José Afonso -- 25 Anos Depois...

Passam hoje 25 anos redondos sobre a morte de José Afonso e algumas celebrações estão agendadas para hoje e para os próximos dias. Um "cheirinho" tirado do jornal Público:

«José Afonso morreu a 23 de Fevereiro de 1987, aos 57 anos, em Setúbal, onde morava. Sofria de esclerose lateral amiotrófica, doença neurodegenerativa progressiva e fatal que o afastou dos palcos a partir de 1983. Os derradeiros concertos foram os dos coliseus de Lisboa e Porto. Galinhas do Mato, de 1985, é o seu último álbum, que teve de ser completado pelos amigos José Mário Branco, Sérgio Godinho, Helena Vieira, Fausto e Luís Represas. Em 1986, já muito debilitado, ainda apoiou a candidatura presidencial de Maria de Lourdes Pintasilgo.

A maior parte das iniciativas publicitadas pela AJA acontecem no dia 23, quinta-feira. A própria associação preparou um espectáculo de celebração da obra de José Afonso para Lisboa. Terá lugar na Academia de Santo Amaro, em Alcântara, às 21h. A apresentação estará a cargo do encenador Hélder Costa (que partilha a direcção de A Barraca com Maria do Céu Guerra) e contará com nomes de palco como Francisco Fanhais, Zeca Medeiros, Francisco Naia, Pedro Branco ou Couple Coffee.

Também em Lisboa, mas mais cedo (18h), no espaço da Cidade Universitária da Biblioteca-Museu República e Resistência, o jornalista e escritor Viriato Teles vai promover uma sessão de evocação. Recordar José Afonso é a palavra de ordem e é o mesmo que se fará em Setúbal, no La Bohème, a partir das 22h, com António Galrinho e Rui Lino a lerem 25 poemas de “Zeca”.

Ainda na quinta-feira, em Braga, o Theatro Circo abre as portas a um tributo conjunto: de José Afonso e de Adriano Correia de Oliveira, cujo desaparecimento aconteceu há 30 anos (a 16 de Outubro). Com apresentação e declamação de Camilo Silva e Maria Torcato, o Canto D’Aqui convidou vários artistas para subir ao palco nessa noite (21h30) e na próxima, para o mesmo espectáculo.

No dia 24, sexta-feira, o itinerário passa pelo Seixal e pelo Barreiro, à hora de jantar. No Seixal, Luís Pires, Pedro Branco, Vítor Sarmento actuam no restaurante O Bispo. No Barreiro, a associação “Grupo dos Amigos do Barreiro Velho” vai ao restaurante O Pial mostrar como as canções de José Afonso “mantêm toda a actualidade”, 25 (ou mais) anos depois. “Zeca Afonso sempre esteve e continua a estar com os que lutam por um mundo melhor”, lê-se no convite.

Por fim, Barcelona. A capital catalã vai acolher dois concertos no L’Auditori, a 25 de Fevereiro e a 3 de Março. O primeiro será da responsabilidade dos Drumming, grupo português de percussão com sede no Porto. O segundo é do projecto “20 canções para Zeca Afonso”, que propõe “um novo olhar sobre a música” do autor de Grândola, Vila Morena.»

Mais pormenores e outras homenagens no site da Associação José Afonso, aqui.

Madredeus: Nova Formação e... O Regresso à Essência

Sejam bem-vindos de novo (e boa sorte para a Beatriz, que eu conheço desde bebé)! O comunicado oficial:

«Madredeus apresenta "Essência"
Celebrando o 25º aniversário


No ano em que o Madredeus celebra o 25º aniversário, estão previstas uma série de iniciativas:

O regresso do grupo com uma nova formação:
Beatriz Nunes - Voz
Pedro Ayres Magalhães - Guitarra Clássica
Carlos Maria Trindade - Sintetizadores
Jorge Varrecoso - Violino
António Figueiredo - Violino
Luis Clode - Violoncelo


Uma tour mundial - Primeiras confirmações:

14 de Abril | Centro Cultural e de Congressos | Caldas da Rainha | Portugal - Ante-estreia
16 Abril | Barbican Centre| Londres | Inglaterra
26 Abril | Is Sanat | Istambul |Turquia
27 Maio | Casa da Musica | Porto | Portugal - *bilhetes já à venda*
31 Maio | CCB |Lisboa | Portugal - *bilhetes já à venda*
12 Junho | Festival Rio Loco |Toulouse | França
13 Junho | Festival Rio Loco |Toulouse |França
09 Outubro | Konzerthaus | Viena | Austria
11 Outubro | Philharmonie | Luxemburgo | Luxemburgo
14 Outubro | Glocke | Bremen | Alemanha
20 Outubro | Philharmonie | Colónia | Alemanha
27 Outubro | Konzerthaus | Dortmund | Alemanha
30 Outubro| AVO Session | Basel | Suiça
01 Novembro | Prinzregententheater | Munique | Alemanha
Um novo disco:
"Essência" - a ser editado em Portugal a 2 de Abril pela Sony Music


Diz a metafísica que a essência de uma coisa se constitui das suas propriedades imutáveis, daquilo que permanece e que nada, nem o tempo, altera. Terá certamente sido com esta noção por perto que Pedro Ayes Magalhães escolheu a palavra Essência para título do novo álbum do Madredeus, uma colecção de treze canções seleccionadas de um cancioneiro de quase duas centenas que o grupo construiu ao longo de um quarto de século recheado de sucessos.
O sucesso do Madredeus, no entanto, não se pode medir apenas em números: nem de discos vendidos, nem de países arrebatados em incontáveis digressões, nem de ovações de pé ou até de prémios que procuraram distinguir o carácter profundamente único da música que o grupo foi oferecendo ao mundo nestes 25 anos. O sucesso pode também ser mensurável com outra régua - a que mede o alcance da música, a permanência na memória, a vocação universalista.
Jorge Varrecoso, violinista da Orquestra do São Carlos que agora integra também a nova formação do Madredeus, terá dado o primeiro passo na direcção desta Essência quando propôs a Pedro Ayres que se vestisse o repertório clássico deste ensemble com novos arranjos. Primeiramente para um novo espectáculo, que depois desembocou naturalmente neste novo registo.
A guitarra clássica de Pedro Ayres de Magalhães e os sintetizadores de Carlos Maria Trindade juntam-se então às cordas de Varrecoso e ainda António Figueiredo e Luís Clode. A voz de Beatriz Nunes foi a derradeira peça nesta nova equação de câmara proposta para a música do Madredeus. Trata-se, explica Pedro Ayres, de "recriar através de um novo ensemble: a melodia fica muito mais apoiada, mas preservámos muito, a melodia, o ritmo, as passagens harmónicas". Ou seja, a essência.
As treze músicas eleitas percorrem os registos Os Dias da Madredeus (1987), Existir (1990), Espírito da Paz (1994), O Paraíso (1997), Movimento (2001) e Metafonia (2008) detendo-se sobretudo na primeira década dos Madredeus. A selecção, que é afinal uma amostra da nova vida dos Madredeus em palco, recaiu sobre clássicos absolutos e tesouros um pouco mais secretos como "Ao Longe o Mar", "O Pomar das Laranjeiras", "Palpitação", "A Sombra", "A Confissão", "O Navio", "Coisas Pequenas" ou, entre outros temas, "Adeus e Nem Voltei".
São canções que representam o melhor do Madredeus, a essência profunda da sua magia singular que feita música conquistou o mundo. "As palavras", garante ainda Pedro Ayres, "não perdem nada e a Beatriz respeita a mise en scéne original das frases". Porque há de facto marcas imutáveis nesta música. O fundador e líder do Madredeus tem o cuidado de sublinhar o palco como "habitat natural" destas composições que foram sendo aperfeiçoadas ao vivo, através da sua execução em frente de culturas diferenciadas, através das múltiplas formas de apreensão, de fruição, de sentir que o Madredeus foi encontrando ao longo do seu percurso pelos cinco continentes.
Ou seja, Essência resulta da evolução histórica do Madredeus, de 25 anos de uma vida intensa, sobretudo em cima dos palcos. E Pedro Ayres fala da modernidade do reportório, de como todas as músicas se foram "tornando peças da nossa nave". Peças diferentes que cumprem diferentes papeis nesse drama essencial que a música do Madredeus contem, entre o apelo universal, o âmago português, as melodias e o passo que cada tema exige. De todos esses cruzamentos, emerge uma nova ideia para o Madredeus, que aqui revisita com uma nova alma um repertório que todos vão poder reencontrar sob outra luz e com um novo alento.


www.madredeus.com
www.facebook.com/MadredeusOfficial»

Sétima Legião Comemora 30 Anos com Digressão Nacional

E outra bela notícia!!! As datas já confirmadas são 29 de Abril na Casa da Música, Porto, e 4 de Maio no Coliseu de Lisboa O comunicado:

«A Sétima Legião regressa aos palcos, 30 anos depois de ter dado os primeiros passos que levaram o grupo a criar alguns dos mais memoráveis hits dos anos 80. O grupo promete agora, em 2012, revisitar todos os clássicos, dando especial atenção aos primeiros registos da sua celebrada discografia.
Foi em 1982 que a Sétima Legião surgiu no então agitadíssimo panorama musical português, apresentando uma visão singular da música sintonizada com as experiências mais avançadas da pop alternativa da época, mas sem esquecer a identidade portuguesa. 30 anos depois, a Sétima Legião de Pedro Oliveira (voz e guitarra), Rodrigo Leão (baixo e teclas), Nuno Cruz (bateria, percussão), Gabriel Gomes (acordeão), Paulo Marinho (gaita de foles, flautas), Ricardo Camacho (teclas), Paulo Abelho
(percussão, samplers) e Francisco Menezes (letras, coros) prepara grandes apresentações no Porto e Lisboa inseridas numa digressão de cerca de 10 datas com que pretendem assinalar o percurso efetuado. Trata-se do regresso de um grupo de amigos para quem a música foi sempre causa para celebração e resultado dessa mesma amizade.
Os Sétima Legião referem que o plano já existia há algum tempo e que sempre que a banda se reúne para tocar «para 100 ou 200 amigos naqueles concertos que fazemos para aí de dois em dois anos no Frágil» a ideia volta a ser colocada em cima da mesa. No momento em que as condições estão finalmente reunidas, celebram-se também três décadas passadas desde os primeiros passos do grupo, com Rodrigo Leão, Pedro Oliveira e Nuno Cruz.
A Sétima Legião deixou uma marca vincada na produção musical nacional dos anos 80 e 90. Esta digressão promete revisitar toda a discografia do grupo, mas o grupo revela que haverá um especial cuidado com os três primeiros álbuns do grupo, os clássicos A Um Deus Desconhecido (1984), Mar D’Outubro (1987) e ainda De Um Tempo Ausente (1989), os trabalhos que permitiram à Sétima Legião conseguir um lugar de destaque na cena musical nacional, graças ao sucesso de temas como «Sete Mares» ou «Por Quem Não Esqueci». O single inaugural da discografia do grupo, «Glória», com letra de
Miguel Esteves Cardoso, acabou ele próprio por ganhar um estatuto algo mítico com o passar do tempo depois de uma importante mas discreta edição com selo da Fundação Atlântica em 1983.
Os anos 90 foram igualmente importantes para a Sétima Legião, que lançou os álbuns O Fogo (1992), Auto de Fé (1994) e Sexto Sentido (1999). Os dois volumes d’A História da Sétima Legião e duas compilações de sucessos permitiram à banda manter-se firme na memória coletiva durante a década passada. A rádio, no entanto, nunca permitiu que a música do grupo se afastasse demasiado da memória, continuando a tocar os maiores clássicos do grupo até aos dias de hoje.
A Sétima Legião revela que paralelamente à digressão de 2012 deverá ter lugar uma reedição da obra completa do grupo, voltando assim a música que conceberam a marcar encontro com o presente. Uma música onde os ecos de Manchester e os sons próprios da portugalidade se combinavam de uma forma muito própria, contribuindo assim para a profunda originalidade que a música da Sétima Legião sempre foi capaz de oferecer, facto que em última análise justifica toda esta longevidade e culto fervoroso.
De assinalar que da Sétima Legião saíram músicos que se envolveram em projetos ímpares da música portuguesa como os Madredeus, Gaiteiros de Lisboa ou Cindy Kat, além claro, da notável carreira a solo de Rodrigo Leão..
30 anos depois, a Sétima Legião volta a encontrar-se em cima de um palco, com a sua música e com o seu público. Uma ocasião imperdível.»

A Naifa - Oiça Os Novos Sons!

Já se podem ouvir alguns segundos das novas canções d'A Naifa (na foto, de Nuno Carvalho) e ficar a saber por onde passa a digressão do novo álbum. Mas, antes disso, leia o comunicado:

«Tour de Apresentação do Disco d’A NAIFA percorre Teatros do País
ouça em 1ª mao excertos de “não se deitam comigo corações obedientes”

Está já confirmado que passará por Lisboa, Porto, Braga, Coimbra, Portimão, Ílhavo, Caldas da Rainha, Arcos de Valdevez, Loulé, Almada e Açores, a Tour que levará a música d’A NAIFA, aos palcos de vários Teatros portugueses, entre Março e Maio de 2012.

Depois da Tour realizada em 2010, a banda de Luís Varatojo (Guitarra Portuguesa) e Maria Antónia Mendes (Voz), que conta agora com Sandra Baptista (Baixo) e Samuel Palitos (Bateria), volta a pisar os palcos de vários Teatros portugueses para apresentar as músicas do seu novo álbum de originais “não se deitam comigo corações obedientes”.

O novo disco tem 11 canções, compostas a partir de textos de Adília Lopes, Ana Paula Inácio, Margarida Vale de Gato, Maria do Rosário Pedreira e Renata Correia Botelho. Ilustram o disco imagens seleccionadas das diversas propostas chegadas, na sequência do desafio lançado pela Banda a artistas plásticos, gráficos, ilustradores, fotógrafos, etc.

O disco será inicialmente disponibilizado em edição on-line, durante o mês de Fevereiro e só terá edição física no inicio do mês de Março, com venda exclusiva nos locais dos concertos. A edição física de “não se deitam comigo corações obedientes”, só no final do mês de Março estará disponível nas lojas.

TOUR “não se deitam comigo corações obedientes”

2 Março – Arcos de Valdevez – Casa das Artes
3 Março – Braga – Theatro Circo
7 Março – Lisboa – Teatro S. Luiz
9 Março – Coimbra – Oficina Municipal de Teatro
17 Março – Portimão – Teatro Municipal
31 Março – Caldas da Rainha – Centro Cultural e de Congressos

7 Abril – Ílhavo – Centro Cultural
12 Abril – Porto – Casa da Música
14 Abril – Loulé – Cineteatro Louletano
20 Abril – Almada – Teatro Municipal

5 Maio – Faial – Cineteatro»


Para ouvir os primeiros cheirinhos da nov'A Naifa, clique aqui.

Um Bombo de Luto É Um Bombo em Luta

Todos os que ficaram consternados com a notícia de que a sede do Tocá Rufar -- um dos mais extraordinários projectos de divulgação e ensino da arte das percussões (portuguesas mas não só), dirigido por Rui Júnior -- tinha ardido, perdendo-se assim milhares de instrumentos musicais, livros e documentação, podem agora ajudar e divulgar esta nota:

"A 1 de Março de 2011, pelas 15h, ardeu o TamborQfala, sede do projecto Tocá Rufar. Em poucos minutos, os registos e espólio de 14 anos de história ficaram feitos em cinzas. A perda é incalculável e deixa a vossa maior orquestra de percussão tradicional portuguesa sem os recursos necessários para dar continuidade ao trabalho educativo, artístico e cultural que a sustentam.

Os que sentirem no coração esta perda, que é de Portugal inteiro, enviem os sinceros donativos para a conta da ADAT - Associação dos Amigos do Tocá Rufar:

NIB 0036 0050 99100254775 90

IBAN PT50 0036 0050 9910 0254 7759 0

Ou pela linha de apoio 760 50 10 90 (0,60 € + IVA por chamada)

Não desistimos, vamos seguir em frente com as nossas actividades, ensaios, espectáculos, da forma que conseguirmos.

O melhor modo de nos ajudarem é também divulgar o sucedido pelo maior número de pessoas possível e gritar bem alto que vamos continuar e lutar para renascer e fazermos sempre cada vez melhor."

Toques do Caramulo - Agora os... "Retoques"

O segundo álbum dos Toques do Caramulo é editado dentro de poucos dias. E aqui segue o press-release de apresentação do disco, cuja parte "Colha, Recolha. Toque, Retoque. Cante, Recante" tive o prazer de escrever. Agora é ouvi-los, em disco ou ao vivo!


Toques do Caramulo
Novo disco "RETOQUES" no início de Abril

Arejamos modinhas com o mesmo espírito criativo de quem, um dia, as inventou. O mesmo desprendimento, a mesma alegria. Só o tempo é outro: no calendário e no compasso. Pela encosta serrana de Águeda acima, a tradição está livre e existe hoje. Por isso, este disco dos Toques não é mais que Retoques.

Single de promoção "É um Ar que Lhe Dá"
http://www.dorfeu.pt/toquesdocaramulo


Colha, Recolha. Toque, Retoque. Cante, Recante.

Quando se fala de canções tradicionais costuma falar-se, muito justamente, de raízes. Mas também se pode dizer que cada canção antiga é um fruto que se pode colher directamente da árvore. Uma laranja pode comer-se assim, é só descascar e pronto. As amoras também – nem casca que se veja têm – mas, se forem a ferver e se juntar açúcar, tornam-se compota. O limão pode dar em chá e a menta também (mas esta também pode dar em pastilha elástica ou em sabor de cigarro). A maçã dá sidra, o medronho a aguardente. E as uvas, essas, podem dar mil vinhos diferentes.

Agora, imagine-se uma videira que cresceu nas encostas da Serra do Caramulo. As suas uvas podem ser de casta Castelão ou Touriga, Alfrocheiro ou Bical, Baga ou Arinto, Fernão Pires ou Tinto Cão, mas sabe-se que, dali, das castas da Bairrada estes genes ficam ainda melhores – e dão novos e excitantes sabores – se misturados com genes estranhos ou estrangeiros: Cabernet Sauvignon ou Pinot-Noir, Chardonnay ou Merlot. Ficam, assim, vinhos tradicionais embora estrangeirados, lá da terra mas com um sabor novo e diferente, a fazer justiça às velhas vinhas mas com o viço próprio de inventivos e revolucionários enxertos.

A música dos Toques do Caramulo também é assim. Em “Retoques”, o seu primeiro álbum de estúdio – que sucede a “Toques do Caramulo... é ao Vivo!” (2007) –, o grupo de Águeda vai de novo buscar as antigas canções que vieram da Serra e por eles foram apre(e)ndidos há muito – no Cancioneiro, na Orquestra Típica, junto de pais e avós – mas com tudo o que também aprenderam de outras músicas a meter-se pela tradição dentro. Não por acaso, o álbum começa com uma homenagem a Américo Fernandes (que foi maestro da Orquestra Típica de Águeda) e termina com uma remistura da “Trigueirinha” onde surge, por entre as electrónicas, a voz de David Fernandes, numa ligação, digamos umbilical, às raízes desta música. Mas também lá estão os perfumes da música africana, do jazz, do flamenco e da folk galega, do klezmer e dos Balcãs, para além da sombra assumida e tutelar de grandes cantautores nacionais como Fausto ou José Afonso, a mostrar que muitas músicas, tal como as boas castas de uvas, podem misturar-se livremente e contribuir para uma música nova. E tal como Luís Fernandes – o responsável da maior parte dos arranjos – e os seus companheiros as imaginam e nos dão, assim, a saborear.

No novo álbum, gravado no estúdio que pertence à d'Orfeu – o gravad'Or –, os Toques do Caramulo tiveram algumas preciosas ajudas: o Coro Infantil da Emtrad' participa em “Olha Para a Água”; Sara Vidal, a magnífica cantora portuguesa do grupo galego Luar na Lubre, dá voz e pandeireta galega a “O Brio das Raparigas”, “Pedrinhas da Fonte” e “Trigueirinha”; João André Lourenço toca cajón em “O Brio das Raparigas”; Abílio Liberal (tuba) em “Laranjinha”; e o arquivo d'O Cancioneiro de Águeda forneceu os samples que se ouvem em “Já Vou Chegando à Serra”, “Pedrinhas da Fonte” e “Trigueirinha Remix”. E, finalmente mas não em último lugar, Rui Oliveira foi o incansável escanção que – com tempo, sabedoria e um amor enorme – reuniu todos os sabores deste vinho novo.

“Retoques” – com selo d'Eurídice, o braço editorial da d'Orfeu – chega às lojas no início de Abril.
António Pires

Digressão 2011

09 Abril ACERT, Tondela
10 Abril FNAC Viseu
14 Abril Contagiarte, Porto
15 Abril FNAC Santa Catarina, Porto
15 Abril FNAC GaiaShopping, Vila Nova de Gaia
16 Abril FNAC Braga
16 Abril FNAC Guimarães
17 Abril FNAC MarShopping, Matosinhos
22 Abril FNAC Coimbra
22 Abril FNAC Leiria
23 Abril FNAC Alfragide
23 Abril FNAC Cascais
24 Abril FNAC Vasco da Gama, Lisboa
24 Abril FNAC Colombo, Lisboa
25 Abril Fórum Romeu Correia - Auditório Fernando Lopes Graça, Almada
09 Julho Festival Maia Folk, Santa Maria - Açores
23 Julho AgitÁgueda, Águeda


Os Toques do Caramulo são:

Luís Fernandes voz, braguesa, acordeão, piano
Aníbal Almeida rabeca
Lara Figueiredo fauta, voz
Francisco Almeida guitarra acústica
Carlos Peninha guitarra eléctrica
Miguel Cardoso contrabaixo
Ricardo Coutinho bateria trad

A Música Tradicional É... Para Dançar!

Mais ou menos no seguimento do post anterior (a passagem d'ano bailante em Coimbra), aqui ficam as críticas a três álbuns de estreia de grupos portugueses que põem a música tradicional (a portuguesa mas não só...) a servir de tapete para as danças: Monte Lunai, Omiri (na foto, de Mário Pires/Retorta)e No Mazurka Band. Todas elas foram publicadas originalmente na "Time Out".



Monte Lunai
"In Temporal"
Ed. de Autor

A Pé de Xumbo – com o Andanças mas não só -, o Contagiarte, a Tradballs, o Rodobalho, etc, etc... são os culpados disto tudo. Leia-se: culpados no melhor sentido, o de iniciadores, responsáveis, padrinhos e afins de um movimento cada vez maior, em Portugal, de festivais, grupos – e, claro, os dançarinos – que recuperam as danças tradicionais europeias. E, no lote de melhores grupos deste(s) género(s) estão desde há muitos anos os Monte Lunai. E, mesmo sem se atreverem a inovar por aí além nos arranjos dos temas tradicionais, o grupo lisboeta serve neste primeiro álbum vários ritmos de uma forma fresca e sempre alegre: da chapelloise à mazurca, da muiñeira ao círculo, do nosso “Passo Dobrado” a ritmos do Leste, faz-se aqui uma bela viagem pela Europa, a dançar. ***


Omiri
"Dentro da Matriz"
Ferradura/Compact Records

O fascínio de muitos músicos europeus que vão beber a sua inspiração primeira à tradição, ao mesmo tempo que vão em busca de outros géneros, está cada vez mais espalhado pelas “músicas do mundo”. E, no caso específico de músicos tradicionais igualmente apaixonados pelo... heavy-metal, também não estamos nada mal servidos: dos Fintroll aos Corvus Corax ou à Barbarian Pipe Band. Os Omiri – projecto a solo de Vasco Ribeiro Casais, dos Dazkarieh; ao vivo acompanhado por Joana Negrão e o VJ Tiago Pereira – vão, tal como os próprios Dazkarieh muitas vezes, também por esse caminho: a ritmos, melodias e instrumentos tradicionais juntam-se, quase sempre, uma bela chinfrineira eléctrica e em distorção. Bombom final: o único tema cantado tem a presença da eremita Né Ladeiras. ****


No Mazurka Band
"A-do-Baile, Campaniça e Tamboril"
PédeXumbo

Apesar de ter elementos comuns com Uxu Kalhus, a No Mazurka Band (no layout de quase todo o disco apenas identificada como NMB) marca diferenças fundamentais em relação ao grupo-irmão: na NMB não há cá bateria, guitarras e baixos eléctricos (são só instrumentos tradicionais, portugueses mas não só) e não há cá danças europeias no geral (só ritmos tradicionais portugueses, do Alentejo a Trás-os-Montes, mesmo que alguns deles inspirados em danças... do resto da Europa). Mas, apesar disso, não se pense que este seu disco de estreia é passadista, “nacionalista” ou algo folclórico: os arranjos são sempre inventivos e há até lugar para que uns blues se enfiem brilhantemente num malhão de Águeda ou um drum'n'bass acústico apareça num repasseado, entre muitas outras surpresas. ****

Ricardo Rocha - Um Prémio e... Um Tributo

A notícia já tem umas semanas, mas serve de mote possível ao que vem a seguir: Ricardo Rocha foi o vencedor do Prémio Carlos Paredes 2010, atribuído pela Câmara Municipal de Vila Franca de Xira, pelo seu último álbum, "Luminismo". Um prémio mais que apropriado e que me serve de justificação para recuperar aqui a crítica a esse disco e a entrevista que fiz com Ricardo Rocha a propósito deste álbum desviante, revolucionário e, por isso mesmo, absolutamente sedutor. Os textos originais foram publicados na revista "Time Out".


Ricardo Rocha
"Luminismo"
Mbari Música

Num ano (2009) de excelente produção discográfica portuguesa, o prémio de álbum mais surpreendente (e, de certa forma, também o mais marado) de todos vai, sem dúvida, para Ricardo Rocha. Mestre, embora relutante, da guitarra portuguesa, Ricardo Rocha editou o histórico "Voluptuária" em 2003, seguindo-se "Tributo à Guitarra Portuguesa" – em que visita os grandes guitarristas do fado de Lisboa. Agora, no duplo-álbum "Luminismo" faz os seus originais viajarem pelo fado, a folk livre à maneira de John Fahey/Norberto Lobo ou o serialismo e apresenta versões pessoais de temas de Carlos Paredes (oiça-se “Canto do Trabalho” em speed-metal!), Artur Paredes e Pedro Caldeira Cabral. O segundo CD, ainda mais surpreendente!, são temas dele compostos para... piano, interpretados por Ingeborg Baldaszt. *****


Entrevista
Eu Tenho Dois Amores...

Que em nada são iguais: um é a guitarra portuguesa mas é o piano que amo mais. Nesta conversa com António Pires, Ricardo Rocha assume a bigamia.

A letra da célebre canção de Marco Paulo, embora aparentemente desajustada neste contexto, pode aplicar-se na perfeição a Ricardo Rocha, um génio da guitarra portuguesa mas igualmente perdido de amores pelo piano. No seu novo álbum, "Luminismo", o CD1 inclui originais e versões de temas de Artur Paredes, Carlos Paredes e Pedro Caldeira Cabral, interpretadas por ele na guitarra portuguesa, enquanto o CD2 inclui peças para piano compostas por ele e tocadas por Ingeborg Baldaszti.

Há um pequeno pormenor neste novo álbum, "Luminismo", que não existe nos outros dois que gravaste, "Voluptuária" e "Tributo à Guitarra Portuguesa": ouve-se a tua respiração, como se ouvia a respiração do Carlos Paredes nos discos dele.

E também se ouve a minha voz (como acontecia com o pianista Glenn Gould).

Mas isso leva-me a uma questão de que falaste há alguns anos noutra entrevista: a dificuldade que é, para ti, tocar guitarra portuguesa.

Sim, continua a ser doloroso. E quanto mais dificuldade técnica tiver a peça, mais esforço físico está implícito.

No "Voluptuária" tinhas, para além de inúmeros originais, versões de Carlos Paredes e Pedro Caldeira Cabral. Neste repetes estes dois nomes mas também tens um tema de Artur Paredes (pai de Carlos Paredes).

Fiz uma adaptação – não gosto da palavra “arranjo” - de uma peça dele, “Passatempo”, que é muito bonita e que é fantástica para abordar a solo dentro de um esquema muito clássico, o que é interessante.

A referência a estes três nomes – os Paredes e Caldeira Cabral – leva-nos a outra questão inevitável: há pouquíssimos compositores para guitarra portuguesa a solo. São eles e poucos mais e, numa geração muito mais nova, existes tu. Achas que há preguiça ou falta de vontade dos outros guitarristas?

Não, não acho que seja preguiça ou falta de vontade. A guitarra está é tão associada a um género musical específico, o fado, que não são duas ou três pessoas que a conseguem resgatar ao seu papel de instrumento de acompanhamento (da voz). Eu sozinho não consigo. O Carlos Paredes não conseguiu, o Pedro não conseguiu, eu não irei conseguir...

Mas isso já aconteceu noutros géneros musicais: o bandoneón foi resgatado ao tango, a kora está agora a ser assumida como um instrumento solista...

Mas o bandoneón teve o Piazzolla, com uma projecção internacional fortíssima... Em Portugal, a guitarra portuguesa só há poucos anos entrou no meio académico, em alguns Conservatórios. Estas iniciativas são saudáveis. E talvez, por causa disso, daqui por dez, quinze anos, poderá vir a dar frutos e possamos vir a ter solistas e compositores para guitarra portuguesa.

Falando dos teus temas originais no novo disco, aquilo que sinto é que, embora havendo aqui e ali umas alusões ao fado, há ali muitas outras coisas: o serialismo, a música minimal-repetitiva, a influência da guitarra clássica aplicada à free-folk...

Não acho que aquilo que faço seja original. Acho é que se está a ouvir pela primeira vez uma guitarra portuguesa fora do contexto que é esperado. A surpresa para as pessoas é “estou a ouvir uma música que reconheço mas os sons são emitidos por um instrumento diferente daqueles a que estou habituado”. E de fado não tem nada. Só, talvez, por ser o instrumento que é. Uma coisa de que tenho a certeza é a de que, se não tocasse piano – e toco mal piano -, e se não conhecesse o seu reportório, não comporia para guitarra portuguesa como componho. A minha visão e abordagem racional da música, vinda do piano, é muitas vezes transposta para a guitarra. Adoro o piano.

Concordarias comigo se dissesse que a guitarra portuguesa é a tua mulher e o piano é a tua amante?

(risos) Essa é uma visão engraçada. Mas, sim, pode ser encarado dessa forma. E isto, com o máximo respeito para as mulheres.

Este álbum é duplo e, surpreendentemente, o segundo CD tem peças tuas compostas para piano. Foi uma maneira de mostrar que há vários Ricardos Rocha no Ricardo Rocha?

Não. E quase aconteceu por acaso. Fui convidado para tocar num programa, extraordinário, do António Victorino d'Almeida que passou há dois anos na televisão mas que ninguém viu – aquilo era transmitido às duas da manhã! E nesse programa conheci a Ingeborg, que é uma pianista absolutamente genial. Isso inspirou-me a compor algumas novas peças a pensar nela como intérprete, às quais juntei três que já tinha composto antes. Na editora, quando ouviram o piano, perguntaram-me se era eu a tocar. Eu? Quem me dera tocar assim!

Nobody's Bizness... ou, agora, Um Assunto de Todos Nós (a começar por mim)

Está quase: no dia 18 de Novembro, quinta-feira próxima, os Nobody's Bizness (aqui representados numa foto-montagem do camarada Mário Pires) mostram ao vivo no Maxime, em Lisboa, o seu segundo álbum, "It's Everybody's Bizness Now". Já a seguir segue o texto de apresentação do álbum, assinado por, hummmm... António Pires, fã confesso e incondicional da banda!

Nobody's Bizness
It's Everybody's Bizness Now

A História dos blues está feita de encruzilhadas. A lendária encruzilhada na quinta Dockery onde Robert Johnson terá vendido a alma ao diabo em troca de se tornar o melhor guitarrista de sempre. A escolha que foi apresentada pelo destino a T-Bone Walker, John Lee Hooker, B.B. King ou Muddy Waters: continuo a tocar guitarra acústica ou passo para a eléctrica e a minha música chega assim a mais pessoas (e, quem sabe, até mudo o futuro de toda a música popular)? A decisão de vida que Ali Farka Touré teve que tomar: serei para sempre taxista ou mecânico de automóveis ou tenho como missão vir a ser músico profissional e lançar as pontes definitivas entre os blues e a música da África Ocidental? Ou a encruzilhada que Eric Clapton encontrou quando percebeu que a sua vida não podia continuar dependente do álcool e das drogas duras: deixo esta merda ou serei para sempre conhecido como “o drogado que deixou o filho cair da janela e morrer”?

Ao fim de alguns anos a cantar e a tocar as canções dos bluesmen que mais amam e admiram, as questões que os Nobody's Bizness encontraram na sua encruzilhada pessoal não foram tão dramáticas nem tão românticas ou bizarras quanto estas, mas foram, mesmo assim, difíceis de resolver: continuaremos para sempre a fazer versões ou vamos em frente, pomos a cabeça no cepo e mostramos o que valemos também enquanto autores? E foi isso mesmo que fizeram. Ou, pelo menos, a cinquenta por cento. Depois de, em 2005, terem editado um álbum ao vivo gravado na Capela da Misericórdia, em Sines, onde interpretavam temas de Robert Johnson, Willie Dixon ou Lonnie Chatmon, os Nobody's Bizness têm agora um álbum em que seis das doze canções têm assinatura do grupo (com a preciosa ajuda de João MacDonald nas letras de uma delas). E saíram-se brilhantemente da tarefa! Nos seus originais estão toda a paixão e ensinamentos que sempre retiraram dos blues, mas também o amor que têm pela country, pelo bluegrass, pela folk norte-americana (ou por um eventual eixo canadiano que une Leonard Cohen, Neil Young e Joni Mitchell), pelo jazz e por uma visão aberta das músicas do mundo. E, ao lado de várias versões de Willie Dixon (ainda e sempre) ou William Broonzy, aqui estão meia dúzia de originais que põem desde já os Nobody's Bizness num elevadíssimo patamar criativo.

Uma outra encruzilhada, digamos paralela (se é que se pode falar de paralelas quando também se fala de encruzilhadas – mas essa é uma boa questão para os geómetros resolverem), que os Nobody's Bizness encontraram foi a opção de gravar, ou não, em estúdio. Tendo o palco como território natural para a sua música, como é que o brilho da voz de Petra, a magia da harmónica e a profundidade de voz de Catman, as finíssimas filigranas das guitarras e banjos dos irmãos Ferreira e os tapetes voadores de Luís Oliveira e Isaac Achega poderiam ser recriados – porque é de recriar que aqui se trata – em estúdio? A questão era complicada mas resolveu-se de forma fácil: tendo como aliado Paulo Miranda, que com os Nobody's Bizness co-produziu o disco no seu AMP Studio, em Viana do Castelo, o grupo lisboeta rapidamente descobriu no estúdio minhoto uma extensão da sua sala de ensaios onde todos se sentiram confortáveis e a sua música pôde fluir livremente. E, se o primeiro álbum circulou por um grupo restrito de fãs fiéis e habituais, os Nobody's Bizness são agora everybody's bizness, para ouvir de ouvidos limpos e alma aberta.

António Pires
Outubro de 2010


A banda:

Petra Pais – voz
Catman – voz, harmónica e teclas
Luís Ferreira – guitarras, dobro e banjo
Pedro Ferreira – guitarras, banjo e coros
Luís Oliveira – baixo e coros
Isaac Achega – bateria e percussões

Produção:

Nobody's Bizness e Paulo Miranda

Convidados:

Francisco Silva (Old Jerusalem) e Ana Figueiras (Unplayable Sofa Guitar) nos coros
de “”When monday comes”

Alinhamento:

1 – I want a little boy (Murray Mercher/Billy Moll)
2 – Don't go no further (Willie Dixon)
3 – Time waster (Nobody's Bizness)
4 – When monday comes (Nobody's Bizness)
5 – Nobody (no guidance song) (Nobody's Bizness)
6 – This pain in my heart (Willie Dixon)
7 – When the lights go out (Willie Dixon)
8 – Roll mamma (Nobody's Bizness)
9 – Blues for the month of june (João MacDonald/Nobody's Bizness)
10 – The blues don't care (Gwill Owen/Charles Olney)
11 – Black, brown & white (William Broonzy)
12 – Show's up! (Nobody's Bizness)

Roda de Choro de Lisboa - Conexões Luso-Brasileiras

Quando se sabe que o álbum de estreia da Roda de Choro de Lisboa, "Lusofolias" , tem edição marcada para Dezembro de 2010, aqui fica a entrevista que fiz a este grupo publicada originalmente na "Time Out Lisboa" em Agosto de 2009. É para dançar enquanto se lê.

Roda de Choro de Lisboa
Os Músicos que Mais Trabalham na Cidade

O local é um típico clube de bairro popular lisboeta: tem uma bar “atascado”, uma sala de bilhares - numa das mesas está uma viola adormecida; na outra dois pintas esgrimem os tacos - com ditos sábios nas paredes («Deus dá as nozes, mas não as parte») e, atracção maior dessa noite de terça-feira, um salão de baile onde já e amontoam, à porta, dezenas de tias e betos, muitos freaks e estudantes universitários em férias e ainda uma quantidade apreciável de turistas, mais turistas no feminino do que no masculino, diga-se. O local chama-se Lusitano Clube de Alfama e a razão para tamanha animação é mais um concerto/baile abrilhantado pela Roda de Choro de Lisboa, grupo ainda sem disco gravado mas com nome feito em centenas de concertos e no passa-palavra dos muitíssimos fãs angariados nos últimos anos.

O concerto/baile da Roda de Choro de Lisboa dá razão à sua fama: a meio caminho entre o ambiente gaiato e apaixonado das danças tradicionais europeias e o calor e a sensualidade das aulas de kizomba, os casais que dançam esta música deixam-se levar por uma festa que é muito maior e mais alegre do que aquilo que o nome do género que dançam, o choro, poderia fazer supor. O guitarrista Nuno Gamboa (que toca um violão de... sete cordas) explica que o choro nasceu no Brasil, “por volta de 1850, quando houve uma explosão de músicas populares por todo o mundo: o jazz nos Estados Unidos mas também, no espaço da lusofonia, a morna em Cabo Verde, o fado em Lisboa e o chorinho no Rio de Janeiro. Estas três têm todas elementos em comum: a modinha e o lundum. No caso do chorinho, tem o lundum e a modinha mais as danças de salão europeias: mazurkas, polkas, valsas... “. Gamboa acrescenta um pormenor histórico importante que ajuda a compreender estes cruzamentos musicais no universo lusófono: “Quando o rei português chega ao Rio de Janeiro para aí estabelecer a corte (NR: D.João VI partiu para o Brasil em Novembro de 1807, fugindo das tropas de Napoleão), não foi só ele que chegou ao Brasil: foram 15 mil pessoas, orquestras, músicos com instrumentos como o cavaquinho, o violão ou o bandolim...”. Quando se fala de choro, também se fala de chorinho e de chorão. Gamboa explica: “o chorão é o músico que toca choro. E o choro foi chamado durante muitos anos, popularmente, chorinho. Mas os intelectuais brasileiros defenderam a utilização de choro e não chorinho: os americanos não chamam jazzinho ao jazz ou rock'n'rollinho ao rock'n'roll”. Fica assim explicado.

A Roda de Choro de Lisboa é formada por cinco músicos, três portugueses – Nuno Gamboa, Luís Bastos (clarinete) e Carlos “Bisnaga” Lopes no acordeão – e dois brasileiros – Múcio Sá no bandolim e cavaquinho e Alexandre “Barriga” Santos nas percussões. “A Roda de Choro de Lisboa tem uma pré-história, por volta do ano 2000, quando alguns músicos se reuniram no espaço Fala-Só para tocar chorinhos”, conta Gamboa. “Foi aí que eu e o Luís Bastos tivemos contacto com o chorinho. Posteriormente, a Roda de Choro de Lisboa, já com a formação actual, estabeleceu-se no Sítio do Cefalópede, em 2005”. Já com centenas de concertos no seu currículo (o ano passado deram para cima de 120 em Lisboa, mas também em muitos outros locais), a Roda de Choro de Lisboa faz justiça à palavra Choro do seu nome mas também à palavra Lisboa, pelo lado português que a sua música contém. Luís Bastos, o clarinetista, sublinha que, embora tendo como base o choro, o grupo integra nesse género «ritmos portugueses como o malhão, o fandango, o fado, o corridinho, para termos um produto diferente do choro de S.Paulo ou do Rio de Janeiro”. O resultado dessa fusão poderá ser ouvido dentro de alguns meses no primeiro álbum da Roda (já em gravação) ou, se não se quiser esperar, todas as terças-feiras no Lusitano ou, no início de Setembro, no Palco 1º de Maio da Festa do Avante.

Colectânea de Textos no jornal «i» (VII)

O futuro do fado no masculino
por António Pires, Publicado em 17 de Setembro de 2009


Quando se fala de fado - e, principalmente, de novo fado ou de novos fadistas - pensa-se geralmente na geração de novas cantoras, muitas delas excelentíssimas, que o fado de Lisboa gerou nos últimos quinze ou vinte anos: Mísia, Mariza, Maria Ana Bobone, Mafalda Arnauth, Joana Amendoeira, Ana Sofia Varela, Kátia Guerreiro, Cristina Branco, Carminho... A lista é quase infindável. Fala-se menos dos homens, alguns deles com uma qualidade idêntica à de algumas das mulheres referidas, ou por vezes maior. Quando se fala dos homens, vêm sempre à baila - e com justiça, aliás - os irmãos Moutinho: Camané, Hélder e Pedro. Mas não é deles que se fala aqui hoje. É de dois fadistas menos conhecidos mas que merecem ser seguidos com a máxima atenção nos próximos anos: Ricardo Ribeiro e António Zambujo (na foto). Com apenas um álbum, homónimo, em nome próprio - mas com uma parceria fundamental no surpreendente e histórico álbum "Em Português", do mestre do oud libanês Rabih Abou-Khalil, em que o fado se cruza com a música árabe e faz também algumas tangentes ao flamenco -, Ricardo Ribeiro é dono de uma voz (ia escrever "vozeirão") única e completamente arrepiante. Já António Zambujo é o homem que tem na sua voz não apenas as vozes do fado mas também outras vozes (Cateano Veloso, Brel, Antony Hagerty...), e isso faz do seu fado um outro fado, fresco e originalíssimo. É necessário descobri-los e ouvi-los.





Estamos todos com os azuis
por António Pires, Publicado em 24 de Setembro de 2009

Um dos maiores segredos da música feita em Portugal é um grupo que se prepara agora para editar o seu primeiro álbum de estúdio, depois de um outro gravado ao vivo na Capela da Misericórdia de Sines. Chama-se Nobody's Bizness e faz dos melhores blues que se podem ouvir em qualquer parte do mundo. Quem já teve o privilégio de os ver nas suas (agora raras) residências mensais no Catacumbas, Bairro Alto, ou em mais alguns sítios, sabe com o que vai contar. Ou talvez não, porque os Nobody's Bizness também apresentam no disco temas originais, e excelentes!, em que os blues se cruzam com a folk norte-americana, o jazz ou a música country de uma forma original, emotiva e, de certa forma, portuguesa: os blues não estão distantes, na essência e talvez na sua origem ancestral, do fado (como também não o estarão da morna, da milonga ou do chorinho). E os Nobody's Bizness não estão sós nesta releitura à portuguesa dos blues, da country, da folk e de outras formas musicais cristalizadas nos Estados Unidos no século XIX ou inícios do século XX: The Soaked Lamb é outro grupo que parte da nascente dos blues e depois os leva para o céu; Old Jerusalem é um cantautor de enorme talento que vai à folk ianque para a personalizar e transformar; os Unplayable Sofa Guitar pegam na country e fazem dela gato-sapato, electrificando-a e distorcendo-a em rock; e os A Jigsaw (na foto) fazem canções maravilhosas a partir das mesmas bases musicais. Estamos muito bem servidos.




Amália Hoje, Rão Kyao Amanhã?
por António Pires, Publicado em 01 de Outubro de 2009

O incrível sucesso do projecto Hoje - embora muito mais relevante do ponto de vista comercial que artístico, tal como aponta uma das melhores "críticas de música" jamais feitas em Portugal, num sketch d'Os Contemporâneos - é, pelo menos, revelador de que o fado, quando mudado com profissionalismo, tem tantas potencialidades de renovação como o tango (via Gotan Project), o jazz manouche (via Caravan Palace), o flamenco (via Ojos de Brujo) ou a música balcânica (via Shantel), etc. No entanto, o colectivo que já vendeu mais de 40 mil exemplares do seu disco "Amália Hoje" - e que inicia hoje, dia 1, uma mini-digressão de apresentação do disco que o leva à Figueira da Foz, aos Coliseus de Lisboa e Porto e a Vila do Conde - não descobriu a pólvora. No já longínquo ano de 1983, Rão Kyao (na foto), directamente saído do circuito do jazz, teve igualmente um enorme sucesso com o álbum "Fado Bailado", em que o saxofone substituía a voz na interpretação de muitos fados e, muitos deles, bem conhecidos na voz de... Amália Rodrigues. O mesmo Rão Kyao que depois gravaria álbuns próximos do fado como "Viva o Fado", "Fado Virado a Nascente" ou o novíssimo "Em'Cantado", editado esta semana, em que o músico conta com as vozes de fadistas como Camané, Carminho, Ricardo Ribeiro ou Ana Sofia Varela. Vai ser curioso observar como "Em'Cantado" poderá ou não sofrer - para o bem e para o mal - os efeitos do furacão Hoje.

"We're Not Old Ladies Singing, We're Musical Instruments", de Tiago Pereira

WE`RE NOT OLD LADIES SINGING, WE`RE MUSICAL INSTRUMENTS from Tiago Pereira on Vimeo.

é uma obra que reúne diversas amostras audiovisuais da presente paisagem sonora popular portuguesa para, através da exploração de um sentido musical experimental, descontextualizar tradições e práticas antropológicas, e trabalhar os registos criados como instrumentos, nunca perdendo de vista a cultura imaterial a que se referem.

«Significado»... Ou o que é a Música Tradicional Portuguesa (Agora)

Trailer - SIGNIFICADO - a música portuguesa se gostasse dela própria from Tiago Pereira on Vimeo.

Quem conhece o trabalho anterior de Tiago Pereira - nomeadamente os recentes «Arritmia» e «Mandragora Officinarum» - já sabe que, deste realizador, só se pode esperar sempre um salto em frente, e também um complemento mais ou menos lógico do que ficou para trás, em cada novo filme seu. «Significado - A Música Portuguesa se Gostasse Dela Própria», o novo filme de Tiago Pereira, celebra os quinze anos de existência da d'Orfeu (a notável estrutura montada em Águeda pelos irmãos Fernandes) mas extrapola de forma brilhante o conceito de «encomenda» e aventura-se no levantamento de inúmeras questões que rodeiam a música tradicional portuguesa, a sua evolução e a sua cristalização, a sua reinvenção e as suas dúvidas, os seus mitos e as suas interrogações. Com a participação de vários músicos mais ou menos esperados e outros não tanto quanto isso - Vítor Rua, Carlos Guerreiro, os irmãos Fernandes (Luís, Artur, Bitocas e Rogério), Júlio Pereira... - e também de outras personagens, como a escultora Joana Vasconcelos ou o Jornalista Orelhudo (um "cameo" do autor deste blog!), «Significado» vai mais longe na busca de um sentido - e de um «contexto» - para o que é a música tradicional portuguesa do que qualquer outro objecto (filme, livro, artigo, disco...) até agora existente.

Dulce Pontes - Há Um Shane MacGowan na Música Portuguesa...

Desde há alguns meses tenho o prazer de escrever no jornal «i». O primeiro texto que publiquei neste jornal tinha como mote esta canção de Dulce Pontes, «Júlia Galdéria», que na minha humilde opinião é o pico maior desta cantora. Pelo arrojo, pela coragem, pela imaginação... Oiçam-na sem preconceitos (ou «listen without prejudice», na tradução livre de George Michael). O texto publicado:

«Há um Shane MacGowan na música portuguesa e ele chama-se... Dulce Pontes! No seu novo álbum, "Encontros" - um "best of" com muitas regravações e novas versões de temas editados anteriormente nos seus álbuns de originais, incluindo parcerias com o tenor José Carreras e com o cantor e músico grego George Dalaras -, Dulce Pontes canta "Júlia Galdéria", adaptação do clássico do fado "Júlia Florista" (popularizado por Amália Rodrigues, Max e Carlos do Carmo, entre outros), que acrescenta alguns pontos ao conto desta mítica fadista, guitarrista e vendedeira de flores do início do Séc.XX. E interpretando-o com voz de bêbeda e de mulher muito mais velha do que os quarenta anos que ela, Dulce Pontes, tem. Mostrei o tema, sem dizer quem o cantava, a várias pessoas e ninguém reconheceu a voz da cantora do Montijo. E os comentários, depois, foram: "Ela passou-se!" ou "Então, agora a Dulce Pontes dá nos copos?". Mas eu prefiro acreditar que a inclusão de "Júlia Galdéria" - do qual gosto muito! - neste álbum é antes um genial golpe de marketing. Há-de ser tão falado quanto o "Sem Eira Nem Beira" (mais popularmente conhecido por "Sr. Engenheiro") dos Xutos & Pontapés.

Nota 1: Aparentemente, ainda ninguém deu por esta minha previsão e esta fabulosa "Júlia Galdéria" (adaptação da "Júlia Florista" feita pelo tio de Dulce Pontes) passou, infelizmente, ao lado de toda a gente...

Nota 2: O teledisco (que eu desconhecia quando escrevi sobre o disco) é, tal como a canção, uma surpresa completa: a recriação, genial e animada!, do quadro "O Fado", de José Malhoa (o pintor, não o cantor pimba, claro!).

Festival Ecos da Terra - Celorico de Basto, em Agosto

Só tem bandas portuguesas, mas são uma espécie de Selecção A do que de melhor se faz por cá com as músicas de raízes tradicionais (sejam elas portuguesas ou não). E isso é muito bom! O Festival Multicultural de Música Tradicional de Celorico de Basto, ou, resumindo, Festival Ecos da Terra, decorre nos dias 21 e 22 de Agosto, na Quinta do Prado, e inclui concertos, no primeiro dia, dos Roncos do Diabo, Semente, Uxu Kalhus e Mu (na foto, de Hugo Lima), enquanto no segundo actuam os Mosca Tosca, Pé na Terra, Djamboonda e OliveTree (aka OliveTree Dance). Segundo os seus organizadores, o festival tem como «objectivo a divulgação de novos conceitos à região de Basto e dar a conhecer o que de bom tem a nossa terra, desde a beleza paisagística, passando pela gastronomia, ao artesanato e claro as maravilhosas gentes de Basto. Conceitos esses que vão desde a música, passam pela dança e teatro, aos usos e costumes, à arte, aos produtos tradicionais e à conservação da natureza. Em termos musicais, é de nosso interesse promover a música tradicional portuguesa, assim como as mais variadas músicas do mundo. Gostaríamos também de poder oferecer ao público, várias demonstrações/workshops de vários instrumentos e danças, pois o festival irá ter a duração de 2 dias (dia/noite). O local onde o festival terá lugar será ao ar livre numa bonita quinta no centro da bonita vila de Celorico de Basto».

Mais informações, aqui.

Melech Mechaya - Vem Aí o Álbum de Estreia!

«Budja Ba», o álbum de estreia dos Melech Mechaya está por dias! E, como tive o prazer e a honra de escrever o texto de apresentação do álbum, aqui vai ele, na íntegra:

«Melech Mechaya

1º álbum, «Budja Ba», à venda em Junho. Festa de lançamento no dia 13.

Já ninguém questiona que músicos e cantores portugueses se dediquem ao death-metal, ao drum'n'bass, ao hip-hop, ao jazz ou à música erudita. São géneros conhecidos, alguns mais populares que outros, mas que já não causam surpresa ou estranheza. Mas que raio é que leva cinco rapazes portugueses - e nenhum deles judeu, apesar de Miguel Veríssimo, o clarinetista, achar que teve um tetravô que o era - a escolher o klezmer, um género nascido há centenas de anos nas comunidades judaicas do centro e leste europeu, como a sua música de eleição?

Respostas: primeiro o acaso; e depois uma paixão profunda por esta música antiga e estranha, por eles misturada com outras músicas de que também gostam. O guitarrista André Santos e o violinista João Graça, colegas no Conservatório Nacional, receberam de um professor um livro com temas klezmer, que foram depois incluídos em espectáculos do duo de chorinhos brasileiros que André partilhava com o clarinetista Miguel. E gostaram tanto desses temas - o tradicional «Bulgar de Odessa» ou «Misirlou», tornado mundialmente famoso na versão de Dick Dale - que juntaram mais três amigos para tocar um reportório klezmer completo: João Graça no violino, Francisco Caiado na percussão e João Novais (aka João Sovina) no contrabaixo.

O primeiro ensaio, em Novembro de 2006, correu tão bem que - apesar de cada um deles ter outros projectos musicais e ter uma vida profissional activa (nos MM há um economista, um médico, um arquitecto, um biólogo e um professor de música) - logo se lançaram à aventura dos concertos, uma aventura que já os levou a actuar na Festa do Avante, Festival Etnias (Porto), Festival Andanças, Centro Cultural Vila Flor (Guimarães), Cabaret Maxime (Lisboa), Allariz e Santiago de Compostela e Festival Músicas do Mundo de Vilagarcía de Arousa (Galiza), Festival Ritmus (Açores), Espaço Celeiros (Évora) ou num concerto em nome próprio no Santiago Alquimista, em Dezembro passado, que esgotou por completo esta sala da Costa do Castelo. Concertos - cerca de 60 em dois anos de existência - que são uma festa pegada, cheios de dança, sorrisos e suor. E, proximamente, os MM actuam no Festival Granitos Folk (Porto, 12 de Junho), no Teatro da Comuna (Lisboa, 13 de Junho, lançamento do disco), no FMM de Sines (25 de Julho) e na Špancirfest (Croácia, 25 de Agosto).

O seu álbum de estreia, «Budja Ba», chega agora, no tempo certo. E nele, os Melech Mechaya - que se dizem tão influenciados pelos seminais Klezmatics como pelos Beatles, o guitarrista Django Reinhardt ou os Masada de John Zorn - partem do klezmer para visitar outras músicas que lhe são próximas: a música dos ciganos dos Balcãs, a música turca e árabe, mas também o jazz manouche, o flamenco, o tango ou o fado. Fado? Ah, pois, afinal sempre há lá uma ligação à música portuguesa, no tema «Fado Tantz». E se calhar ainda há outra, ainda mais subliminar, mais subtil: oiça-se o início de «Dodi Li», um tradicional klezmer, e veja-se como este tema está ligado a «Oi Khodyt Son Kolo Vikon» (uma canção de embalar ucraniana) e este a «Summertime» (de George Gershwin, que ao jazz juntava as suas influências judaicas). O mesmo «Summertime» que foi a inspiração maior de Carlos Paredes para a «Canção Verdes Anos». E há lá coisa mais portuguesa que a «Canção Verdes Anos»?

Entre tradicionais klezmer e originais compostos pelo grupo, «Budja Ba» inclui os temas «Dodi Li», «Fanfarra», «Bulgar de Almada», «Nigun 7», «Dança do Desprazer», «Sweet Father», «(Rad Halaila)», «Budja Ba», «Fado Tantz», «Na Festa do Rabi», «Freylach 6.8», «Hava Nagila», «(Melodia da Rua)», «Cravineiro», «Sabituar» e «Harmónica». Os arranjos e a produção são do próprio grupo, que teve como convidadas em alguns temas as Tucanas (vozes, percussões e acordeão) e as vozes de Noémia Santos, Ana Sousa e Irina Santos. A edição é da Ovação.

As canções de «Budja Ba», uma a uma:

DODI LI
Ouvimos uma versão desta música pelo Freylekh Trio e gostámos muito dela. Fizemos o arranjo, muito simples só com violino e contrabaixo, e passámos a abrir os espectáculos (e agora o disco) com ela.

FANFARRA
A ideia para esta música surgiu durante o concerto da Fanfare Ciocarlia na Festa do Avante em 2007, e foi feita em jeito de homenagem à banda, com ritmo sincopado e melodia ornamentada que costumam caracterizar os Ciocarlia. Funciona quase sempre colada à «Dodi Li» (que lhe serve de introdução).

BULGAR DE ALMADA
Esta música surgiu na altura em que se começou a falar em misturarmos alguns originais com os temas tradicionais que tocamos desde sempre. Os bulgares são danças tradicionais, normalmente com o nome da terra da sua origem. Desta forma, apanhando motivos melódicos comuns em muitos «bulgars» (como o início da melodia) surgiu este tema. Foi composto em Almada, os Melech ensaiam em Almada, então nasceu o Bulgar de Almada. No disco, esta música é como um recreio das percussões, onde graças à interpretação de cinco musas (Tucanas) a música ganha uma nova dimensão.

NIGUN 7
Esta música surgiu inicialmente como uma segunda parte frenética de outra muito calma, chamada «In Law's Dance». No disco usamo-la como «turbilhão», um devaneio curto e rápido que deixa o caos por onde passa e traz vivacidade ao disco.

DANÇA DO DESPRAZER
Um dos momentos mais marcantes dos espectáculos ao vivo, sempre teve um arranjo muito directo e um ritmo muito simples. Sempre nos atraiu a alegria desta música, onde cantamos e gritamos e ao vivo vem sempre gente dançar p'ra cima do palco!

SWEET FATHER
Ao vivo é a música que quebra o gelo, serve para cumprimentar o público e para «apresentar» musicalmente os Melech. É das músicas que mais nos caracteriza, e aparece num sítio do disco em que começam a ser introduzidas mais variações (esta toca no jazz e no reggae) e começa a fechar o ciclo de músicas mais simples e de momentos mais fortes ao vivo.

(RAD HALAILA)
Sempre foi uma canção com uma alegria pateta, que só nos conquistou a todos quando passámos a tocá-la no fim dos concertos em jeito de «é a última, 'bora dançar e ser felizes!». No disco extraímos apenas a melodia e criámos um primeiro ponto de paragem e descanso, um interlúdio com um ritmo ternário bem português e terreno.

BUDJA BA
É uma das originais. O arranjo foi feito no teste de som do concerto em Tomar, enquanto na rua uma cadela girava loucamente com epicentro no pénis de um cão vadio, e logo se tornou o chamamento, o canto de invocação da Budja Ba, a nossa deusa. As vozes femininas surgiram aquando da preparação do concerto do Santiago Alquimista. Gostámos tanto que decidimos pô-las no disco. A música contém então o cântico de evocação da deusa Budja Ba onde se pede ajuda a todos para o levarem mais alto.

FADO TANTZ
A música serve para expressar sentimentos e estados de espirito. Em geral caracterizamo-nos como um grupo alegre e festivo mas no entanto, como tudo na vida, há sempre dias mais sombrios. Foi num desses dias que surgiu esta melodia. Pela sua carga dramática e nostálgica soa a Fado e transporta todo o sentimento associado a este estilo musical. Neste arranjo a melodia assume novas «personagens» como o Tango, Klezmer, quasi «pop» e a festa!

NA FESTA DO RABI
Esta música, mais uma do livro perdido, é das que mais gostamos e das que menos tocamos, o que é curioso. No disco é o tema-charneira que separa as duas partes - a primeira, mais efusiva e simples e directa; a segunda, mais elaborada e referenciada e rica. O ad lib. inicial é quase um portal para um novo momento e o swing no final permite-nos dançar mais um pouco. É das nossas preferidas!

FREYLACH 6.8
Um corte e costura de temas tradicionais, e onde exploramos diferentes camas rítmicas sob a forte melodia que tem. E no final a melodia passa para a guitarra, o que é incomum em nós, e o ambiente passa para a nossa sala de ensaio, os cinco a curtir.

HAVA NAGILA
Dispensa apresentações! No disco fazemos uma pequena desconstrução da música - ainda no ambiente de sala de ensaio - e depois partimos para paródia, tal e qual como o arranjo do espectáculo ao vivo. No fim da música aparece um acelerando forte para rematar a música em apoteose.

(MELODIA DA RUA)
Esta foi o Graça que nos mostrou num ensaio, só ao violino, «Malta, oiçam isto». E gostámos tanto assim, que assim ficou. No disco serve como segundo ponto de paragem/descanso, um novo interlúdio que respira do chinfrim anterior e prepara o último terço do disco.

CRAVINEIRO
Cravineiro é o nome que os contrabandistas portugueses davam aos guardas espanhóis que estavam junto das fronteiras entre Portugal e Espanha. Na altura pareceu bem fazer uma música dedicada a estes senhores. É um dos nossos temas com mais traços do klezmer tradicional. Tinha dois finais e ao vivo tocávamos aquele que o público escolhia. No disco decidimos fazer um final diferente, pronto!

SABITUAR
A melodia principal apareceu ao Miguel num banho, numa altura em que a beatlemania lhe batia particularmente forte, e a entrada da música remete precisamente para o «Helter Skelter»! No refrão exploramos um pouco uma melodia mais virtuosa (que é uma variação da melodia principal), e o fim da música apresenta um estado de espírito novo no disco, mais melancólico e sonhador, a preparar o final do disco.

HARMÓNICA
No disco começa em jeito de música de embalar, voz a cappela, e segue sempre muito delicada até ao fim, sempre dando primazia à melodia, terminando o disco. Depois não resistimos e ainda vamos à paródia outra vez. Esta é mais uma do livro, e ocupa no disco o mesmo lugar que ocupa ao vivo - o fim».


Ouvir o single de avanço, aqui.

Dazkarieh - «Hemisférios» em Entrevista e Crítica ao Disco...

Poucos meses passados sobre a edição do novo álbum dos Dazkarieh, «Hemisférios» - e numa altura em que a sua agenda de concertos um pouco por todo o lado está mais que bem preenchida - aqui recupero dois textos publicados originalmente na revista «Time Out Lisboa». Uma entrevista ao grupo e a crítica ao disco.

A MEMÓRIA E A CRIAÇÃO

A comemorar dez anos de existência, os Dazkarieh lançam o seu melhor disco de sempre, «Hemisférios». António Pires falou com Joana Negrão, Vasco Ribeiro Casais e, lá mais para o fim, Luís Peixoto. «Hemisférios» é um álbum duplo em que um dos «lados» é composto por originais e o outro por versões de temas tradicionais portugueses. Isto é, nele estão bem presentes o lado da criação e o lado da memória. Ou as duas coisas juntas e/ou baralhadas.

No vosso trabalho há uma grande parte que vem da memória e da sua recriação e outra que vem da vossa própria criação, que por sua vez carrega também uma forte carga de outras memórias musicais. Há bocadinho, antes da entrevista começar, disseram-me que saíram de Lisboa para trabalhar neste disco. Vocês fizeram recolhas de temas tradicionais?


Joana Negrão - Não, nós ouvimos recolhas já feitas por outros. Nós sentimos foi a necessidade de sair do nosso meio habitual, a cidade, para nos concentrarmos no nosso trabalho; ter uma maior disponibilidade mental para ouvir, pensar, criar... Estivemos numa casa no Algarve e noutra na Arrábida.

Vasco Ribeiro Casais - Há cerca de dez anos - quando começaram os Dazkarieh - comecei a interessar-me e a ouvir músicas tradicionais, étnicas, a chamada world music. Antes estava mais ligado ao rock e à música clássica. E durante algum tempo houve muitas experiências, no seio do grupo, de canções influenciadas pela world music e muito acústicas. Há alguns anos senti a necessidade - uma necessidade que foi acompanhada pelos outros membros do grupo - de avançar para uma sonoridade mais eléctrica, mais próxima do rock. E neste disco temos o acústico sempre presente, o eléctrico por vezes presente e tentamos ter as coisas equilibradas. Tanto nas nossas canções como naquelas que são a nossa visão dos temas tradicionais.

E, paralelamente a isso, uma muito maior ligação à música portuguesa. Como é que vocês fazem a escolha dos temas tradicionais?

VRC - No meu caso, essa escolha não é imediata. Muitas das recolhas têm um som rude, mesmo para nós que estamos habituados.

JN - Eu fui ouvir muitas coisas que já sabia, à partida, que me iriam dizer alguma coisa. Ouvi muito a Catarina Chitas, mesmo não aparecendo nada do que ouvi dela no nosso disco. As Adufeiras de Monsanto, com quem já estive muitas vezes e com quem já aprendi muito. Os Velhos da Torre, do Algarve. E houve uma experiência muito engraçada, que foi começar a ouvir coisas dos Açores... Dos Açores usámos no disco uma canção a que chamámos «Coroar», que originalmente faz parte dos rituais do Espírito Santo, e que tem uma carga muito forte, não tanto por ser uma coisa católica mas mais pela força que emana: a força da fé, a força do acreditar...

VRC - Também há casos em que os originais se misturam com as versões. Uma das músicas, a «Borda d'Água», é uma versão mas, ao mesmo tempo, estávamos a trabalhar num original e não conseguíamos fazer nada nem do original nem da «Borda d'Água». Até que, por acaso, se juntaram as duas.

Neste álbum - apesar de ser uma evolução óbvia do anterior, Incógnita Alquimia - há novos instrumentos como o cavaquinho e a sanfona - tocados muitas vezes em estado "puro" e não em distorção, ao contrário do que acontece com o bouzouki, a nyckelhapra ou o bandolim... - e, claro, a substituição das percussões do Baltazar Molina pela bateria...

VRC - Mas olha que a sanfona às vezes também tem distorção... O André a tocar bateria é muito original: ele tem uns pratos que não são pratos normais, são pratos partidos, empilhados uns por cima dos outros; um kit com adufes e djembé. Mas ele toca bateria à séria, com força.

JN - Às vezes sentimos a necessidade de introduzir momentos mais acústicos, para abrir o som, para dar equilíbrio. No «Hemisfério A» temos uma música muito lenta, muito acústica, que é só voz, cavaquinho e nyckelharpa.

VRC - Os instrumentos que nós tocamos são todos acústicos. Mas um bandolim com distorção ou fuzz não soa ao mesmo que uma guitarra eléctrica em distorção ou com fuzz. E nós usamos os dois sons em simultâneo: há sempre o som limpo, acústico, e o processado.

Vocês andam a tocar muito mais no estrangeiro do que em Portugal. Em dezenas de concertos este ano...


Luís Peixoto - Há cerca de setenta por cento no estrangeiro e cerca de trinta em Portugal. Mas ao longo do ano é capaz de variar: em Portugal marcam-se as coisas muito mais em cima da hora...

VRC - Ainda há poucos dias estivemos num grande festival de world music na Lituânia...

As pessoas apercebem-se de que muitas das vossas canções são temas tradicionais portugueses?

JN - Sim, e têm muita curiosidade. Principalmente, curiosidade por saber de música portuguesa que não é o fado.




DAZKARIEH
«HEMISFÉRIOS»
Hepta Trad

«Incógnita Alquimia» (2006), o álbum anterior a este novo «Hemisférios», marcou uma ruptura com o passado do grupo: os Dazkarieh passaram então de um grupo essencialmente acústico e com uma sonoridade baseada em músicas étnicas de variadíssimas proveniências («celtas», norte-europeias, africanas, árabes, brasileiras...) para um grupo em que à vertente acústica se juntou uma pulsão eléctrica bastante forte usando instrumentos acústicos, sim, mas processados, alterados, muitas vezes em distorção rock - dir-se-ia, por vezes, metal - e, paralelamente, um grupo em que as influências da música tradicional portuguesa se faziam sentir muito mais fortemente do que no passado (e a inclusão, nesse disco, dos tradicionais «Senhora da Azenha», «Vitorina» e «Meninas Vamos à Murta» era já disso um bom sinal). E o novo álbum, «Hemisférios» - um duplo que apresenta no «Hemisfério A» temas originais e no «Hemisfério B» versões de temas tradicionais, mas num todo coerente e em que muitas vezes - se não houvesse essa indicação - dificilmente se adivinhariam quais os originais e quais as versões -, é a continuação e evolução lógica e bem-vinda desse álbum. Com algumas diferenças importantes: a voz de Joana Negrão integra-se agora, em perfeição absoluta, na massa sonora envolvente. O domínio técnico dos intrumentos tocados por Vasco Ribeiro Casais e Luís Peixoto - da nyckelharpa sueca e do bouzouki grego/irlandês às gaitas, bandolins ou às novas «aquisições» como o cavaquinho, a sanfona ou o bouzoucão (um bouzouki-baixo), que abrem bastante o leque tímbrico e as soluções harmónicas - atingiu um pico extraordinário. As percussões de Baltazar Molina foram substituídas pela bateria de André Silva, que dá mais peso e consistência ao conjunto. Vai ficar para a história da música portuguesa (ou já lá está - na história do passado e na história que se fizer no futuro). (*****)

Procura-se o Autor Desta Foto! (Repost)

Encontrados já os autores das outras três fotos (da Banda do Casaco, Carlos Paredes e Farinha Master), fica só a faltar a do José Afonso... Assim, prezados leitores do Raízes e Antenas! Se alguém souber qual é o autor desta foto (ou tenha algum palpite sobre quem poderá ser ou... saber), por favor contacte-me na caixa de comentários deste post ou através do meu e-mail: pires.ant@gmail.com

Não é um concurso nem passatempo, mas é importante (a seu tempo revelarei a razão). Muito obrigado!


José Afonso - uma dica, foi a partir desta foto que foi desenhado o logotipo da AJA (Associação José Afonso).

Dazkarieh - «Hemisférios» Apresentado Hoje à Noite

Os Dazkarieh são, cada vez mais, uma das mais importantes bandas folk (e usa-se aqui a palavra folk apenas por facilidade de designação) portuguesas. O seu novo álbum, «Hemisfèrios», é um duplo que apresenta no primeiro CD vários temas originais e, no segundo, versões de tradicionais portugueses reinventados pela pulsão eléctrica do grupo. Hoje, quarta-feira, à noite, o álbum é apresentado num concerto no Cinema S.Jorge, em Lisboa. O comunicado oficial:

«Os Dazkarieh comemoram 10 anos com “Hemisférios”, disco duplo que é o 4º álbum de originais da banda e o seu trabalho mais ambicioso até à data, que será apresentado dia 18 de Março no Cinema S. Jorge, pelas 21h30m.

“Hemisférios” que será mais uma vez editado pela HEPTA, surge agora como uma revisão do caminho percorrido nos últimos 10 anos. Tendo inicialmente vivido em exclusivo dos seus originais, o grupo avançou em 2006 para a revisão de tradicionais portugueses que representam hoje em dia praticamente metade do seu repertório ao vivo. Surgiu assim a ideia, em jeito de comemoração, de fazer um disco duplo, em que num dos lados estariam as composições originais, uma imagem de marca, e no outro as recriações de tradicionais portugueses, de regiões ainda não trabalhadas pelo grupo.

Nos últimos 3 anos a banda fez concertos um pouco por todo o mundo, em salas e festivais de Espanha, Andorra, Bélgica, Alemanha, Polónia, República Checa, Suíça, Áustria, Estónia, Canadá, México e Cabo Verde.

2009 marcará ainda mais essa vertente internacional com uma grande digressão Alemã (com 21 concertos marcados até à data e onde tocarão em Berlim pela primeira vez) e espectáculos em países como a Malásia, Singapura, Croácia, Itália, Estónia e Áustria.

Complicado será agora definir em que género musical se inserem. A procura de um rótulo deixará insatisfeitos uns e outros porque não será fácil definir um som que ecoa a espaços tradicional e etéreo, resvalando muitas vezes para um rock poderoso condimentado com fortes ritmos que no fundo são apenas tocados em instrumentos acústicos de forma não tradicional.

Mais importante será pensar que após 10 anos, os Dazkarieh criaram o seu som, a sua abordagem única à música portuguesa, de raiz ou não, isso pouco importa quando estamos perante um dos mais internacionais e criativos grupos portugueses».

Assobio - E Depois dos Chuchurumel...

Os Chuchurumel terminaram. Mas há vida depois do fim do grupo: enquanto Julieta Santos continua com os Diabo a Sete, a outra metade dos Chuchurumel, César Prata (na foto), está a iniciar um novo projecto que segue as pisadas - sábias e seguras - dos Chuchurumel. Chama-se Assobio, grupo assim apresentado:

«ASSOBIO é sopro; um sopro musical. E sopro é vida.; a vida que passa pela cultura popular e pela sua transmissão constantemente renovada. ASSOBIO é o nome do novo projecto musical de César Prata. Após o fim de Chuchurumel, o seu anterior grupo, ASSOBIO marca a continuidade do seu trabalho com a tradição musical portuguesa, ou seja, o cruzamento da tradição com linguagens musicais dos nossos tempos. ASSOBIO é um desafio, uma constante procura de sonoridades, um caminho para a música portuguesa. ASSOBIO faz-se também com a voz carismática de Vanda Rodrigues, uma cantora surpreendentemente singular, uma voz para a música portuguesa. ASSOBIO é nome de disco e de espectáculo. ASSOBIO é uma co-produção do Teatro Municipal da Guarda e de César Prata e estreará no próximo dia 15 de Maio, no Teatro Municipal da Guarda. O espectáculo de estreia assinalará também a apresentação do CD ASSOBIO, uma edição do Teatro Municipal da Guarda. Depois... Depois vamos andar a assobiar... Por aí!

Quem assobia:
César Prata: laptop, guitarra sintetizada, ewi, guitalele, viola braguesa, ocarina, flautas, ponteira, percussões. Vanda Rodrigues: voz e percussões».

No myspace do Assobio, aqui, podem ouvir-se dois temas do álbum que aí vem: o romance «Dom Varão» e a «Cantiga da Ceifa».