When Your Garden's Overgrown" da "Sonik Kicks", sempre stupendo il groove Northern Soul di "No Tears To Cry" da "Wake Up the Nation", una delle migliori composizioni del Weller solista, durissima "Wake Up the Nation" dall'omonimo album del 2010.
Piano, archi e voce per "Invisible" (da "22 Dreams"), senza lode né infamia "Village" da "On Sunset", "The Cranes Are Back" da "A Kind of a Revolution", "Fat Pop" dall'omonimo album.

Cresce il ritmo nella discreta "Dragonfly" e in "Around The Lake"(entrambi da "Sonik Kicks"). Si torna al passato remote e il livell osi alza nella sempre più che ottima "Foot Of The Mountain" da "Wild Wood".
Arriva poi una cover di "I've Never Found a Girl (To Love Me Like You Do)" di Eddie Floyd (dal suo secondo album del 1960, scritta con Booker T.).
Si sente e comprende bene chi ha il soul nel sangue. Grande interpretazione, ottimo arrangiamento.

Ancora soul, molto contaminato da sferzate rock, in "Have You Made Up Your Mind" da "22 Dreams".
Ancora "Sonik Kicks" con "The Attic", "White Horses" da "Fat Pop" e un salto negli Style Council con "Have You Ever Had It Blue", sempre di grande classe e raffinatezza.

DISC THREE
La lugubre "Aspects" da "True Meanings" apre il terzo album.
Inaspettata "Rip The Pages Up" estratta dalla compilation di rarità "Will Of The People" del 2022, formidabile soul funk che avrebbe meritato maggiore visibilità.
"Cosmic Fringes" apriva con vigore "Fat Pop" e fa ancora una bella figura, "Sea Spray" (da "22 Dreams") passa senza colpo ferire mentre "Boy About Town" da "Sound Affects" dei Jam in veste acustica (con la London Metropolitan Orchestra & Hannah Peel) ti mangia l'anima per quanto è ancora bella.

Da "Saturn Patterns" arriva il roboante quasi grunge di "White Sky".
Ed ecco "Eton Rifles" super elettrica e durissima che spacca tutto.
Cala poi (troppo) la tensione con "I Woke Up" da "66".
Lievissima, quasi eterea, sempre epica, "Wild Wood".
Lo stesso non si può dire della trascurabile "Burn Out" da "66". Poi quella volta che Paul fece il verso a Iggy Pop in "Saturn Patterns" con "Long Time". Buona canzone.

Dallo stesso album la soffice e notturna "These City Streets", piccolo gioiello dimenticato. "Say You Don't Mind" è un altro esempio della passione di Weller per le gemme nascoste. E' il singolo d'esordio di Denny Laine nel 1967, poi ripresa dagli Episode Six, portato al successo da Colin Blunstone degli Zombies nel 1971 e infine proposta qualche volta dal vivo nel tour 72/73 degli Wings (tra le poche canzoni che non cantava Paul McCartney).
Si chiude con il classico "My Ever Changing Moods" (Style Council), versione appena sufficiente, registrata maluccio e con uno degli capolavori solisti di Paul "Broken Stones", unica concessione a "Stanley Road".

Per i Welleriani hardcore ci sono 6 cover, 4 brani ciascuno da "66", "Sonik Kicks", "Fat Pop", "22 Dreams", 3 canzoni da "Saturn Patterns", "True Meanings" e "Wake Up the Nation", 1 da "As Is Now", "A Kind of Revoltion", "On Sunset", "Wild Wood", "Stanley Road", "Will Of the people.

Fourth Sensation /The Pleasure Machine

2026-04-27T00:30:00.026+02:00

I Fourth Sensation sono stati un supergruppo ante litteram (i componenti diventeranno famosi in seguito) composto da Vince Tempera alle tastiere, Ares Tavolazzi alla chitarra (passerà al basso con gli Area), Ellade Bandini alla batteria, Angelo Vaggi al basso.
Autore dei brani (probabilmente come prestanome) il trombettista Max Catalano dei Flippers poi diventato il popolare "Filosofo dell'ovvio" nella trasmissione di Arbore "Quelli della notte".

Nel 1970 incidono l'unico, omonimo, album della carriera (i nomi non compaiono sulla copertina ma i personaggi sono identificabili nelle foto sul retro) a base di una potente miscela di Hammond sound, psichedelia, funk, rock blues, tutto strumentale.
Le composizioni sembrano frutto di jam session in studio più che di brani ben strutturati.
Un buon lavoro, in cui si apprezza la tecnica degli strumentisti e tanta energia esecutiva.
L'album ha avuto a lungo quotazioni altissime, fino alla ristampa della Cinedelic nel 2017.

La band in realtà opera anche con il nome di The Pleasure Machine (a cui collabora il chitarrista Gigi Rizzi, già nei Califfi di Clem Sacco e che suonerà con Guccini, Giganti, Venditti, Lauzi, Mia Martini, Toto Cutugno, Al Bano e Romina Power).

L'esordio è sempre nel 1970 è con il 45 giri "Ballad of easy rider" / "The Pleasure Machine" con un altro nome: Vince Tempera e la Macchina del Piacere.
Carina la versione del brano dei Byrds, sul retro uno strumentale jazz funk velocissimo.
Il successivo 45 con una versione fotocopia di "The Long and Winding Road" dei Beatles non dice granché come d'altronde lo sdolcinato pop di "Fuoco di paglia" del singolo successivo del 1971 (meglio il retro strumentale, "Express 9:15", un ossessivo groove funk rock).

La band suona in "L'isola non trovata" di Francesco Guccini di cui coverizzano "Asia" in una versione soul prog con sezione fiati e un grande groove.
Sul lato B una versione italiana di "Friends" di Elton John, intitolata "Amici" di cui esiste anche un video:
https://www.youtube.com/watch?v=mOFJw4JueZY

La carriera discografica si chiude con una reinterpretazione del tema di Gato Barbieri de "L'ultimo tango a Parigi" dopo di che il gruppo si scioglie (pur se i membri continueranno a collaborare), non prima di avere suonato nello storico "Terra in bocca" de I Giganti.

A complicare la storia c'è un album inciso da Vince Tempera, Ares Tavolazzi e Ellade Bandini nel 1970 accreditato a Vince Tempera & La Macchina Del Piacere, ristampato poi nel 1980 come Vince Tempera - Pleasure Machine.

Lavoro molto particolare e godibile con versioni jazzate, intrise di funk, di "Rain" (bellissima), "Ticket to Ride" (ottima, in chiave fusion) e "Let It Be" (bruttina) dei Beatles, una tiratissima "Mas Que Nada" pianistica, "Lay lady lay" di Dylan e la conclusiva, autografa, breve e swingata ma piena di stile, "Sexual Resolution".

Classic Rock

2026-04-26T15:19:00.004+02:00

Nel nuovo numero di CLASSIC ROCK intervisto Giuseppe Pionca a proposito del tributo a "Rane'n'roll" di Joe Perrino & the Mellowtones (https://tonyface.blogspot.com/2026/03/aavv-ranenroll-reloaded.html).
Recensisco anche il disco, gli Elle, Bruce Sudano, i Casualties, il libro di Paul Weller "Through the fire".

25 aprile 2025

2026-04-25T00:30:00.006+02:00

Con Vittoria Rossi ho compilato per www.radiocoop.it una lista di brani dedicati al 25 aprile, la Liberazione dal fascismo, la Resistenza.

https://open.spotify.com/playlist/5ukcjhOVGhHM02DuggLOlK?si=9ba40422b9784cd5&pt=cf731604563248976455513cdfaa73df

Marc Ribot, Tom Waits - Bella Ciao
Leonard Cohen - The Partisan
Letizia Fuochi, Chiara Riondino - Silenzio e cammino
Enzo Jannacci - Sei minuti all'alba
Milva - 25 aprile 1945
I Gufi - Non maledire questo nostro tempo
Vinicio Capossela - 25 aprile
CSI - Linea Gotica
Offlaga Disco Pax - Sequoia
Ustmamò - Siamo i ribelli della montagna
Appino - La Festa della Liberazione
Gabriella Ferri - Via Rasella
Il Teatro degli Orrori - Compagna Teresa
Stormy Six - Dante Di Nanni
Marc Ribot, Meshell Ndegeocello - The Militant Ecologist
Yves Montand - Le Chant Des Partisans
Mercedes Sosa - Se Equivocò La Paloma

AthletiQuillo - Abbecedario Pallonaro

2026-04-24T00:30:00.051+02:00

AthletiQuillo è un collettivo formato da professori universitari, viaggiatori, uomini d’affari, burattinai, attori e osti. Scrive ricordando il Grande Torino e l’Honved di Puskás, il Celtic tra il 1965 e il 1974 e l’Arancia Meccanica olandese, il Corinthians di Sócrates e il Napoli di Maradona. Scrive con la testa e con il cuore. Scrive con le mani sporche di tinta, Guinness e Malvasia.

Ci si diverte molto per ritrovarsi anche immersi in un mare di nostalgia, a scorrere le pagine di questo libro, scritto a più mani da appassionati di "quel calcio là".

I nomi di cui si parla tornano alla memoria da un infinito passato, da quello più recente (Hidetoshi Nakata o Taribo West), ai tempi che furono (Giovanni Lodetti, Mario Kempes con la sua triste storia mai iniziata con il Fiorenzuola, Luis Silvio Danuello, Edmundo o Robin Friday), fino a nomi dimenticatissimi o ignoti come Vasilis Chadzipanagis, Rocco Pagano o Carlos Henrique Raposo che fece passare fior di squadre brasiliane senza mai scendere in campo una sola volta.

Scrivono tutti molto bene e con leggerezza, le pagine volano e il lettore rimane soddisfattissimo (con un pizzico di malinconia).

AthletiQuillo
Abbecedario Pallonaro
Garrincha Edizioni
200 pagine
17 euro

Dave Mason

2026-04-23T00:30:00.001+02:00

La recente scomparsa di DAVE MASON, parziale anima dei primi Traffic, collaboratore di Jimi Hendrix, Wings, George Harrison, Fleetwood Mac, Eric Clapton e tanti altri), ci porta al suo esordio solista del 1970.

Al suo fianco membri di Derek and the Dominoes, Delaney and Bonnie, Jim Capaldi dei Traffic alla batteria, Rita Coolidge e una stampa originale molto curata e particolare.

Un disco tipicamente espressione del tempo, a cavallo tra Sessanta e Settanta, con retaggi del decennio precedenti e il mix di soul, folk, rock e blues dei primi anni di quello nuovo. "World In Changes" potrebbe tranquillamente stare su uno dei primi dischi dei Traffic (manca solo la voce di Steve Winwood), "Only You Know and I Know" e "Waitin' On You" hanno un passo tra Stones, tardi Small Faces e Humble Pie, in "Shouldn't Have Took More Than You Gave" viaggia nel migliore rock soul blues.
Un lavoro ancora molto gradevole da ascoltare per ricordare un eccellente musicista autore per i Traffic di due gioielli come "Hole in My Shoe" e "Feelin' Alright?"