Electric Light Orchestra - "Electric Light Orchestra"

Antes que nada, he borrado todos los links para bajar discos y ya no pondré mas de aquí en adelante. Esto se debe a una advertencia por los que manejan este sitio. De no hacerlo, me lo darian de baja. 

Ademas, siempre me he sentido mal por esto. No creo en la pirateria.

Lo bueno de esto es que si me ha llegado una advertencia, es porque el blog esta empezando a ser popular (o al menos eso quiero creer jajajajaja)

DEBIDO A COMENTARIOS DE OTROS BLOGGEROS, DECIDÍ BORRAR LA 1er PARTE DEL POST YA QUE ALGUNOS SE SENTIAN INSULTADOS POR MI OPINION SOBRE LA MUSICA DISCO Y OTROS ESTILOS DE POP COMERCIAL. NO ERA MI INTENCIÓN. MI FALTA DE SENTIDO COMÚN A VECES ME HACE DECIR COSAS QUE NO DEBO.


Todos conocemos temas clásicos de la era Disco como, por ejemplo, “Last Train to London”. Este y otros mas que por titulo no son tan conocidos pero si lo son al oírlos, pertenecieron a la banda Electric Light Orchestra.

Hoy en día, gente joven, asi como gente que vivio en esa época, tiene a esta banda como una de la movida Disco. Mi padre, un enorme conocedor y coleccionista de la música, conoce a esta banda por esa época oscura y tenebrosa.

Sin embargo no fue siempre asi. Hasta su 4to disco, cuando aun no llegaba al éxito que sabria saborear, fue una banda increíble, una banda de Art Rock. En ese momento SI se le podía llamar una orquesta.

Esta banda se formó en 1970, liderada por Roy Wood, proveniente de la banda The Move, y Jeff Lynne, proveniente de The Idle Race y también de The Move (que también formaría parte de la exitosa súper-banda The Traveling Wilburys, junto a George Harrison, Bob Dylan, Tom Petty y Roy Orbison).

La idea de ellos era crear una música con base rockera, yendo en el estilo de The Beatles, pero usando cellos, violines, violas, contrabajos, vientos y otros instrumentos orquestales, asi como los típicos del Rock como guitarra, bajo, batería y teclados.

Con esto se formaría la verdadera 1era orquesta del Rock. Por el número de integrantes seria más una orquesta de cámara que una orquesta grande de sinfonía.

Unos meses después, ya en 1971, sacarían su 1er disco, “Electric Light Orchestra”, también conocido como “No Answer”.

Aunque tuvo éxito, este seria moderado.

Ya para su 2do álbum, “ELO 2”, Roy Word dejaría la banda, dejando a cargo a Jeff Lynne.

El éxito de la banda iría creciendo de a poco, pero fue en su 6to álbum, “A New World Record”, donde llegarían a convertirse en una de las bandas mas vendidas de la historia.

Pero fue aquí donde el estilo cambiaria drásticamente, yéndose mas al lado de la música Disco. La banda seguiría tocando hasta 1983, luego se juntarían de nuevo de 1985 a 1986 y finalmente del 2000 al 2001. Su último disco fue “Zoom”, lanzado en el 2001.

El disco del que voy a hablar hoy es su 1er y mejor álbum, “Electric Light Orchestra”.

Como dije, fue lanzado en 1971 y no tuvo tanto éxito. Sin embargo, es en este disco donde se puede escuchar el mejor ejemplo del concepto original: una verdadera orquesta de Rock.

El disco tiene muchísimos arreglos, varios pasajes instrumentales, una gran gama de instrumentos y composiciones que llegan a un nivel de complejidad, no tanto técnica pero si conceptual, increíble.

En este disco, los músicos que participaron fueron los siguientes:

• Roy Wood: Guitarras, Bajo, Cello, Oboe, Fagot, Clarinete, otros instrumentos de viento, vocales 
• Jeff Lynne: Guitarras, Bajo, Piano, Teclados, Vocales. 
• Bev Bevan: Batería, Percusión, Vocales. 
• Bill Hunt: Corneta Francesa, Corneta. 
• Steve Woolam: Violín. 

Como se puede ver, no eran muchos integrantes. Por ende, ¿dónde está la orquesta?

Pues gracias a la tecnología, se creó la multipista. Con esto, los músicos podrían grabar cuantas pistas de cello, violín, vientos, etc quisieran y asi crear la “orquesta”. Aun asi, cuando empezaran el tour, añadirían varios músicos más y resultaría una orquesta “viviente” más que tecnológica.

Esto demuestra también que los lideres y compositores Wood y Lynne no eran músicos corrientes. Tenian una buena idea de lo que podian llegar a crear gracias a su multi-instrumentalismo.

El disco cuenta con 9 temas, cada uno especificando su compositor:

1. "10538 Overture" (Lynne) 
2. "Look at Me Now" (Wood) 
3. "Nellie Takes Her Bow" (Lynne) 
4. "The Battle of Marston Moor (July 2nd 1644)" (Wood) 
5. "First Movement (Jumping Biz)" (Wood) 
6. "Mr. Radio" (Lynne) 
7. "Manhattan Rumble (49th Street Massacre)" (Lynne) 
8. "Queen of the Hours" (Lynne) 
9. "Whisper in The Night" (Wood) 

El primer tema, “10538 Overture”, fue el 1er single sacado por la banda y por ello fue el mayor éxito del disco y de los temas mas recordados de la 1er época de la banda. El sonido es bastante futurista. Podría ser una canción de Rock de hoy en día. Aquí ya se pueden ver los detalles y arreglos que traen los varios instrumentos atípicos del Rock. Aun así, el sonido y estilo básico es Rock.

“Look at Me Now” es de los temas mas desafiantes del disco. Es una canción como cualquier otra, en el sentido de que tiene verso, estribillo y todo el formato típico. Sin embargo la base musical son instrumentos de cuerdas y algún viento que otro. Además, el estilo musical va variando a lo largo del tema. Empieza con una onda clásica, un estilo de la época de los piratas. Por la mitad del tema, hay un pasaje muy oriental que muestra la versatilidad de Wood como compositor.

“Nellie Takes Her Bow” es uno de los temas mas Beatle-influenciados del disco. La progresión de acordes y la melodía, hechas por la voz y el piano, son muy parecidos a los que usaban The Beatles, sobre todo en los temas de McCartney. Pero aquí se incluye algo que los Fab-Four no hicieron: un pasaje instrumental neo-clasicista que demuestra que eran mucho pero mucho más que músicos de Rock.

El 4to tema, “The Battle of Marston Moor (July 2nd 1644)” es el tema mas complejo del disco, y seguramente el mejor. Este, a diferencia de los demás, tiene 0 influencias de Rock. Es un tema de música clásica con enormes influencias de compositores del SXX como Stravinsky y Tchaikovsky. Como tal, tiene un principio y fin, o sea, no repite partes y ni melodías prácticamente. Lo asombroso del tema es que uno esperaría un tema no tan complejo y algo ambiguo por tratarse de música Neo-Clasicista hecha por un rockero. Pero esta composición no tiene nada que envidiarle a cualquier otra que ronda por este estilo.

“First Movement (Jumping Biz)” es otro tema instrumental, pero este si es Rock. Este está guiado por una guitarra española, la cual, por la melodía, trae un aire de Flamenco.

“Mr. Radio”, el 6to tema, es un tema bastante fantástico. Tiene también muchas influencias de The Beatles, pero también cuenta con influencias del Jazz vocal de los ’50 a lo Sinatra. Este es guiado por un piano con varios arreglos y acordes muy graves. Este es otro tema con excelente arreglos, los cuales se pueden notar más por los últimos 2 minutos. Aquí se puede escuchar tal vez el mejor ejemplo de lo que querían lograr.

Como Wood tiene “The Battle...”, Lynne tiene el 7mo tema del disco, “Manhattan Rumble (49th Street Massacre)”. Este instrumental, aunque no es tan complejo como “The Battle…”, tiene una enorme imaginación. Las melodías oscuras y tétricas hechas por los vientos, cuerdas y piano nos llevan a lugares muy tenebrosos, llenos de personajes malévolos y asquerosos. Pero al mismo tiempo, es un miedo bastante infantil, como el de Disney. Parecería un circo grotesco. Esto se nota más en un pasaje en la mitad del tema, donde se puede sentir más esas melodías parecidas a este lugar.

“Queen of the Hours” tiene un comienzo que podría ser perfectamente de un tema de Nu-Metal de hoy en día. Es un tema muy versátil, que pasa de momentos alegres a otros de desesperación rápidamente. Suena muy actual, sobre todo por la melodía guiada por el Cello, el instrumento que mas se escucha en la canción.

“Whisper in the Night” no podía ser otro tema mas que el final, ya que toda la melodía suena a una despedida. Guiada por unas guitarras acústicas y unas cuerdas, las influencias de The Beatles se pueden oír nuevamente. Es un tema muy delicado y bello. Un verdadero tema de amor.

Esto demuestra que una banda no es siempre lo que uno mas conoce.

Aquí tenemos una banda que nos trajo un tema totalmente Disco como “Last Train to London” pero que demuestra que alguna vez supo de verdad crear música más seria.

Y en este caso no es cualquier música. Es tal vez de los discos más ambiciosos del Rock. No solo porque crearon temas excelente, sino que la complejidad instrumental y de composición va mas allá de lo que cualquier otro músico de Rock podría haber logrado. Y estoy muy seguro que otros grandes del Rock, como Led Zeppelín, The Who, Pink Floyd, etc, nunca lo podrían haber logrado, o tal vez si pero no con la misma calidad. Hasta The Beatles, quienes intentaron lograr esto en temas como “Eleanor Rugby”, ya que la instrumentación no llega ni a los talones de la ambición y meticulosidad de las de este disco, no lo pudieron hacer ellos mismos, sino que lo hizo el “5to Beatle”, George Martin.

Lo que tenemos aquí es una demostración de que ser músico de Rock no te hace menos profundo y sabio musicalmente.

Muchos compositores y amantes de la Música Clásica hablan del Rock como un juego de niños. Aquí se demuestra que hay genios que pueden utilizar lo mejor del Rock y combinarlo con el estilo musical más complejo que hay.

Pero más que nada, nos demuestra que una banda no es siempre lo que uno cree.

Podremos decir “Esta banda tuvo una mala época” o "tuvo una época más comercial" tal vez, pero hablaremos con honor de su mejor momento, un momento que sirve de ejemplo para cualquier músico que quiera llevar la música mas allá de lo que se conoce o se cree poder.


Dejo para escuchar los temas en Youtube (eso aparentemente no es ilegal):

"10538 Overture": http://www.youtube.com/watch?v=PC02EnshI5U
"Look at Me Now": http://www.youtube.com/watch?v=HWFhL3Kgbig
"Nellie Takes Her Bow": http://www.youtube.com/watch?v=MaUD0BcyEUM
"The Battle of Marston Moor (July 2nd 1644)": http://www.youtube.com/watch?v=hWjXOt3UM78   (está seguido por el comienzo del 1er tema)

"First Movement (Jumping Biz)":  http://www.youtube.com/watch?v=5JxMxnCRk2k
"Mr. Radio": http://www.youtube.com/watch?v=UxSy4Gcn4z8 

"Manhattan Rumble (49th Street Massacre)": http://www.youtube.com/watch?v=0N82JOf8sy8
"Queen of the Hours" (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=VF9BjBXKX10 

"Whisper in The Night": http://www.youtube.com/watch?v=eSGFITIKelU

Gracias por leer!!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa

Frank Zappa - "Roxy & Elsewhere"

No se si alguna vez han notado, pero siempre que escribo una reseña, termino la misma con una frase: “Music is the Best”. Y a continuación pongo siempre a quien le pertenece la cita: Frank Zappa.

Pues hoy, no sabia de que reseñar. Intenté con varios discos, pero ninguno me llegaba. Y finalmente decidí que era momento de escribir de este músico.

Para hablar de Frank Zappa en su totalidad, habría que usar un diccionario de música y leerlo todo. Y esto es porque no fue un Rock-Star, ni un Jazz-Man, ni un compositor de música Clásica, ni un guitarrista increíble. Fue todo esto, y mucho más.

Debe ser el ÚNICO músico que ha compuesto para todo estilo y combinado cada uno de ellos entre ellos. Creó Blues, creó Jazz, creó Rock, creó Jazz-Fusión, creó música Clásica, creó Folk, creó música Avant-Garde, etc, y al mismo tiempo los combinó. Es posible que lo haya hecho todo en algún momento.

Al mismo tiempo fue un increíble guitarrista, de los mejores que han tocado el instrumento en el planeta. Su forma de tocar es muy distintiva, al punto que cualquiera que conozca a Zappa, puede escucharlo y reconocerlo. Además, su uso del Wah-Wah pedal era único. Mientras que muchos guitarristas lo usan para hacer sonar la guitarra como si modulara (o sea haciendo wah), el a veces lo dejaba en una posición fija, como si fuera un efecto.

En su música nunca faltaba el humor. No solo las letras eran con humor, sino que sus actos en vivo y hasta la misma música tenia humor.

Sin embargo, la critica y análisis de la sociedad siempre estaba presente. Era un hombre que intentaba, mediante el humor y la música, hacer pensar a la gente.

Este músico, nacido el 21 de Diciembre de 1940, arrancó tocando la batería. Pero por 1957 decidió cambiarse a la guitarra.

Al mismo tiempo, su interés por composición y arreglos fue aumentando. Fue gracias a la revista “LOOK” que conoció al compositor de música Clásica Contemporánea Edgard Várese, quien fue desde ese entonces su mayor influencia. Con esto, Zappa empezó a investigar más sobre la música clásica, sobre todo la del siglo XX. En esta búsqueda conoció a Igor Stravinsky, el compositor de música Clásica más importante del siglo XX cuyo sonido ha sido la mayor influencia de todo este siglo y que ha sido adoptado para toda composición para películas y otras cosas que estén llenos de imaginación. Gracias a él, adoptó nuevas formas de composición y se inspiró mucho en sus cambios bruscos y potentes y sus melodías fantásticas e imaginativas para crear su música

Por varios años fue rotando por varias bandas, donde tocaba Doo-Wop, un estilo que ronda entre el Rock y el R&B (este estilo fue su 1er amor en la música). Pero finalmente consiguió formar su propia banda, The Mothers of Invention.

Esta banda fue de las más originales de los ’60, ya que tocaban Rock con arreglos bastante eclécticos, usaban sonidos muy raros y sus canciones eran muy locas. Su disco debut “Freak Out!”, salido en 1966, marcó a Zappa como un revolucionario, a tal punto que Paul McCartney citó al disco como la fuente de inspiración para transformar el “Sgt. Pepper’s” en un disco viajado y loco.

Pero de a poco la banda fue evolucionando. Ya en su 2do disco incluían vientos y empezaban a mostrar influencias de Jazz. Por ejemplo, el tema “Invocation & Ritual Dance of the Young Pumpkin”, es de los primeros temas en la historia donde se mezcla Rock con Jazz, creando así lo que se conoce hoy en día como Jazz Fusión. Al mismo tiempo, el comienzo de este mismo tema tiene extractos del movimiento “Júpiter” de la obra “The Planets” por el compositor de música Clásica Gustav Holst.

Ya por su 6to disco, “Uncle Meat”, la banda llegaba a su máximo punto musical, mezclando música Avant-Garde con Jazz y Rock. En este disco doble, mostraban el sonido del Jazz que se vendría. En “King Kong”, el sonido de lo que seria el Jazz Fusión está establecido de forma perfecta. Y la instrumentación (que contenía varios vientos e instrumentos de percusión) y composiciones con influencias de música Clásica Moderna seria la fuente de inspiración para bandas de Avant-Garde como la increíble banda del guitarrista y compositor Fred Frith “Henry Cow”.

Sin embargo, la banda se separó. Los músicos no eran tan serios con la música a veces, y Zappa quería una dedicación plena y rigurosa. Esto lo llevó a hacer su 1er trabajo como solista, y tal vez su más reconocido, “Hot Rats”. En este disco creó una música que no tenía un estilo para ser clasificado. Era Jazz, pero era Rock. Era música popular, pero era algo de otro mundo. Un disco totalmente instrumental en el cual era acompañado, entre otros, por Ian Underwood, un multi-instrumentalista que venía acompañando a Zappa desde su 3er álbum.

Con esto siguió creando más, y más, y más, y más discos. Cada uno era diferente. Nunca se sabia que esperarse de Zappa. A veces venia con un sonido con temas totalmente electrónicos, y en el último tema del disco se le ocurría poner un Blues.

Su muerte, en 1993, lo dejo con una discografía de 57 álbumes. Sin embargo, por su exhaustiva emoción por componer, hasta el día de hoy siguen saliendo álbumes con nuevo material. Hasta el momento, han salido 24 álbumes después de su muerte.

El disco que presento hoy no será su mejor álbum, pero es tal vez uno de los más completos para mostrar lo que fue Zappa en su totalidad.
“Roxy & Elsewhere” salió en Setiembre de 1974. Es un disco en vivo que cuenta con grabaciones en The Roxy Theatre de Hollywood en las noches del 10,11 y 12 de Diciembre de 1973, más 3 grabadas el 8 de Mayo de 1974 Edinboro State College de Pennsylvania.

Aquí podemos apreciar varios estilos que ha hecho Zappa: Rock, Jazz Clásico, Jazz Rock, Blues, instrumentales, Avant-Garde, Tango, improvisaciones y actos lunáticos en vivo. A veces uno duda si es en verdad es en vivo, ya que algunos temas son muy difíciles de tocar y lo logran con tal excelencia que no le erran a una sola nota.

Zappa, desde el inicio de su carrera, ha variado los integrantes que formaban su grupo. En este disco, The Mothers eran los siguientes:
-Frank Zappa: 1era Guitarra, Voz
-George Duke: Teclados, Sintetizador, 1era Voz
-Tom Fowler: Bajo
-Ruth Underwood: Marimba, Percusiones
-Jeff Simmons: Guitarra Rítmica, Voz
-Don Preston: Sintetizador
-Bruce Fowler: Trombón
-Walt Fowler: Trompeta
-Napoleon Murphy Brock: Saxo Tenor, Flauta, 1era Voz
-Ralph Humphrey: Batería
-Chester Thompson: Batería

Como verán, toda una big band. Aquí se puede ver lo aventurero que era Zappa como compositor, usando varios vientos y hasta 2 baterías.

Además, todos estos músicos son grandes de la música, sobre todo George Duke (quien ha tenido una exitosa carrera como solista en el Jazz Fusión) y Chester Thompson (quien ha sido baterista de grandes formaciones como una de las tantas de una de las bandas de Jazz Fusión mas importantes, Weather Report, y las formaciones post-Peter Gabriel de Genesis).

El disco cuenta con 10 temas:

1. Penguin In Bondage
2. Pygmy Twylite
3. Dummy Up
4. Village Of The Sun
5. Echidna's Arf (Of You)
6. Don't You Ever Wash That Thing?
7. Cheepnis
8. Son Of Orange County
9. More Trouble Every Day
10. Be-Bop Tango (Of The Old Jazzmen's Church)

El 1er tema, “Penguin In Bondage”, empieza con un introducción por Zappa explicando de que trata el tema, pero en si no termina diciendo nada (lo hace a propósito, obviamente).
El tema tiene una base bluesera con algunos elementos de Jazz. Como todos los temas de Zappa, cuenta con varios cambios de tiempos y velocidades. Empieza con el estribillo cantado por Zappa. Luego entre medio de los versos, añade pasajes instrumentales de aproximadamente 5 segundos totalmente disonantes. Y en la mitad del tema contamos con un solo de Zappa utilizando de manera increíble el Wah-Wah pedal. Vale la pena prestar atención a cada detallecito que pone (chiflidos, sonidos extraños, etc).

“Pygmy Twylite” empieza con un riff que imita la melodía que luego será de la voz. Lo interesante de este tema es como todas las notas de los instrumentos van al mismo tiempo que la voz. Sin embargo, el tema es prácticamente instrumental. Aquí los vientos llevan todo el tema adelante.

“Dummy Up” esta conectada con “Pygmy Twylite”, al igual que la ultima con el 1er tema. Por ende, los 3 sonarían como si fuera una sola y larga canción. El tema es un perfecto ejemplo de la improvisación de la banda, ya que es en si una base de batería, bajo y teclados, mientras que Napoleón Murphy Brock se hace pasar por una persona totalmente estúpida mientras que los demás le toman el pelo. Al mismo tiempo, hay alguno que otro solo de alguno de los instrumentos. Es un diálogo que, para sacarle el jugo y de verdad reírse, hay que escucharlo con atención (lo ideal seria verlo en la pantalla para entender mejor lo que pasa).

Seguido de esto, está “Village of the Sun”, un tema que habla de un pueblo en el que solía vivir Zappa. Este tema de Jazz clásico cantado con algo de Rock es el estilo que marcaría las canciones cantadas de Zappa hasta el día de su muerte. Aquí, aunque no hay ninguna complejidad en cuanto a tiempos y velocidades, son muy interesantes las melodías y las bases musicales.

“Echidna’s Arf (Of You)” no solo es de los temas instrumentales para banda mas complejos de Zappa, sino que es también de los temas mas cambiantes en cuanto a melodías. En total tiene 11 partes diferentes, lo cual es prácticamente una demencia teniendo en cuenta que el tema dura solamente 3:53. Aquí hay cambios de ritmos, tiempos, partes con pasajes dementes, y mucho más. Lo increíble del tema es como, a pesar de que cada parte es bastante distinta a la anterior y la siguiente, la idea del mismo se mantiene. Más lo es el hecho de que no se podría encasillar en ningún estilo musical. Es imposible, de verdad. Creo yo que es de los mejores temas de Zappa y de los mejores para describir el gran y original compositor que era.

“Don’t You Ever Wash That Thing?” es una canción instrumental casi que totalmente improvisada. Empieza con una melodía cortante, seguida de otra muy loca que hace recordar a la de un dibujito. Estas 2 melodías se repiten de tanto en tanto a lo largo del tema. Entre medio tenemos un extenso solo de trombón, otro de teclado y otro de batería.
Casi que por el final, Zappa hace un solo increíble con una base rockera. Ya por el final aparece un pasaje algo Avant-Garde.

“Cheepins” es una parodia a las películas de terror de bajo costo. En este tema la voz canta y siempre le responde una melodía hecha por los instrumentos. Aquí es interesante la voz, que canta con una gran potencia. De repente, en la mitad, todo el tema cambia a una melodía escalofriante y terrorífica, seguida por una parte muy funky. Luego vuelve al verso principal, pero esta vez se unen más voces.

“Son of Orange County” es una versión diferente de un tema de los ’60 por la banda original, la cual se llama “The Orange County Lumbre Truck”. Esta versión es mucho mas lenta y desolante.

“More Trouble Every Day” es también una versión diferente de un tema viejo. Este es del 1er disco de Zappa. A diferencia de la versión anterior. Esta es mucho más potente y agresiva, con una cantidad de vientos y voces haciendo la melodía. Es un tema sucio y desafiante. También incluye el mejor solo de Zappa del disco.

Finalmente tenemos el mejor ejemplo de lo que es un concierto de Zappa: “Be-Bop Tango”. Empieza como un supuesto tango (ya que los tiempos son los mismos a los de un Tango, pero las melodías son muy dementes, al estilo del Free Jazz). En todo este pasaje instrumental hay varios solos por los músicos que llegan a ser los mejores del disco. Pero el tema se pone bueno cuando llega una interacción de la banda con el publico, en donde Zappa llama a algunas personas al escenario y estas tienen que moverse al ritmo de lo que George Duke canta y toca en los teclados. Finalmente, la banda termina el concierto despidiendo el tema con una parte bluesera a-la-B.B. King.

Esto no es solo una demostración del genio que era Zappa, creando varios estilos musicales y combinándolos al mismo tiempo con el objetivo de conseguir un sonido único, sino que es también una demostración de lo que una banda puede llegar a hacer en vivo.

Aquí se rompe el mito de que en vivo las cosas pueden estar peor que en el estudio en cuanto a arreglos y calidad de ejecución de los instrumentos. Los músicos de este concierto tocan e improvisan los temas con tanta excelencia que parece que fuera grabado en un estudio.

Todo esto es porque no era una banda cualquiera, era una mega banda. Todos músicos increíbles con una enorme práctica, ensayo y dedicación.

Además lo que se escucha acá no son canción típicas, son obras con arreglos desafiantes y variados. Una forma de mostrar como Zappa no era ni un rockero, ni un jazzero, ni nada de eso, sino que todo eso y más que nada un compositor serio y disciplinado.

A lo que llegó este hombre es algo a lo que nadie ha llegado y es muy difícil que otros lleguen. Porque no solo pudo componer tantas cosas en tantas variedades de estilos, sino que también tuvo éxito. Es la mezcla perfecta: música seria con éxito. De esta manera pudo hacer que gente con un oído no tan exquisito pudiera enriquecerse con música más seria y compleja.

Ya quisieran todos los músicos ser un Zappa.

Saludos!!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa (Y más que nunca)

The Moody Blues - "Every Good Boy Deserves Favour"

Hoy nos vamos al pasado (de nuevo).

Esta vez me puse a pensar que estilo musical no había traído aun. Y ahí se me ocurrió en traer uno de mis preferidos: Rock Progresivo.

Sin embargo, este no es el típico Rock Progresivo el cual uno se imaginaria: canciones de 20 mins con varios pasajes, muchos sintetizadores y varios solos arrazantes. Este es un Rock con canciones de duración normal, pero con arreglos increíbles. Y solo una banda fue capaz de lograrlo en forma tan exquisita y variada: The Moody Blues.

Esta banda inglesa, en su formato clásico, consistía de Justin Hayward (guitarra), John Lodge (bajo), Michael Pinder (teclados), Ray Thomas (flauta) y Graeme Edge (bateria). Todos componían temas para la banda, y cada uno cantaba su composición (por lo general).

La banda arranco en 1964. En ese entonces, los únicos integrantes que formarían el formato clásico eran Pinder, Thomas y Edge, a los cuales acompañaban Denny Laine en guitarra (quien seria luego guitarrista de la banda Wings de Paul McCartney luego de The Beatles) y Clint Warwick en bajo.

En sus comienzos, la banda tocaba el típico Rythm & Blues de la época. Pero cuando llegaron Lodge y Hayward, hubo un giro de 180º. La idea de los 2 nuevos integrantes era hacer Rock pero con grandes arreglos.

Y la maestría de la banda se mostraría con su segundo álbum “Days of Future Passed”. En este álbum, el cual es el 1er álbum conceptual de la historia, la banda, junto a la London Festival Orchestra, compusieron una obra cuya temática era la vida del hombre a través del día. Esta estaba dividida en partes, siendo ellas la mañana, mediodía, tarde y noche.

El álbum tuvo un gran éxito y llevo a la banda a la gloria. Y con esto empezaron a sacar más álbumes, todos ellos con un concepto propio. Serian 7 los álbumes que sacarían antes de su separación en 1974 (aunque se reunirían de nuevo en 1977), y son estos los que forman lo que se conoce como su discografía clásica.

La banda, aunque es considerada como Rock Progresivo, logra mezclar varios estilos, como Rock Clásico, Folk, Música Medieval, Música Clásica, entre otras. Pero lo increíble es que en un mismo tema pueden estar todas estas cosas juntas, creando un sonido único.

El disco que traigo hoy es “Every Good Boy Deserves Favour”, el 6to de estos 7 álbumes. Este salio a fines de Julio de 1971, y es tal vez, de los 7, el mas olvidado.

Sin embargo, es, en mi opinión, en el que logran el punto máximo de expresión. Aunque no cuentan con ninguna orquesta (en el disco, todo lo que suena a orquesta esta logrado con un mellotron, el cual era un teclado que podía simular el sonido de instrumentos de cuerda), los arreglos son increíbles, tanto instrumentales como corales, siendo los últimos los mejores que han hecho en su carrera. Además, es el disco en que han logrado la mayor variedad de estilos en los temas, teniendo cada uno un sonido muy propio y diferente al de los demás temas.

El disco tiene la magia de sonar como algo enorme. Cada canción parece algo increíble y poderoso. Cada instrumento suena como una fuerza increíble, y entre todos crean algo gigante y poderoso.

El disco cuenta con 9 temas:

1. “Procession”
2. “The Story in Your Eyes”
3. “Our Guessing Game”
4. “Emily’s Song”
5. “After You Came”
6. “One More Time To Live”
7. “Nice To Be Here”
8. “You Can Never Go Home”
9. “My Song”

El 1er tema, “Procession”, es el único tema escrito por todos los miembros de la banda juntos. En este se intenta mostrar la evolución de la música. Empieza con un teclado muy bizarro, creando unos sonidos muy espaciales, tal vez intentado aparentar a los sonidos de la naturaleza. De repente, los integrantes de la banda empiezan a gritar 3 palabras sobre un fondo de viento: “Desolation”, “Creation” y “Communication”. Luego le sigue unos tambores mientras que la banda hace un canto de tribu. Luego una música oriental, seguido de algo celta; luego algo medieval; luego algo barroco; luego algo clásico. Finalmente llega al Rock, dando a los 1eros acordes del tema que abre el ritmo del álbum.

“The Story in Your Eyes”, escrita y cantada por Justin Hayward (recuerden que siempre los temas son cantados por el escritor de los mismos), abre el álbum potentemente. Es un tema algo desesperante, como un estilo de escape. En esta canción ya se pueden empezar a notar los excelentes arreglos. Tenemos por un lado los cantos de los demas integrantes que hacen coros mientras Hayward hace el estribillo de la canción. Por otro lado tenemos un piano que pasa de lo Clásico al Rock a lo largo del tema.

“Our Guessing Game” es de los mejores temas de la banda. Escrita por Thomas, aquí llegan a crear una música muy feliz que hace explotar el alma. Empieza con un piano y la voz de Thomas, ambos haciendo una melodía que parece de un palacio antiguo. Luego se van uniendo las voces de los demas. Y es en el estribillo donde llega a un clima increíble. Junto a percusiones potentes, cada integrante de la banda canta una melodía diferente, creando un coro increíble. En el final, este estribillo es repetido una y otra vez, pero de forma más poderosa aun. Es un tema que pone con alegria y felicidad por la vida a cualquiera que lo oiga. Y todo esto es gracias a la increíble interpretación de voces por la banda.

“Emily’s Song” es el tema tranquilo del álbum. Escrita por Lodge, es cantada a 2 voces, mientras que unos teclados agudos y melosos y unos cellos los acompañan. Es muy tierno. Y aunque la progresión de acordes, de haber sido hecha en una guitarra, sonaría como un tema totalmente ordinario, son los arreglos para piano y cellos que lo hacen tan magnifico.

Con “Alter You Came” la banda se pone rockera. La canción, escrita por Edge, arranca en un volumen bajo. Pero de a poco va subiendo e instrumentos se van uniendo hasta llegar al estribillo, donde todo se vuelve monumental.

“One More Time To Live” es de las mas cambiantes y aventureras del disco. Escrita por Lodge, empieza con unas flautas y unos teclados tranquilos, haciendo una melodía que hacer recordar al sentimiento de cuando uno suspira por conseguir algo. Cuando arranca la voz, la letra describe el sentimiento perfectamente: “Miro por mi ventana el mundo pasar”. Cuando llega el estribillo, otras voces se unen y un teclado produce un sonido que de a poco va aumentando hasta dejar el tema en un estado fuerte. Finalmente llega un cambio total. Los músicos vuelven a cantar las palabras del 1er tema del disco mientras que los instrumentos tocan melodías tristes y de perdicion.

“Nice To Be Here” hace recordar a un grupo de boy-scouts caminando por los bosques en busca de aventuras. Es un tema como mucha alegria e infantilismo.

El penúltimo tema, “You Can Never Go Home”, es uno de los temas que mas crecen en la música. Empieza con un bajo tocado a un volumen casi que inescuchable y la voz de Hayward, quien compuso el tema, cantando con una voz casi que susurrada. Llegada la 2da parte del tema, su voz va creciendo hasta llegar a notas agudas cantadas con una fuerza y pasión inmensa, mientras que los teclados simulan un sonido de orquesta. Llegado el estribillo, el tema se pone rockero. Y nuevamente se puede escuchar un coro increíble y lleno de vida. Aquí la potencia llega casi que al mismo punto del 3er tema del disco.

Finalmente llegamos a la canción más deslumbrante, aventurera, desafiante y compleja del disco, y tal vez de todo el material que ha hecho la banda en su historia. “My Song”, escrita por Pinder, es, en pocas palabras, “un viaje”. Aquí pasamos por varios estilos musicales. Pero es mas increíble como es todo homogéneo y fantástico, es como una historia de ciencia ficción. Empieza con los teclados haciendo sonidos de orquesta. Poquito después Pinder empieza a cantar y a tocar en el piano una melodía algo triste con una onda algo clásica. En el estribillo, los demas instrumentos se unen, tocando una melodía con alegria y fuerza, que rápidamente se entristece de nuevo. En un momento la voz se calla, mientras que una guitarra hace un solo muy simple bajo la misma base. Luego un piano hace una subida que parecería la que hacen las arpas y de repente un teclado con sonido a orquesta hace un fuerte acorde. Extrañamente todo se detiene y queda susurrando un sonido a viento, mientras que una voz respira y un vibráfono hace una melodía muy aguda y de poco volumen. Luego de a poco, el vibráfono y una flauta hacen una melodía que va creciendo de a poco. En momentos se puede escuchar una guitarra. Luego unas cuerdas hechas por el teclado y unos coros celestiales se van uniendo. Todo da a parecer a que algo poderoso se viene. De la nada, la guitarra distorsionada, una batería fuerte y los demas instrumentos arrancan una ritmo fuerte que hace imaginarse a que una bestia gigante esta a punto de ser liberada. Y finalmente llega. Todo explota con una riff muy poderoso y espeluznante, mientras que unas voces hacen un canto de desesperación y pérdida. Se puede sentir como esta bestia va destruyendo todo a su paso y todo a su alrededor cae en llamas. Finalmente todo vuelve a tranquilizarse y vuelve a repetirse el comienzo. Sin duda una composición extremadamente compleja y llena de imaginación.

Este disco es de esos que uno no entiende como no ha llegado a ser tan reconocido como debería serlo. Casi nunca se escuchan discos con canciones en formatos y duraciones típicas pero con tantos arreglos increíbles que terminan siendo nuevos estilos musicales.

Es una banda que, aunque ninguno se destaca por una increíble habilidad en su instrumento, logra canciones con arreglos increíbles que finalmente llegan a ser obras de arte.

Y son tan precisos y complejos estos arreglos que me atrevo a decir a que superan en gran parte los de bandas como The Beatles y Led Zeppelín (lo cual me cuesta decir ya que Led Zeppelín es para mi la mejor banda de la historia).

Este disco tiene algo que casi ningún otro logra. Cuando escuchamos una canción, se puede llegar a sentir que los instrumentos llegan a una potencia increíble. Pero en este disco, todos los temas llegan a algo más. No son los instrumentos los que llegan a esa potencia, sino que toda la música en si. Es música que no tiene una palabra para describirla. Lo mas cercan es a algo que se puede sentir que es gigante, lleno de espacio e iluminación, como una explosión.

Este disco es un verdadero hito, y es, en mi caso, uno de los mejores discos que he escuchado en mi vida. Y me atrevo a decir que es el mejor disco del cual he escrito hasta ahora.

Espero que sientan esa grandeza al escucharlo.

Dejo para escuchar los temas:

"Procession": http://www.youtube.com/watch?v=2K0fbcABS_Y

"The Story In Your Eyes": http://www.youtube.com/watch?v=jAKrbE4Ui1c

"Our Guessing Game": http://www.youtube.com/watch?v=T2Z6H5hnXwU

"Emily's Song": http://www.youtube.com/watch?v=TAWWR7g7vAE&feature=related

"After You Came": http://www.youtube.com/watch?v=Cxh9dm7V3jE&feature=related

"One More Time To Live": http://www.youtube.com/watch?v=9DvIBiaDwDM&feature=related

"Nice To Be Here": http://www.youtube.com/watch?v=xnPUhyZmm4I&feature=related

"You Can Never Go Home": http://www.youtube.com/watch?v=JKX6j5T5fO0&feature=related

"My Song": http://www.youtube.com/watch?v=8EwjQcqCAKU&feature=related

Sigan leyendo!!!

"Music is the Best" - Frank Zappa