ROXY MUSIC: "Avalon"

Original released on LP EG, Polydor EGHP 50.2302.116

(UK, 28 May 1982)

"Flesh + Blood" suggested that Roxy Music were at the end of the line, but they regrouped and recorded this lovely "Avalon", one of their finest albums. Certainly, the lush, elegant soundscapes of "Avalon" are far removed from the edgy avant-pop of their early records, yet it represents another landmark in their career. With its stylish, romantic washes of synthesizers and Bryan Ferry's elegant, seductive croon, "Avalon" simultaneously functioned as sophisticated make-out music for yuppies and as the maturation of synth pop. Ferry was never this romantic or seductive, either with Roxy or as a solo artist, and "Avalon" shimmers with elegance in both its music and its lyrics. "More Than This," "Take a Chance with Me," "While My Heart Is Still Beating," and the title track are immaculately crafted and subtle songs, where the shifting synthesizers and murmured vocals gradually reveal the melodies. It's a rich, textured album and a graceful way to end the band's career. (Stephen Erlewine in AllMusic)

GAL COSTA ~ "MINHA VOZ"

Edição original em LP Philips 6328523 (BRASIL, 1982/11)

CHICO BUARQUE Canta Em Español

Edição original em LP Philips 6328 522

(BRASIL, 1982)

"CAT PEOPLE" (OST)

Original released on LP Backstreet BSR 6107

(US, September 1982)

"Cat People" followed Moroder’s "American Gigolo" soundtrack by only a couple of years, but the departure from the Italo-disco sound he helped trademark is considerable. Everything here is slowed down to a twilight half-speed. David Bowie’s “Putting Out Fire (With Gasoline)”, a slow-to-ignite, soul-rock number, actually sounds more at home here than on his chart-busting "Let’s Dance" album, and is the most muscular piece by far. Breaking the synth lines and drum programming of his earlier work down to a sinister, skeletal slow-pulse proved yet again Moroder’s vision in his unflinching willingness to break with the past to stay a step ahead of the game. However, this time it would be nearly 20 years before the bedrock vibrations emanating here were felt at all, first surfacing in the brief synth-electro revival of the early 2000s, and more recently in the narcotic crepuscule of Chromatics, who brought the new crop of interpreters to wider recognition with their work on the Drive soundtrack. A direct line can be drawn from "Cat People" and everything Chromatics producer Johnny Jewel and his Italians Do It Better label have done to bring the new wave of synth-italo-disco to the masses in the last half-decade. The heavily reverb-ed, delicately plucked and muted guitar lines and cinematic synth wash of Chromatics, Glass Candy, Desire, and their current legion of followers can be traced directly to this record, one of the most compelling and original records of it’s era, soundtrack or otherwise. (Jonathan Treneff in RateYourMusic)

DIRE STRAITS: "Love Over Gold"

Original released on LP Vertigo 6359.109

(UK , September 1982)

Contrary to the blasé buying habits of the general listening public, "Brothers in Arms" is not, in any way, shape or form, Dire Straits's best album. It is commercially detestable, aurally indigestible and critically contestable. But hey, if you enjoy such annoyingly overplayed bits of MTV tripe like "Money for Nothing" or "Walk of Life", then avert your eyes, as this review aint for you. If, however, you enjoy moving songs played elegantly and some genuinely gorgeous riffs plucked by guitar-picker extraordinaire Mark Knopfler, then there's hope for you yet! "Love Over Gold" is an album that was very ambitious, but was successful in achieving an incredibly evocative sound and an impeccable clarity, even over the 14+ minute composition "Telegraph Road", the stellar centerpiece of the album. Then there is one of my favorite songs of the 80s, "Industrial Disease", one of the funniest takes on technology overload ever written (with a wonderfully infectious organ line and sly Dylanesque lyrics and rhyme scheme). There is also the dark "Private Investigations", and jazzy stylings of the title track. And Sting was not required to sing backup anywhere on the album. (in RateYourMusic)

Statements don't get much riskier than a commercially ambitious '80s album with five songs and two of those stretching over eight minutes, but the artistic gamble paid huge dividends for Dire Straits in Europe with "Love Over Gold". The near-quarter-hour "Telegraph Road" starts as Mark Knopfler meant to go on, a sprawling landscape of a track depicting the tale of a growing one over the years that gradually chugs faster until reaching its epic crescendo, a guaranteed live favourite from this point until the group's demise a decade later. The only other track on the first side, "Private Investigations", is a slow and largely brooding, acoustic guitar-led saga from the first-person view of a jaded cash-for-hire detective. Not exactly a recipe for hit-making in 1982, right? Wrong, it climbed all the way to number two in the band's native United Kingdom, the joint-biggest single they ever released. Side two opens with by far the breeziest and funniest cut "Industrial Disease", followed by a piano-laden title track ballad of high-wire circus working and living. This is Dire Straits at their most atmospheric, you need to be patient with this one, but the vast rewards are there. (in AllMusic)

BOBBY MCFERRIN Debut Album

Original released on LP Elektra Musician E1-60023

(US, 1982)

Robert Keith "Bobby" McFerrin Jr. (born March 11, 1950) is an American jazz vocalist and conductor. He is a ten-time Grammy Award winner, who is known for his unique vocal techniques, such as singing fluidly but with quick and considerable jumps in pitch - for example, sustaining a melody while also rapidly alternating with arpeggios and harmonies - as well as scat singing, polyphonic overtone singing, and improvisational vocal percussion. He is widely known for performing and recording regularly as an unaccompanied solo vocal artist. He has frequently collaborated with other artists from both the jazz and classical scenes. As a vocalist, McFerrin often switches rapidly between modal and falsetto registers to create polyphonic effects, performing both the main melody and the accompanying parts of songs. He makes use of percussive effects created both with his mouth and by tapping on his chest. McFerrin is also capable of multiphonic singing. His first recorded work, this self-titled album "Bobby McFerrin", was not produced until 1982, when McFerrin was already 32 years old. Before that, he had spent six years developing his musical style, the first two years of which he attempted not to listen to other singers at all, in order to avoid sounding like them. He was influenced by Keith Jarrett, who had achieved great success with a series of improvised piano concerts including "The Köln Concert" of 1975, and wanted to attempt something similar vocally.

RUI VELOSO: OS Vês Pelos Bês

Sobre Rui Veloso já tive a oportunidade de ler as opiniões mais díspares. Lembro-me aqui há alguns anos, num comentário a um post inserido no blog YéYé do meu amigo Luís Pinheiro de Almeida, de alguém o apelidar, e cito, «o António Calvário do cavaquismo, assim uma espécie de cantor do regime!» No polo oposto, quantas vezes a designação de “Pai do Rock Português” não lhe foi já concedida? É por demais sabido que extremismos nunca levarão nada a bom porto. E se apenas por maledicência se pode conotar o Rui Veloso com o nacional-cançonetismo (o que até pode não ser um insulto, pois mesmo dentro desse género musical existem coisas muito interessantes e de qualidade), já o cognome de “Pai do Rock Português” só poderá ser atribuído por ignorância. Como diria o meu amigo José Forte, «Rui Veloso é tanto pai do rock português como o Elvis Presley é o rei do rock ‘n’ roll». Com o devido distanciamento, é claro. Aliás, sendo o Rock um tipo de música marginal e irreverente, nunca lhe consegui vislumbrar “sangue azul” ou atribuir sequer uma ascendência legítima. Pelo contrário, sempre o vi mais como que um bastardo filho-da-mãe, fruto acidental de uma noitada de copos e devaneios.

Há quem também tente justificar o êxito do Rui Veloso com as condições propícias em que ele apareceu. Económicas, sociais e culturais. Não partilho dessa opinião. É verdade que os tempos têm a sua influência, mas penso sinceramente que Rui Veloso seria sempre Rui Veloso e que a sua qualidade se imporia de qualquer modo, independentemente da altura em que aparecesse, contra ventos e marés e arautos da desgraça. A propósito, vale a pena reler o que escreveu em tempos o saudoso Daniel Bacelar, um dos pioneiros, no início da década de 60, do Rock cantado em português (e se o Rui Veloso fosse efectivamente o “Pai do Rock Português”, o Daniel seria provavelmente o “Avô”): «A minha opinião vale o que vale mas continuo a achar que no meio de muita coisa má que apareceu no chamado novo Rock dos anos 80, apareceu muita coisa boa que como de costume desapareceu (as pessoas têm de ganhar a sua vida por outros lados) e também apareceu o excepcional. Incluo o Rui nesta última classe, pois acho-o um artista completo (extraordinário guitarrista, uma voz expressiva e rica, e um compositor cheio de talento). O que lamento é a nossa capacidade tão portuguesa de destruir aquilo que é bom (a nossa inveja é uma doença que nos consome até á destruição total que aí vem em passo acelerado ) em vêz de acarinhar e divulgar o que há de bom nesta terra.»

Esta dupla coletânea de 40 temas foi elaborada há 16 anos, mas acho que continua bem actual, apesar do seu período englobar apenas as primeiras duas décadas da discografia de Rui Veloso. Até porque, e infelizmente, a frequência das gravações foi drasticamente reduzida desde que o novo século se iniciou. Mas estas 40 faixas, dos anos 80 e 90, são canções que fazem parte do modo de estar português e que por isso mesmo a grande maioria de nós reconhece aos primeiros acordes, não sendo necessário ser-se conhecedor ou sequer apreciador de música portuguesa. É assim a música do Rui que, apesar do título do seu segundo album, não está nem nunca estará fora de moda.

Se depois de ouvirem as músicas do Rui ainda sentirem a necessidade de o ver em cima de um palco, aconselho-vos o DVD do “Concerto Acústico”, editado no Natal de 2003. Além dos 18 temas que constituem o alinhamento do espectáculo (gravado num ambiente intimista, com algum público em redor dos músicos), o DVD inclui vários extras, como por exemplo uma entrevista informal com os músicos em casa do Rui Veloso, o making of do DVD e dois temas extras: o “Primeiro Beijo”, gravado no mesmo cenário do concerto com o acompanhamento dos Cabeças no Ar (Tim, João Gil e Jorge Palma) e toda a emoção do tema “Porto Sentido”, gravado ao vivo no Coliseu do Porto.

Para quem queira aprofundar conhecimentos, existe já publicada uma biografia, “Os Vês Pelos Bês” (edição Prime Books, Novembro 2006), da autoria de Ana Mesquita, uma conterrânea mais nova do Rato. Dos diversos depoimentos inseridos na contra-capa do livro, permito-me destacar o de João Gil : «Cresceu ao ponto de conseguir ultrapassar as exibições de virtuosismo e alcançou a capacidade de espaçar, procurando sempre a melhor nota, sem se preocupar tanto com a velocidade. Ou seja, em vez de dar as cinquentas notas do cardápio, escolhe apenas duas. Duas notas tão intensas, tão expressivas, que nelas se resumem as vidas de todos nós.»

DISCOGRAFIA (ALBUNS ORIGINAIS):

1980 - Ar de Rock

1982 - Fora de Moda

1983 - Guardador de Margens

1986 - Rui Veloso

1988 - Rui Veloso ao Vivo (duplo)

1990 - Mingos & Os Samurais (duplo) (2CDs+ DVD do Concerto no Coliseu de Lisboa)

1992 - O Auto da Pimenta (encomenda da Comissão dos Descobrimentos)

1995 - Lado Lunar

1998 - Avenidas

2003 - O Concerto Acústico (duplo)

2005 - A Espuma das Canções (CD+DVD)
2009 - Rui Veloso ao Vivo no Pavilhão Atlântico (CD+DVD)
2012 - Rui Veloso e Amigos

PETER GREEN: "SAME OLD BLUES"

Peter Green (born Peter Allen Greenbaum, 29 October 1946, in Bethnal Green, London) is a British blues-rock guitarist and founder of the band Fleetwood Mac. A figurehead in the British blues movement, Green inspired B. B. King to say, «He has the sweetest tone I ever heard; he was the only one who gave me the cold sweats.» Eric Clapton and Jimmy Page have both lauded his guitar playing as well. Green's playing was marked with a distinctive vibrato and economy of style. Though he played other guitars, he is best known for deriving a unique tone from his 1959 Gibson Les Paul - a result of the magnet of his guitar's neck pickup being accidentally reversed to produce an 'out of phase' sound. The Les Paul would come to be referred to as Green's "magic guitar" but Green told Guitar Player in 2000 that «I never had a magic one. Mine wasn't magic...It just barely worked.» Green was ranked 38th in Rolling Stone magazine list of the "100 Greatest Guitarists of All Time" (in Wikipedia)

This double CD set reunites the essential songs Peter Green recorded in his first comeback after being diagnosed with schizophrenia in the early seventies (he spent all the mid seventies in treatments and inside a psychiatric institution in London). After 6 albums ("In the Skies", 1979; "Little Dreamer, 1980; "Whatcha Gonna Do?, 1981; "Portrait", 1981; "White Sky", 1982 and "Kolors", 1983), he suffered a relapse and went down again, until 1990.

Os 2 Albuns de ANTÓNIO VARIAÇÕES

Edição original em LP EMI Valentim de Carvalho 3VCLP 10040

(PORTUGAL, 1983)

A vida e obra de António Variações (nascido António Joaquim Rodrigues Ribeiro) seguem a tendência apoteótico-apocalíptica de muitas das grandes figuras mediáticas do século XX: um período de intensa visibilidade pública acompanhado de um furor criativo tão meteórico quanto fugaz. António actualizaria, à sua maneira, o mito do artiste maudit, subtraíndo porém a esta matriz o lado sombrio da incompreensão alheia e da genialidade solitária. De facto, desde cedo a sua aparição mediática foi bem acolhida pelo público português, tanto na excentricidade da sua persona artística como na estranheza refrescante e vanguardista da sua música. Por outro lado, como António nunca recebera uma educação musical formal, o seu talento e musicalidade inatos não teriam florescido sem a colaboração de uma hoste de músicos de renome, seus contemporâneos, que o ajudariam a moldar o som entre Braga e Nova Iorque. A sua visão musical manifestar-se-ia, assim, sem par no panorama musical português. A profunda originalidade da síntese que efectuou entre música popular ligeira, folclore, fado e o pop/rock internacional – síntese profundamente pós-modernista – continua a suscitar interesse. A actualidade dessa visão justifica o interesse renovado com que se volta regularmente à sua obra enquanto referência central da música portuguesa. Variações deixou um acervo considerável de registos áudio não editados em cassetes de gravação caseira, que tem sido apreciado por novos artistas como forma de honrar a sua obra, ressuscitando-a no presente. A confirmar esse entusiasmo recorrente estão, por exemplo, as incontáveis versões dos temas mais populares, nomeadamente, "Canção de Engate" e "Estou Além"; os cinco temas originais editados em 1989, na voz de Lena d'Água com o álbum "Tu Aqui"; o projecto Humanos (2004); e, mais recentemente, a edição do inédito "Parei na Madrugada"(2014) pelo grupo OqueStrada. O teste do tempo tem recuperado e dignificado Variações como um dos talentos maiores da música popular portuguesa do século XX. 

António nasce em Dezembro de 1944, no lugar de Fiscal, concelho de Amares, distrito de Braga. Aos 12 anos parte para Lisboa, fascinado pelas estrelas do mundo da música e do espectáculo, e, já possivelmente, acalentando o sonho de um dia se tornar uma delas. Desempenharia vários ofícios, de marçano a escriturário, antes de cumprir serviço militar em Angola; regressado de Angola decide procurar outros destinos, alargar horizontes, partindo rumo ao estrangeiro, tendo Londres como primeiro destino, onde reside durante alguns anos e onde aperfeiçoa a língua inglesa; em 1976 regressa a Portugal por pouco tempo e parte novamente à descoberta, desta feita para Amsterdão. O relativo desconhecimento em relação à substância das suas estadias no estrangeiro permite porém adivinhar o contacto de António com elementos da cultura artística e musical que se vivia além-Pirinéus e, por meio dessa Europa, com o Mundo. É no estrangeiro que aprende o ofício que o viria a sustentar depois do regresso a Portugal, o de barbeiro. Pouco depois do seu regresso a Lisboa abre o seu próprio salão unissexo, intitulado P'ró Menino e P'rá Menina, frequentado por uma clientela em sintonia com as novidades do estilo e da moda mais arrojadas de então. António integra a pequena elite cultural e artística que começa a desenvolver, num Portugal ainda provinciano, sintomas de uma Europa desenvolvida, culta, civilizada e aberta ao mundo.

Edição original em LP EMI Valentim de Carvalho 1775151

(PORTUGAL, Março de 1984)

Essa elite começa a alterar a vida cultural da cidade a partir de pólos hoje míticos, como o Trumps, inaugurado em 1980 – verdadeira rampa de lançamento da carreira musical de António e ponto de encontro de vários notáveis do mundo das artes, da televisão e da música – bem como o Frágil, aberto em 1981, num bairro de má reputação que se viria a transformar no território por excelência do cosmopolitismo vanguardista deste período. O início dos anos 80 assistiu a uma verdadeira revolução de costumes, que se introduziu através da movida nocturna lisboeta, abrindo efectivamente a atmosfera provinciana da cidade a ventos de mudança. António e o seu espírito iconoclasta estiveram na linha da frente desta mudança radical que deu novos mundos ao pequeno mundo português – relativamente intocado, na sua essência, pela revolução de 1974. O período entre 1981-84 corresponde ao desenrolar, breve mas intenso, da carreira de António Variações, catapultada pela sua aparição televisiva no Passeio dos Alegres de Júlio Isidro (1981), e finalmente consolidada através da edição do seu primeiro álbum "Anjo da Guarda" (1983), vários anos depois de assinado o contrato com a editora Valentim de Carvalho. O seu desaparecimento prematuro, em 1984, deixou pelo caminho uma carreira musical que se afigurava promissora.

É já no leito de morte que António recebe a notícia da edição do segundo álbum "Dar e Receber" – edição que viu a luz do dia por insistência do próprio António, uma vez que a editora EMI pretendia adiar a edição devido à sua doença. Nem por isso a sua memória se desvaneceu, em grande parte fruto das homenagens e revisitações feitas à sua obra por vários vultos da música portuguesa durante as décadas seguintes, movimento que continua ainda hoje. A sua memória permanece no ouvido dos portugueses de todas as gerações, o que atesta bem a intemporalidade da sua música e dos seus textos. António, visto à distância de 30 anos, surge inevitavelmente como um dos pais fundadores da música pop/rock portuguesa contemporânea. O rótulo é, apesar de tudo, redutor e trai o ecletismo e a riqueza inovadora das canções que nos deixou. O seu fantasma paira sobre a música portuguesa, como elemento de ligação entre um Portugal profundo e ancestral – eventualmente perdido – e uma modernidade cosmopolita em cujo seio conquistou a pulso um lugar seguramente merecido. António não estava à frente do seu tempo. António estava no seu tempo e conseguiu mostrá-lo de forma fulgurante.

Fernando Conde, Maio de 2014

(Revisto por Jaime Rodrigues Ribeiro, Herdeiro e representante dos Herdeiros de António Variações)

BRUCE SPRINGSTEEN: "Nebraska"

Original released on LP Columbia QC 38358

(US 1982, September 20)

There is an adage in the record business that a recording artist's demos of new songs often come off better than the more polished versions later worked up in a studio. But Bruce Springsteen was the first person to act on that theory, when he opted to release the demo versions of his latest songs, recorded with only acoustic or electric guitar, harmonica, and vocals, as his sixth album, "Nebraska". It was really the content that dictated the approach, however. "Nebraska"'s ten songs marked a departure for Springsteen, even as they took him farther down a road he'd already been traveling. Gradually, his songs became darker and more pessimistic, and those on "Nebraska" marked a new low. They also found him branching out into better developed stories. The title track was a first-person account of the killing spree of mass murderer Charlie Starkweather. (It can't have been coincidental that the same story was told in director Terrence Malick's 1973 film "Badlands", also used as a Springsteen song title.) That song set the tone for a series of portraits of small-time criminals, desperate people, and those who loved them. Just as the recordings were unpolished, the songs themselves didn't seem quite finished; sometimes the same line turned up in two songs. But that only served to unify the album. Within the difficult times, however, there was hope, especially as the album went on. "Open All Night" was a Chuck Berry-style rocker, and the album closed with "Reason to Believe," a song whose hard-luck verses were belied by the chorus - even if the singer couldn't understand what it was, "people find some reason to believe." Still, "Nebraska" was one of the most challenging albums ever released by a major star on a major record label. (William Ruhlmann in AllMusic)