Momentos grossos

Este post es casi un post pop (ja, pronuncien eso en voz alta). Seguramente habrán visto en programas de televisión o en Youtube, algunas compilaciones sobre grandes momentos del cine, esos momentos que están grabados en nuestra memoria como la despedida de Ilsa y Rick en Casablanca, la famosa frase "Luke, I am your father" de Star Wars, o el parlamento de Scarlett O'hara después de arrastrarse para comer una zanahoria del piso (este particularmente me pone la piel de gallina cada vez que lo veo). Son momentos pop, vistos, remixados, revisitados, analizados y disfrutados hasta el hartazgo por el público. 

Hoy no quería hablar de esos momentos en el cine, sino en la literatura. Los que adoramos leer tenemos esos libros que, sobre todo en la adolescencia, hemos leído miles de veces y hemos sentido, tantas otras miles de veces, el mismo escalofrío, la misma emoción al leer esas frases que se acercan, por alguna razón, a lo más profundo de nuestro imaginario, nuestras ilusiones, nuestro ser. 

Así que hoy, el post de La Covacha será interactivo. Yo voy a contarles cinco de esos momentos grossos que me vuelven loca cada vez que revisito un libro y uds. covacheros, nos cuentan qué escenas o frases de sus libros favoritos les vuelan la cabeza. Acá van los míos y las razones por las cuales me emocionan:

1-"El universo (que otros llaman Biblioteca) se compone de un número indefinido, y tal vez infinito, de galerías hexagonales..." de "La biblioteca de Babel" del libro Ficciones, de Jorge Luis Borges. La primera vez que leí esa frase fue como si algo se me cayera encima y me partiera la cabeza: por fin había encontrado alguien para quien los libros eran el universo.

2-"Navidad sin regalos no es Navidad" grita Jo  March en el comienzo de Mujercitas de Louisa May Alcott. Furiosamente lejos de la cita anterior, pero tan cercana en mis inicios literarios que no puedo dejar pasarla. No es la "gran literatura" pero sí la literatura de mis inicios, y por eso la adoro.

3- "Niño de cuatro años vestido de raso de algodón color encarnado. Esclavina cubierta de un plegado que figura como olas ribeteadas con un encaje blanco. Las venas y los tallos son de color marrón dorados, verde mirto o carmín", del cuento "El retrato mal hecho" de Silvina Ocampo. No puedo decirles por qué, porque les arruinaría el cuento, leánlo y verán que es uno momento muy grosso.

4- "El futuro es nuestro, por prepotencia de trabajo. Crearemos nuestra literatura, no conversando continuamente de literatura, sino escribiendo en orgullosa soledad libros que encierran la violencia de un "cross" a la mandíbula", del Prólogo a Los Lanzallamas de Roberto Arlt. Magnífico manifiesto literario de un gran escritor marginal. Los que me conocen saben que lo adoro y que esta frase en particular me pone la piel de gallina.

5- "Y si dejara de soñar contigo, ¿dónde supones que estarías?" le preguntan a Alicia en Tras el espejo de Lewis Carroll en su fabulosa historia para niños que fue capaz de preanunciar el surrealismo y que nos genera una extraña sensación de irrealidad que creo que ningún otro autor ha sabido igualar.

He aquí mis cinco favoritos, seguramente hay más. ¡Vamos, anímense a covachear!

La Covacha recomienda: El hombre de al lado

Todavía en cartelera en algunos cines, El hombre de al lado es una película argentina que no pueden dejar pasar. Dirigida por Gastón Duprat y Mariano Cohn, la película nos cuenta la historia de Leonardo un arquitecto super cool de La Plata y su encuentro con Víctor, un vecino grasa que vendrá a poner en juego la identidad de Leonardo.

La historia es sencilla. Leonardo vive en  una casa con historia, la casa Curutchet, diseñada por el arquitecto Le Corbusier, ubicada en la ciudad de La Plata. Leonardo es un tipo cool (si viviera en Capital, seguramente tendría su casa en Palermo), que está en la cresta de la ola del diseño, habla varios idiomas, da clases en la universidad, tiene amigos refinados, una mujer que da clases de yoga, una hija con una habitación "de diseño", una mucama que habla con tonada paraguaya. En esta vida tan perfecta aparecerá Víctor, un vecino que solo quiere "un cachito de sol". El problema es que Víctor busca su cachito de sol haciendo una ventana en la pared medianera de la casa, lo cual está prohibido por la ley. De ahí en más, cada escena servirá para desentrañar no la relación entre un tipo "de diseño" y uno "grasa" sino la personalidad de Leonardo, oculta tras múltiples capas de barnices brillantes. "¿Quién es Leonardo?" es la pregunta de la película y, les aseguro, que el final la responde con increíble eficacia.

Nada es casual en la película: desde las remeras que usa la sirvienta hasta las frases silenciadas, miradas, planos excesivamente cercanos, juegos de luces, todo habla en la pantalla, y en ese sentido es una obra maravillosa de ver para el espectador, uno construye con la obra, sin que los directores te dejen en banda buscando respuestas a preguntas que no se hicieron. 

Pero lo central de la película, sin dudas, son los actores. Rafael Spregelburd y, sobre todo, el increíble Daniel Aráoz componen a sus personajes desde la piel y se sacan chispas en la pantalla. Víctor (Áraoz) es un hombre de pocas palabras pero absolutas, cada una de ellas lo define. Leonardo (Spregelbrud) es un hombre de demasiadas palabras y un acto que lo define por completo.

Queda recomendada, entonces. Sé que ya se puede bajar, ver on-line o comprarla pirateada, pero si pueden, vayan a verla al cine, esta película lo merece. El Gaumont-Espacio INCAA0km, si están en Capital o alrededores (?), cobra la entrada a 8 $, es una entrada regalada para ver tan buena y recomendable película.  Vayan a verla, no van a salir defraudados, palabra de covachera.

Ufa, no puedo hacer que quede bien :(

Dos películas (un post un poco bolchevique)

Con una diferencia de tres años, pero con un éxito a nivel mundial y una temática similar, Inglaterra produjo dos películas más que interesantes: Full Monty y Billy Elliot. Como creo que la mayoría ha visto estas dos películas, hoy quería señalarles algo que siempre que las veo pasa por mi cabeza.

Ambas películas tienen como trasfondo la gran crisis económica inglesa de fines de los '70 y principios de los '80 en el sector de la industria metalúrgica y la minería. Ambas películas hablan sobre los sindicatos, los subsidios de desempleo, la búsqueda de un nuevo empleo, de cómo esa situación afecta sobre todo a los  hombres y qué les hace sentir con respecto a "lo masculino". Y ambas películas ofrecen un punto de vista sobre cómo se resiste a esa situación. Hacia ese punto voy.

En Billy Elliot, la salida es claramente individual. Uno de la familia, uno solo, un privilegiado por poder transmitir su dolor a través del arte, puede escapar a la situación. Al padre y al hermano de Billy los espera la traición del sindicato y un ascensor (más bien, descensor) que los lleva de nuevo a la mina y a enterrarse en vida. Uno ha escapado. Solo uno.

En The Full Monty, la posición es claramente otra. Hay un líder que organiza, los alienta, los prepara, es el que sabe, en términos políticos es la vanguardia. En la escena final, esa vanguardia, justo en el momento del Full Monty se asusta y decide no salir. Lo extraordinario de la película es que el grupo lo mira y dice "Ok, no vengas, no importa, nosotros vamos por el Full Monty" y salen, sin el líder, ya organizados a hacer el show de sus vidas (luego Gus se sumará a ellos, pero no importa, ellos salieron solos, gracias al líder y sin él).

Lo que quiero decir es que si bien ambas película son lindas y emocionan cada una a su manera, Full Monty va más de acuerdo a mis ideas: si solo se salva uno, si solo escapa uno y los demás quedan no sirve. O todos o ninguno. O nos organizamos o somos derrotados. Y si la vanguardia se asusta y no está a la altura, no importa, tomaremos el cielo por asalto igual. Y que vengan a echarnos.

Películas para chicos grandes

Hace muchos años la animación dejó de ser cosa de chicos. Reformulo: hace ya muchos años la animación dejó de dirigirse al público infantil, al menos aquella animación que no provenía de Hollywood. Si bien Disney, en mi opinión, es muy cuestionable en ciertos mensajes que le legaron a los “bajitos”, sus argumentos estaban claramente encaminados para menores de edad. Pero del otro lado del charco las historias animadas se fueron haciendo más complejas y para un público más variado. En Japón el animé empezó a atrapar a niños, a jóvenes y a adultos, y cuando llegó a occidente tuvo el mismo efecto. Tal fue el caso de Robotech, serie con base japonesa, pero comprada y capitalizada por un productor de Estados Unidos (Carl Macek le compró los derechos a Chō Jikū Yōsai Makurosu), que supo mantener la esencia del animé japonés y contaba, en un marco de un futuro donde desbordaba la ciencia ficción, las aventuras de combates, invasiones de alinígenas, personajes temibles y entrañables, con el marcado protagonismo de Rick Hunter, fachero (?) e  histérico si los hay, que no se decidía entre el amor de Lynn Minmei o Lisa Hayes. El paso de Heidi a Robotech fue abismal. Claro, no había visto el resto del animé que provenía de Japón. Hasta que de pronto, me topé con Cobra, un animé que traía una cantidad inusitada de imágenes sexuales, muy eróticas, en manos de un protagonista rebelde, inescrupuloso y apuesto pirata intergaláctico. Años después me enteré que el creador, Osamu Dezaki, se inspiró en un personaje de Jean Paul Belmondo. Y el animé japonés finalmente invadió las pantallas occidentales con todos lo animé que conocemos trayéndonos mucho más que animación: excelentes historias.

En los últimos tiempos la archiconocida productora Pixar se encargó de darle una vuelta de rosca a la animación hollywoodense, más precisamente a Disney y nos deleitó con obras magistrales, entre ellas Bichos (a.k.a A Bug's Life), Toy Story, Finding Nemo, Monster Inc, Wall-E, y a pesar de que Disney la compró en 2006, Pixar siguió demostrando su gran capacidad para contar historias, que pareciera que son para chicos, que los chicos disfrutan, pero que tienen muchos mensajes y contenidos para adultos.

Para adultos también empezó a animar Tim Burton. En su primer corto, Vincent, se ven las intenciones de Burton de animar con un trasfondo más oscuro, como lo hace con Nightmare Before Christmas y Corpse Bride, por poner un par de ejemplos.

Hayao Miyazaki siguió haciendo su magia japonesa para maravillarnos con películas como El viaje de Chihiro, El increíble Castillo Vagabundo, Mi vecino Totoro, La princesa Mononoke, Ponyo en el Acantilado y otras grandes obras, películas que conmueven y movilizan los corazones de los adultos, además de los jóvenes.

Muchas películas animadas son realizadas especialmente para adultos, provienen de distintos lugares del mundo, y están desarrolladas con diferentes técnicas de animación. A modo de recomendación vamos a pasar por algunas de ellas:

Mary and Max, es una comedia de humor negro, de origen australiano, animada en stop-motion, técnica que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos capturando fotografías. La película está basada en una historia real, sumamente conmovedora, de una niña de 8 años Mary, que vive Melbourne (Australia), quien construye una relación de amistad epistolar con Max, un obeso mayor de edad, que sufre el Síndrome de Asperger, y que vive New York. Las voces de los famosos Philip Seymour Hoffman, Eric Bana, Toni Collete y Barry Humprhies coronan esta obra de arte.

Persépolis, película de origen francés, nos cuenta de una manera impecable y bella, la vida autobiográfica de Marjane, una niña iraní que crece en pleno fundamentalismo islámico, desde la revolución islámica hasta nuestros días. Cuando los fundamentalistas toman el poder forzando a las mujeres a llevar velo y encarcelando a miles de personas, Marjane se hace adolescente, descubre el punk, ABBA y a Iron Maiden, mientras vive el terror de la persecución del nuevo gobierno y la guerra de Irán e Irak. Para preservarla sus padres la envían a Europa, donde puede comparar otras culturas, otras religiones, a cambio de experimentar la soledad. La animación es muy simple, dibujos basados en la historieta autobiográfica homónima, novela gráfica, escrita e ilustrada por Marjane Satrapi. Cabe destacar además el bellísimo Soundtrack.

Renaissance, coproducción de Francia, Reino Unido y Luxemburgo. En un futuro postapocalíptico, en la distópica París de 2054, los movimientos son monitorizados, grabados, y controlados por una poderosa empresa, Avalón, que promete juventud y belleza. La técnica utilizada es la de captura de movimiento y computación gráfica, que consiste en capturar a través de ropas los movimientos de los actores, y luego las escenas son digitalizadas y trabajadas con técnicas de 3D y efectos especiales de postproducción para lograr la apariencia final. El film íntegro es en blanco y negro.

Waking Life, de origen estadounidense. El título hace referencia a la máxima de Jorge Santayana:"sanity is a madness put to good uses; waking life is a dream controlled" , en español: "la cordura es una locura que se usa para bien; la vida despierta es un sueño controlado". Es un film animado mediante la técnica de rotoscopia: la película fue filmada completamente en video digital para luego ser editada por un grupo de artistas mediante el uso de computadoras. La técnica permitió dibujar líneas estilizadas y colores a cada fotograma, acompañando la historia del personaje central que vive soñando o sueña despierto, viviendo en un estado permanente de sueño lúcido en donde lo onírico se mezcla con la realidad y se cruzan reflexiones profundas con charlas superfluas, y se tocan temas trascendentales desde la filosofía, el existencialismo y  las relaciones interpersonales.

The Secret of Kells, bellísima película irlandesa, con increíbles dibujos, llenos de detalles y colores muy originales, pero que me recuerdan a libros de cuentos infantiles de los setenta, que nos narra la historia de Brendan, un joven monje de 12 años, que vive en una remota abadía fortificada de Kells, en la Irlanda del siglo IX. Con los otros hermanos ayuda a construir una muralla para proteger la abadía de los asaltos de los vikingos, hasta que comienzan las aventuras cuando llega un maestro a la abadía con un mágico libro por acabar. También se destaca la banda sonora.

The Fantastic Mr. Fox, película estadounidense, que llega de la mano de Wes Anderson, con un repertorio de lujo en las voces George Clooney, Meryl Streep, Jason Schwartzman, Bill Murray, Michael Gambon, Willem Dafoe, Owen Wilson, entre otros. El film esta basado en el libro homónimo best-seller para niños de Roald Dahl (pero insisto que no es para niños) y utiliza técnica de la animación de toma fija para narrar la historia, que según dice la sinopsis, trata de la vida correcta de El Sr. Fox y su familia, que luego de doce años de tranquila vida doméstica, la existencia bucólica resulta demasiado para los instintos animales del Sr. Zorro, que ansía regresar a su vieja vida como un taimado ladrón de gallinas y al hacerlo pone en peligro, no solo a su amada familia, sino también a toda la comunidad animal. Atrapados bajo de la tierra, sin alimento suficiente para repartir, los animales empiezan por unirse para luchar en contra los malvados granjeros (Boggs, Bunce y Bean) quienes están determinados a capturar al audaz Sr. Zorro a cualquier precio. Excelente y original animación para una genial historia. Mucho humor y buena música.

Les triplettes de Belleville (a.k.a. Las trillizas de Belleville), brillante film francés, obra del dibujante e historietista francés Sylvain Chomet. Los dibujos son únicos, muy originales, y la historia se describe a través de ellos. Casi sin diálogos, sólo color, ritmo, canciones de jazz, y mucha magia, el film nos narra sin voces las desventuras de un ciclista, la lucha de su abuela Madame Souza que sigue su pista, con la compañía de un perro torpe y soñador, Bruno. En Belleville se encontrarán con las trillizas, un trío de avejentadas hermanas musicales, encantadoras y  jóvenes de espíritu. Increíble película que en su estética no puede ser más francesa (y ya saben que los prejuicios sobre el cine francés me los dejan en la mesa de entrada).

Hay más películas animadas de las que quisiera contarles, pero ya es la hora de la leche  (chocolatada) y se me está haciendo tarde para ver los dibus. ¿Será que yo no crezco?
Esto es to to to dooo amigos.

La Covacha Recomienda: La Agrado

De la maravillosa película Todo sobre mi madre de Pedro Almodóvar, quería rescatar en dos videítos ese personaje increíble que es la Agrado de Antonia San Juan. Travesti interpretado por una mujer (uno de esos tantos giros de Almodóvar), la Agrado es uno de esos personajes secundarios que se roban por completo una película y opacan a estrellas como por ejemplo, la tonta de Penélope Cruz. Si no vieron la peli, véanla, una de las más hermosas de Almodóvar. Si la vieron, entonces ya saben quién es la Agrado y por qué la estoy recomendando.

Este video es el del famoso monólogo de la Agrado en donde declara su autenticidad.

Y en este video, Antonia San Juan y Marisa Paredes se sacan chispas en términos de actuación. Véanlo y mátense de risa.

Alicia, Matrix y su relación con el cuerpo

La Alicia de Carroll ha inspirado, a lo largo de los años, muchísimas creaciones artísticas: desde pinturas, poemas, hasta video clips. Sin embargo, lo que encuentro más interesante es la versión post moderna de Alicia en el País de las Maravillas: The Matrix.
Más allá de las similitudes que aparecen en las tramas, es interesante, ver las similitudes que pueden encontrarse desde lo psicológico.
Para eso, hablaremos de ambos films y su relación con el cuerpo y cómo está concebido.

En matrix Neo se nos aparece como un objeto más, desechable, entre todos los objetos que lo acompañan en el cuarto en dónde está. Un objeto solitario, que no hace lazo social con nada, está aislado. Esto lo mantiene lejos de ser un Sujeto de Deseo. Es simplemente un agente más del Discurso Capitalista. Sin embargo, es la entrada de Trinity con su ‘Despierta Neo… sigue al conejo blanco’ lo que lo orienta hacia lo que realmente debe hacer. Es ahí cuando el sale del lugar del UNO, del Elegido, para introducirse en el lugar de sujeto al seguir ‘el deseo del otro’, en este caso Trinity.
Entonces, es aquí que se nos aparece una mujer, Trinity, creando un hombre, Neo. A partir de su aparición el logra crear un lazo, y entrar en el discurso común. Podríamos decir, que en éste punto, nace.
Es ahí que se topa con Morfeo, quien aparece como portador del Discurso de ese Otro Significativo. Es él quien ahora tiene la verdad.
Neo, a partir de aquí no deja de preguntarse Qué es la Matrix. La respuesta a esa verdad la tiene Morfeo, quien le dice en una parte ‘La Matrix es el omnivoyer, el otro que nos mira aunque no lo veamos`. Y agrega ‘Es el mundo con el que han sido vendados tus ojos para cegarte frente a la verdad, de que eres un esclavo’

Matrix es lo que el Otro Simbólico, el orden virtual, la red que estructura la realidad para nosotros. Es, sin más, el lenguaje. Nuestra realidad está estructurada en letras, palabras, cadenas de letras que representan a Matrix en las pantallas de las computadoras, el Otro como cuerpo.
Neo, en un momento dado, antes de entrar a hablar con la Pitonisa, se nos aparece mirándose al espejo y detrás suyo, aparece Morfeo, sosteniendo esa imagen.
En otra escena, tambien mirándose en el espejo, su imagen aparece fragmentada. Aquí se da un efecto de despersonalización, que le genera terror.
Luego Neo toca su imagen, y en el momento en que lo hace, se desvanece la imagen especular del espejo que cae en su imagen real. Aquí puede verse el recorrido detrás del espejo. La distancia necesaria entre lo que Neo es, y lo que cree ser, desaparece.
Por último, en un momento, vemos cómo el protagonista es castrado, [no literalmente], y dentro de un huevo - placenta, mira como su cuerpo es agujereado por Matrix.

Eso hace el lenguaje en todos nosotros. Nos atraviesa. Nos permite nombrarnos en tanto cuerpos. Nuestro cuerpo se construye desde ese lenguaje que nos estructura. Un cuerpo, conscientemente fragmentado, siempre trauma. El encuentro con lo real, diría Lacan, aterra.

Ustedes dirán qué punto de conexión tiene Matrix con Alicia, bien. En Alicia, vemos a la protagonista, sufrir varias metamorfosis: su cuerpo se agranda, se achica, etc.
En ella, el cuerpo que habla es el cuerpo de la pubertad. Los cambios que se producen en esa edad, están exagerados y son evidentes a lo largo del film.
En Alicia entonces, vemos el cuerpo real y sus cambios, en primera plana. Mientras que en Matrix es el cuerpo imaginario el que se nos aparece como real. Es decir, el cuerpo que se construye desde el lenguaje.
A Alicia, a diferencia de Neo quien va en busca de la verdad toda, la verdad única para todos nosotros, se le aparece una verdad a medias, la verdad del sinsentido, lo no dicho es lo que la guía a lo largo de su aventura.

Para terminar voy a hacer una aclaración: en el llamado ‘Estadío del espejo’ ese momento en el que, entre otras cosas, el niño al mirarse en un espejo se reconoce, y aparece otro, el otro que simbólicamente, asiente y da el ok, digamos, diciéndole al niño que sí, que quien está del otro lado del espejo es efectivamente él. En ese momento, el niño ve una imagen de su cuerpo completo, sin faltas. Pero la realidad es que a esa edad y en rigor, siempre, ningún niño puede estar completo en términos, no biológicos, sino psicológicos. Es decir, el cuerpo se le adelanta al yo [a.k.a a la conciencia] y a la capacidad interpretativa del niñito. Porque, en verdad, somos tan frágiles y vulnerables que necesitamos una de las gestaciones mas largas del reino animal, para estar listos y enfrentar al mundo. [A medias, dado que necesitamos de muchisimos cuidados durante largos años, y durante el resto de nuestras vidas necesitamos de un otro que nos contenga, no como el resto de los animales que, en su gran mayoría, al nacer ya pueden valerse por sí solos].
Es esta falsa sensación de completud, la que nos permite vivir, sin ahogarnos en un mar de angustias.
Por eso, todo lo que le pasa a Neo y tambien a Alicia, es en algún punto algo que, a otro nivel, nos pasa a todos a lo largo de nuestras vidas. Una lucha incansable entre lo que somos, lo que queremos ser, y lo que parecemos.

Sí, lo sé, es un post largo y complicado, pero me pidieron psicoanálisis, así que lean, carancho.

Cuando el sinsentido adquiere sentido

Nonsense literalmente significa "sin sentido" y es un recurso literario para incorporar el absurdo en base a palabras inventadas y del juego de palabras. Unos de los mayores exponentes del nonsense de la literatura inglesa es y fue Lewis Carroll, el mítico autor de Alicia en el país de las Maravillas y Al otro lado del espejo, y lo que Alicia encontró allí. En el segundo libro incorporó un poema, quizás el más célebre del nonsense inglés llamado Jabberwocky, título que Carroll toma del verbo "to jabber" que significa "hablar de forma incoherente".

De las distintas traducciones imposibles, porque se pierde el nonsense inevitablemente en la traducción, elegí la que aparece en la edición que tengo de Al otro lado del espejo. En inglés, a pesar del sinsentido, se respeta la estructura rítmica y gramatical de la poesía inglesa clásica.

Jerigóndor

Cocillaba el día y las tovas agilimosas

giroscopaban y barrenaban en el larde.

Todos debirables estaban los burgovos,

y silbramaban las alecas rastas.

¡Cuíudate, hijo mío, del Jerigóndor,

que sus dientes muerden y sus garras agarran!

¡Cuídate del pájaro Jubjub, y huye

del frumioso zumbabadanas!

Echó mano a su espada vorpal;

buscó largo tiempo el manxomo enemigo,

descansó junto al árbol Tumtum,

y permaneció tiempo y tiempo meditando.

Y, estando sumido en irribumdos pensamientos,

surgió, con ojos de fuego,

bafeando, el Jerigóndor del túlgido bosque,

que burbulló al llegar.

¡Zis, zas! ¡Zis, zas! ¡Una y otra vez

tajó y hendió la hoja vorpal!

Cayó sin vida, y con su cabeza

emprendió galofante su regreso.

¿Has matado al Jerigóndor?

Ven a mis brazos, sonrillante chiquillo.

¡Ah, fazoso día! ¡Cálos! ¡Calay!,

mientras él resorreía de gozo.

Cocillaba el día, las tovas agilimosas

giroscopaban y barrenaban en el larde.

Todos debirables estaban los burgovos,

y silbramaban las alecas rastas.

Luego de que Alicia leyera la versión inglesa no pudo disimular que no entendió nada [como ustedes, ahora]. Sin embargo, se ha entendido de este poema más de lo que quizás habría esperado el propio Carroll. Carroll explicó algunos de los términos del poema original, y pueden consultarlos aquí [e incluso ver otras traducciones].
El sentido que adquirió el sinsentido de estas estrofas llegó a ser muy popular y no sólo en la cultura inglesa, ya que fue traducido en muchísimas lenguas y hasta en idioma Klingon [sí, sí, los de Star Trek]. El poema fue y es fuente de inspiración para distintas obras artísticas, y sin ir más lejos, es la línea central del argumento de la actual versión de Alice in Wonderland, de Tim Burton .

Y retrocediendo unos años encontramos que uno de los genios del grupo Monty Python [especialistas del absurdo, tema que tratamos aquí], el director Terry Gilliam, hizo su propia versión en un film titulado como el poema: Jabberwocky.

También tuvo su interpretación visual a través de dibujante de los libros de Carroll [aunque Gaby me chusmeó que Carroll odiaba los dibujos de este buen hombre].

Ilustración del Jabberwocky, por John Tenniel.

La covacha recomienda: Alfred Hitchcock

Mi primera aproximación a Alfred fue en mi adolescencia: una profesora de literatura nos propuso escribir un cuento de suspenso, y para ejemplificar, nos hizo ver en el colegio una película de Hitchcock y, ‘Los 39 escalones’ (Londres, 1935), fue la elegida. Gracias a esa profesora, pude conocer a uno de los directores de cine más importantes de la historia. Ahora los invito a hacer un recorrido por su filmografía.

Si bien la primera película en la que participó fue ‘Numero 13’ (Inglaterra, 1922), su primer Film completamente acabado fue ‘el jardín de la alegría’ (Múnich, 1925), pero tiempo después dirigiría la primer película de cine sonoro de Inglaterra, ‘La muchacha de Londres’ (Inglaterra, 1929).

Diez años más tarde, visitaría con su familia los EEUU, y conocería al productor de la aclamada ‘Lo que el viento se llevó’, David Oliver Selznick, quien lo contrataría, motivo por el cual se instala definitivamente en Norteamérica.

La primera película que rueda bajo la producción de David Oliver Selznick, es la adaptación de la novela ‘Rebeca’ (1940). Dicho film obtendría 11 nominaciones al Oscar.

A ésta le seguiría ‘Foreign Correspondent’, para luego dirigir durante las siguientes tres décadas películas para Hollywood, a razón de una película por año, procurándose una aparición en cada una, sin diálogo, pero reservándose un cameo.

Algunas de las películas que siguieron fueron ‘sospecha’ (1941) y ‘la soga’ (1948), [ésta película, al igual que ‘los 39 escalones’ me parece genial], entre otras.

En 1946 crea su propia productora: Transatlantic Pictures, junto con Sidney Berstein, con quien dirige la legendaria ‘Recuerda’, film en el que participa Salvador Dalí, quien diseña y elabora los decorados de la escena del sueño. En 1954, dirige ‘La ventana Indiscreta’ con Grace Kelly, quien se convertiría en su nueva musa. [Otra película que me parece simplemente genial].

En 1960, llegaría Psicosis, con el famoso asesinato en la ducha. En 1963, ‘Los pájaros’, en 1968, año en el que recibe un Oscar Honorífico por su trayectoria, filma ‘Frenesí’ en dónde se evidencia un intento por cambiar el estilo. Su último film original fue ‘La trama’ (1976), pero lo último que dirigió fue la Remake de ’Los 39 escalones’ (1978). Finalmente muere en 1980, en su casa de Los Ángeles.

Lo que me gusta de las películas de éste director, es la manera en que utiliza el sonido; cómo la música acompaña cada escena y hasta le otorga una cuota mas de suspenso a la trama. Uno puede anticiparse e imaginar, por la intensidad de los sonidos, que clase de escena se aproxima.

Para quienes no conozcan la filmografía de Alfred, los invito a que se adentren, porque entre otras cosas, la primera película filmada en tiempo real fue ‘La Soga’ [muy parecida a lo que hoy en día se llama ‘Dogma’, son películas filmadas con una sola cámara, y con ningún o muy pocos cortes]. Película en la que dejaba una cámara inmóvil, con tomas ininterrumpidas de 10 minutos, en las que los personajes entran y salen de delante de cámara, dando una sensación de Teatro, ya que son los actores los que entran y salen de la escena.

Espero que descubran a éste genio del Cine de suspenso, y si ya lo conocen, que se hagan adictos. Después vengan, y cuenten.

La covacha recomienda: Cine para todos

Creemos  que la cultura debe estar al alcance de todos, y es por eso que en esta oportunidad vamos a recomendar una iniciativa que acerca el séptimo arte a quien quiera ir a disfrutarlo: Cine para todos exhibirá películas del cine contemporáneo argentino al aire libre, en la principales plazas/parques de la ciudad de Córdoba durante los meses de Febrero y Marzo de 2010 y la entrada será libre y gratuita. Les dejamos la programación para que los cordobeses, nativos o por opción, transeúntes y turistas, vivan el cine de una forma distinta.

• Viernes 19/02 "Japón" de Fundación La Morena - Parque de Las Naciones. 21 hs. 

• Sábado 20/02 "Derecho de familia" de Daniel Burman - Plaza de Argüello. 21 hs. 

• Viernes 26/02 "Historias mínimas" de Carlos Sorín - Plaza San Vicente. 21 hs. 

• Sábado 27/02 "El perro" de Carlos Sorín - La Barranquita. Red La Quinta. Barrio Maldonado. 21 hs. 

• Viernes 05/03 "No sos vos soy yo" de Juan Taratuto - Plaza José M. Paz. Barrio General Paz. 21 hs. 

• Sábado 06/03 "Un novio para mi mujer" de Juan Taratuto - Plaza de La Intendencia. 21 hs. 

• Sábado 13/03 "La suerte está echada" de Sebastián Borensztein - Plaza Barrio Observatorio. 21 hs. 

No se lo pierdan.

Update 19/02. La función de hoy se suspende por mal tiempo.

La Covacha recomienda: Daniel Burman

Es probable que la mayoría de nosotros frunza un poco la nariz cuando alguien le recomienda cine argentino. Lamentablemente parece ser una tradición que el cine nacional no se lleve bien con el público, salvo honrosas excepciones, generalmente sostenidas por grandes actores como Ricardo Darín o Norma Aleandro, Diego Peretti. En general, no se espera "la última peli" de tal o cual director, como puede pasar como con Tim Burton (acá estoy, babeando por Alicia) o Martin Scorsesse o Pedro Almodóvar.

Sin embargo, yo tengo un director de cine favorito, del cual siempre estoy esperando "la última peli": Daniel Burman. Representante de eso que llaman "el nuevo cine argentino", Daniel Burman suele escapar a ese tipo de películas que tienen la habilidad de ahuyentar al público argentino con sus silencios eternos, sus historias atravesadas y sus personajes inverosímiles.

Nacido en 1973, Burman tiene la hermosa habilidad de contar historias que hablan de uno mismo, del barrio donde vive o las calles que transita. No hace grandes declaraciones sobre el ser nacional, ni se reflexiona sobre los avatares del universo infinito (?). Burman apela a lo cotidiano, a lo familiar, a los gestos mínimos pero conocidos, a la búsqueda de una identidad. El cine de Daniel Burman se basa en el detalle de una sonrisa, de un ceño fruncido o de una mentira pequeña pero no por eso menos culposa. Burman tiene la habilidad de retratarse y retratarnos haciendo cine, en las películas uno llora y ríe al mismo tiempo, se enternece y putea al ver a ese "ser nacional" (multiétnico, mentiroso, vago, familiero, mimoso, laburante y vago al mismo tiempo, idealista pero con algún precio)

De sus películas, les recomiendo muchísimo (pero muchísimo, eh) El abrazo partido, hermosa película ganadora del Oso de Plata de Berlín en donde se retrata el micromundo de una galería del Once en la piel de un confundido (y pegoteado a su madre) joven de principios del siglo XXI, interpretado por Daniel Hendler. Escrita por el mismo Daniel Burman y por Marcelo Birmajer, la película es en cierto modo, un retrato sobre la construcción de la propia identidad, al tiempo que una mirada sobre la Argentina post crisis del 2001 y una divertida reflexión sobre el Complejo de Edipo. La película está actuada maravillosamente por Daniel Hendler, Adriana Aizenberg y la participación de Norman Brisky, entre otros varios actores que uno puede reconocer a través de las películas de Burman. Y, como cereza del postre, la extraordinaria escena de la carrera, con el barrio de Once completamente vacío en un domigo de invierno cuando el protagonista debe enfrentarse definitivamente a lo que más teme.

Queda Daniel Burman recomendado. Si les gusta, sigan con Derecho de familia, una suerte continuación de El abrazo partido, graciosa y tierna película con la que siempre (y la debo haber visto diez veces por lo menos) termino llorando.

Y si se preguntan cuándo sale "la última peli" de Burman les digo: saldrá en marzo/abril de este año, ya pueden verse los carteles en algunos cines. Será protagonizada por Graciela Borges y Antonio Gasalla y se llamará Dos hermanos.

El 'recocomendado' de la semana [*]

Como ya he recomendado muchas películas, directa e indirectamente en mis post de cine, hoy voy a recomendarles música, aunque no voy a alejarme demasiado del ambiente cinéfilo.

Jason Schwartzman, sobrino de Francis Ford Coppola, primo de Roman Coppola, Sofía Coppola y Nicolas Cage, es actor y músico.

Es uno de los actores que suele trabajar en las realizaciones del director Wes Anderson [como Angelica Houston, Bill Murray, y ya les conté de su trabajo en conjunto con los hermanos Wilson] ya sea coprotagonizado algunas de sus películas [The Darleejing Limited, Rushmore] o haciendo de actor secundario en otras. Lo hemos visto lucirse como el Rey Luis XVI en María Antonieta.

Los que tienen HBO, pueden verlo en la serie que protagoniza, Bored to Death [Aburrido de muerte o Mortalmente aburrido] y escucharlo, porque son suyos los temas de apertura y de cierre [la letra la hizo con el creador de la misma, Jonathan Ames]. Su última película es Funny People, que incluye en su soundtrack un par de canciones suyas. Para seguir conociendo su amplia filmografía sigan el link con su nombre.

Su proyecto como solista se llama Coconut Records y ha lanzado dos discos de indie pop / rock. El albúm debut,  Nighttiming [2007] cuenta con la colaboración de la banda Incubus y de las actrices Zooey Deschanel y Kirsten Dunst. En el segundo disco, Davy [2009], colabora nuevamente Zooey Deschanel.

Jason Schwartzman interpreta varios de los instrumentos que se escuchan en sus discos [guitarra acústica, piano, batería, entre otros].

Evalúen por ustedes mismos. Que lo disfruten.

Nighttiming [Nighttiming]







Microphone [Davy]

[*] Sólo para entendidos (?).

Humor for export

Hace un poco más de 40 años debutó en la BBC el grupo cómico Monty Python en la serie de televisión Monty Python's Flying Circus. Esta serie, El circo ambulante de Monty Python, estaba realizada en formato de scketches, obviamente humorísticos, muchos de ellos musicales, de gran contenido crítico social, donde el surrealismo absurdo hacía gala. El sentido del humor sinsentido de estos señores es magistral y universal.

Conozcamos del sexteto en cuestión un poco de su trayecto dentro y fuera de su trabajo en conjunto. Esta mítica formación estaba integrada por:

Eric Idle, actor, escritor y el músico del grupo, a quien hemos visto, además de las películas que llegaron al cine de Monty Python, en Las Aventuras del Baron Munchausen, interpretando a Berthold, el hombre que corría a gran velocidad, ¿se acuerdan? [si no la vieron, ¿qué están esperando?] y haciendo de malo nabo en Casper, por nombrar algunas.

Michael Palin, escritor y actor, quien participó en película Los enredos de Wanda [A Fish Called Wanda, a.k.a. Un pez llamado Wanda], popular comedia británica-estadounidense de fines de los 80, junto a Kevin Kline y Jamie Lee Curtis. Dentro de su amplia filmografía tuvo una participación como actor secundario en la fantástica Brazil.

John Cleese, productor, escritor y actor, quien trabajó en la mencionada Los enredos de Wanda, y escribió y protagonizó Criaturas Feroces [Fierce Creatures] con la dupla Curtis-Kline, y su compañero de Monty Python, Micael Palin. Tiene una extensa carrera fílmica. Como curiosidad les cuento que fue la voz del Rey de Shrek 2 y Shrek the Third y que lo hemos visto de fantasma en la saga de Harry Potter personificando a Nick Casi Decapitado.

Terry Gilliam, el único nacido en EE.UU, actor, escritor y gran director de cine, de películas que, para mí, son inolvidables: la ya dicha fantástica, satírica y distópica Brazil, la genial Twelve Monkeys [a.k.a. Doce monos], la nombrada The Adventures of Baron Munchausen, entre otras grandes realizaciones. De más está decir que espero ansiosa el estreno de The Imaginarium of Doctor Parnassus [a.k.a. El imaginario del Doctor Parnassus], película póstuma de Heath Ledger.

Terry Jones, actor y director, quien dirigió La vida de Brian [a.k.a. Life of Brian] brillante obra del cine de Monty Python, hilarante crítica a las religiones, que trata de la vida, de qué más sino, de Brian, por cierto, un personaje que nace el mismo día que Jesús y que es confundido con el mesías, y junto a Terry Gilliam codirigió  Monty Python and the Holy Grail [a.k.a. Los caballeros de la mesa cuadrada - igualito el título ¿no?], una disparatada versión del mito de Rey Arturo,  y The Meaning of Life [a.k.a. El sentido de la vida], la última de las tres películas del grupo cómico, pero ésta en formato de scketches. También dirigió y escribió Eric El Vikingo, que protagonizó Tim Robbins, entre otros films.

Graham Chapman, actor y escritor, quizás fue el más gracioso de todos,  quien murió poco antes del aniversario número 20 del grupo. Fue quién protagonizó las dos películas de Monty Python. En su funeral se cantó la canción que con la que finaliza La vida de Brian, que él mismo había compuesto.

Aquí tienen una muestra de su característico humor en uno de los scketch que compone El sentido de la vida.

Estos genios del humor fueron unos visionarios. Nos dieron un término que es muy popular en la actualidad, y que ha trascendido su idioma de origen. Como todos sabemos, el Spam es el correo no deseado, basura, no solicitado, que llega por estrategias de marketing poco amigables. ¿Pero qué tienen que ver los cómicos con esto? El Spam  [acrónimo de "Shoulder of Pork And haM": Hombro de Cerdo y Jamón] es una variedad de carne en lata elaborada por la empresa Hormel Foods Corporation, que era el alimento de los soldados en la Segunda Guerra Mundial, lata que venía con ese odioso anillo que oficia de abrelatas [ese que nunca funciona]. Monty Python empezó a burlarse de la lata de carne, y el grito de "spam, spam, spam" en distintos tonos burlescos, en diferentes gags, se fue popularizando y asociando con un contenido negativo y el resto del uso de la palabra es historia. Vean por ustedes mismos.

Hay mucho material de Monty Python a los que podemos acceder. Cuando era chica vi sus  películas en la televisión, pero gracias a la tecnología ahora podemos alquilarlas o coleccionarlas en dvd,  o encontrarlas en la web, como así también episodios de Monty Python's Flying Circus, que de otra forma no hubieran llegado a nosotros.  Y para el deleite de sus seguidores, con motivo de su aniversario número 40, ellos se reunieron y realizaron el documental Monty Python: Almost the Truth - The Lawyers Cut, [Los Monty Phyton: Casi la verdad], dedicado al fallecido Graham, que repasa la trayectoria del grupo, con anécdotas y secretos casi revelados. Una joyita que por estos días están dando en el cable. No se lo pierdan.

Los hermanos sean unidos

En mi post anterior hablamos de las colaboraciones en el cine, tema que vamos a retomar en este instante, pero tomando como denominador común a los hermanos.

La historia del cine comienza justamente con dos hermanos, los emblemáticos hermanos Lumière, Louis y Auguste, los padres del cine [sonó un poco incestuoso, ¿no?], creadores del cinematógrafo.

Como ya dijimos, las colaboraciones de grandes talentos a veces exprimen al máximo sus capacidades, cuando encuentran afinidad para trabajar juntos.
Quizás el parentesco de hermanos, hace que estás colaboraciones sean más cómodas y que del conocimiento mutuo se puedan aprovechar cualidades que se saben de antemano, se me ocurre.

Hay hermanos muy conocidos en la industria del séptimo arte, que con sólo nombrarlos se puede deducir qué tipo de films hacen: los hermanos Wachowski [Larry y Andy] son reconocidos por la trilogía de The Matrix y  por películas que combinan magistralmente la acción con la ciencia ficción, brindándonos imágenes únicas [V for Vendetta, a.k.a. V de Venganza, Speed Racer, a.k.a Meteoro].



Los hermanos Coen [Joel y Ethan] tienen un estilo muy original, a veces oscuro, a veces bizarro, tanto para sus increíbles thriller [Fargo, No Country for old man, a.k.a. No es país para viejos, The man who wasn't there, El hombre que nunca estuvo allí, a.k.a.] como para sus inteligentes comedias [Raising Arizona, a.k.a. Educando a Arizona, The Big Lebowski, a.k.a. El gran Lebowski, Burn after reading, a.k.a. Quémese después de leer].

Los hermanos Farrelly [Peter y Bobby] son afamados por realizar comedias políticamente incorrectas, quienes le dieron un toque particular al género de comedias "románticas" del país del norte [There's something about Mary, a.k.a. Loco por Mary, Me, myself & Irene, a.k.a. Irene, yo y mi otro yo, Dumb and Dumber, a.k.a. Tonto y retonto].

Estos hermanos colaboran tanto en la escritura del guión, como en la dirección, además de producir el film. En el caso de estos últimos, a veces la colaboración de uno es en la producción, mientras el otro dirige.

Hay otras colaboraciones de hermanos, quizás no tan conocidas, como es el caso de los hermanos Nolan. Christopher Nolan [director de Batman Begins, a.k.a. Batman inicia] alcanzó la fama gracias a la excelente película Memento, basado en un cuento corto de su hermano Jonathan, Memento mori [en latín: recuerda que eres mortal], con quien hizo la adaptación del relato para la película. Desde ahí Jonathan es colaborador habitual en los guiones de las películas de Christopher [The Dark Knight, a.k.a. Batman: el caballero de la noche, The Prestige, a.k.a. El gran truco].

El cine, en su generosidad hollywoodense, también nos ha presentado a los hermanos Wayans [Keenen Ivory, Marlon y Shawn], que podrían considerarse la versión primermundista de Pablo y Pachu [y le sumemos a Freddie], quienes han hecho la saga de Scary Movie [dirección de Keenen Ivory, guión de Marlon y Shawn, además de sus respectivas actuaciones] entre otras. Su hermano Damon, también es actor y comediante, [principalmente de sitcom] y cuenta con algunas películas de acción en su currículum.

El director Wes Anderson, en creciente reconocimiento por sus grandiosas películas [The Darjeeling Limited, a.k.a Viaje a Darjeeling, The Life Aquatic with Steve Zissou, a.k.a. La vida acuática] ha contado con la colaboración de los hermanos Wilson, de Owen en el guión y en la actuación y de Luke en la actuación, en las películas Bottle Rocket [a.k.a Ladrón que roba a un ladrón], Rushmore [a.k.a. Tres son multitud] y The Royal Tenenbaums [a.k.a. Los excéntricos Tenenbaums].

El cine italiano cuenta con los famosos hermanos Taviani, el cine mexicano tuvo a los hermanos Alva, el cine belga se luce con los aclamados hermanos Dardenne, el cine finlandés se enorgullece con los hermanos Kaurismäki,  fundadores además del prestigioso festival de cine Midnight Sun Film Festival.

Las colaboraciones entre hermanos en el séptimo arte parecen ser muy frecuente y han dado [y esperemos que sigan dando] inolvidables películas, tanto en contenido como en calidad de imagen. Gracias a los primeros hermanos mencionados, el cine nació. ¿Qué otros hermanos conocen que hayan hecho su valioso aporte a la cinematografía?

El dúo dinámico

No, mis estimados, no voy a hablarles de Batman y Robin [aunque quizás mencione al hombre murciélago], si no de las colaboraciones, unas más conocidas que otras, de algunos artistas en la industria del cine.

Muchos de los directores de cine que admiro no trabajan solos, y muchas veces su genialidad se exprime al máximo cuando se encuentran con otros genios que colaboran con ellos. Así tenemos por ejemplo la dupla de Alejandro González Iñarritú y Guillermo Arriaga, reconocidos por la dirección de Amores perros, 21 Grams y Babel, el primero, y por los respectivos guiones originales, el segundo. Películas únicas, gracias a la suma del guionista con el director, que seguramente ya conocen, y si no las vieron, no se qué están esperando.

Cuando estos dúos se separan, o eligen caminos distintos, mucha veces son destrozados por las críticas, atribuyéndole la genialidad a uno de ellos, y buscando miles de quintas patas de gatos, porque cuando trabajaban juntos eran buenos, y solos no tanto, en vez de pensar  que juntos pueden crear algo distinto a lo que harían cada uno por su  cuenta sino ¿qué sentido tiene la suma, si va a tener el mismo resultado? Sinceramente no comparto demasiado la idea de destrozar algo que no gusta, me conformo con la indiferencia, y no me es posible pretender que la obra de dos personas sea igual a la de una sola. Sería como decir que Honorio Bustos Domecq es superior a Borges y a Bioy Casares, y que ellos solos no tienen talento, pero como la literatura excede mi misión en este blog, sigamos hablando de cine.

Otras colaboraciones se dan en la misma tarea, y así tenemos a codirectores o coguionistas, o por qué no, codirectores y coguionistas, como es el caso de Marc Caro y Jean Pierre Jeunet [volvemos a pisar suelo francés, por favor, los prejuicios sobre el cine francés deposítenlo en mesa de entrada, gracias]. Estos señores, han escrito y dirigido dos películas  altamente recomendables, que incursionan en el género de la distopía  [lo contrario a la utopía, que señala un ideal negativo, perverso] ubicado en escenarios retro-futuristas, la primera llamada Delicatessen, una descabellada y exiquisita comedia negra post-apocalíptica, y la segunda La cité des enfants perdus [a.k.a. La ciudad de los niños perdidos] un hermoso, oscuro y siniestro cuento infantil que toca el corazón de los adultos. Posteriormente Jean Pierre Jeunet, luego de su debut en Hollywood con Alien: Resurrection, y sin la colaboración de Caro, realizó la tan amada por muchos y odiada por otros Amélie [a.k.a. Le fabuleux destin d'Amélie Poulain] y es ahí donde su público se divide porque el director cambió el rumbo, y le adjudican la visión estética a Caro únicamente, quien además de director es dibujante.  Particularmente, me encantan las películas que hizo junto con Marc Caro, como las que hizo por su lado, y más de una vez he recomendado la no tan conocida comedia romántica [que no se asemeja a las comedias románticas hollywoodenses] Un long dimanche de fiançailles [a.k.a. Amor eterno(*)] situada en la segunda guerra mundial.
Una colaboración que disfruto y que no deja de sorprenderme es la del dúo dinámico, casi inseparable, del brillante y excéntrico director, productor y escritor  Tim Burton y el ahora compositor de culto, Danny Elfman. Danny Elfman, conocido también por crear el famoso tema de la serie televisiva The Simpsons, ha compuesto los Scores de casi todas las películas de Tim Burton, excepto  los de Ed Wood [de Howard Shore, el mismo que musicalizó la saga completa de Lord of The Ring] y de Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street [de Stephen Sondheim, autor original del musical de Broadway], con quien debutó en 1985 en la comedia Pee Wee's Big Aventure [a.k.a. La gran aventura de Pee Wee] y colaborando con él hasta la fecha, además de encarar otros proyectos [por nombrar algunos, la saga completa de Spider-man, Hulk, Chicago, Red Dragon].
Danny Elfman se ha acomodado con gran naturalidad y originalidad a los distintos géneros cinematográficos, y ha captado la ironía de Burton tanto en sus films oscuros y góticos [Sleepy Hollow a.k.a. La leyenda del jinete sin cabeza(*)] como en sus comedias de humor negro [Beetle Juice, Mars Attacks!], en su historias más emotivas [Edward Scissorhands, a.k.a. El joven manos de tijera, Big Fish a.k.a. El Gran Pez], en su adaptación de comics [Batman, Batman Returns], en sus películas de ciencia ficción [Planet of the Apes a.k.a. El planeta de los simios] y magistralmente en los musicales como Corpse Bride [a.k.a El cadáver de la novia] y The Nightmare Before Christmas [a.k.a. El extraño mundo de Jack(*)] y es justamente en estás dos últimas que me resulta imposible concebirlas  sin la colaboración de ambos, ya que como dice el saber popular [?], juntos son dinamita [ok, se me cayó el dni con esta frase].
No veo la colaboración como una asistencia de uno hacia otro, sino como una obra en conjunto. La colaboración pasa a ser "entre sí" para llegar a un producto final que nos maraville. Quizás para muchas cosas de nuestras vidas sacamos lo mejor de cada uno cuando estamos con espíritus afines que haciéndolo en soledad, cuando encontramos alguien que alimente nuestra creatividad para que sea más fructífera.

Espero sus colaboraciones para este texto que no son otros que los famosos comentarios.


(*) ¿Les molestan,  tanto como a mi, las traducciones de los títulos que no tienen nada que ver con el original? ¿Eh?

Ingenio, imaginación y creatividad hechos arte

Si escuchamos el nombre  Steven Spielberg, reconocemos en forma inmediata que es un aclamado director de cine, y si bien no podemos decir de corrido [sin reptetir y sin soplar] su extensa filmografía, muchas de sus películas están en nuestra memoria. Lo mismo pasa con directores de la talla de Francis Ford Coppola, James Cameron, Oliver Stone, etcétera. Pero en el inmenso mundo cinematográfico hay nombres de grandes directores que se nos escapan o que nunca conocimos, aunque si recordamos sus películas. No en vano, en muchas colillas, la película se presenta haciendo alusión al trabajo anterior, con la típica frase “del Director de Saraza, the movie”, para que nos ubiquemos.

Sin embargo, algunos enfermitos, como quien escribe, se interesan en ir un poco más allá del film, y conocer sobre quiénes lo hicieron, cómo lo hicieron, de dónde vienen y qué hicieron antes, cuando lo que vimos nos sorprendió.

Retomando la idea de mi post anterior, de presentarles directores, hoy nos vamos a introducir en el mundo de Michel Gondry [no, no, Maicol no, Michel. Répétez après moi: Mi-shél. Bien] Este señor, como habrán adivinado es director de cine y es francés [por favor, antes de ingresar a la sala depositen todos sus prejuicios sobre el cine francés en mesa de entrada, gracias], pero además de incursionar en la cinematografía dirigió una infinidad de videos musicales [para artistas como Björk, Foo Fighters, Radiohead, entre tantos otros] y publicidades, algunas muy famosas como esta de Levi's.

Michel Gondry se destaca por su creatividad y su imaginación, por ser innovador y tener una visión estética única. Fue el inventor en 1995 del efecto conocido como Bullet time [Tiempo bala o Efecto bala], el cual consiste en una extrema ralentización del tiempo para permitir ver movimientos o sucesos muy veloces [como el recorrido de una bala] y lo inauguró en el videoclip Like a Rolling Stone, tema de Bob Dylan pero en la versión de The Rolling Stone. Este efecto se fue perfeccionando y digitalizando [como lo pueden comprobar en The Matrix], pero originariamente fue creado a partir de una serie de cámaras de fotografía fija, colocadas cada una apuntando al sujeto u objeto, desde distintas posiciones y con escaso espacio entre ellas. Veamos este efecto bala, y más genialidades, en esta brillante publicidad de vodka Smirnoff:



Michel Gondry utiliza muchas técnicas de efectos visuales, combinándolas con  pocos efectos especiales generados por computadora. Cuando vi Eternal sunshine of the spotless mind [a.k.a. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos] inmediatamente busqué los extras del dvd con todo el detrás de escena, porque me pareció maravillosa en todo sentido, y me quedé asombrada al enterarme que la mayoría de los efectos que había visto, se debían a diversas técnicas de montaje de escenarios, manipulando la puesta en escena, haciendo usos de perspectivas, filmando largas tomas y utilizando un tratamiento pictórico de la imagen, generando “ilusiones ópticas” o efectos ópticos y complementándolos con escasos efectos digitales.

Así Gondry incorpora efectos visuales muy sencillos, pero esa sencillez pasa desapercibida por su genialidad. He aquí un ejemplo de lo antedicho, en esta publicidad de Air France:



Gondry utiliza mucho la técnica de stop-motion [animación cuadro a cuadro] y cámara inversa. En La science des rêves [a.k.a. La ciencia del sueño, Soñando despierto], donde mezcla la realidad con la fantasía onírica para contar una hermosa historia, montó una escenografía artesanal, hecha de cartón y otros elementos simples como tela y algodón, dejando de lado los majestuosos efectos digitales. En su última película Be Kind Rewind [a.k.a. Rebobine, por favor] que trata de una comedia donde se hacen remakes caseros de famosos filmes, el cineasta nos muestra como poder emular grandes realizaciones con elementos sencillos y mucha imaginación. No los aburro más y vamos a las imágenes. No encontré esta publicidad de HP subtitulada, pero es un lujo: además de ser de Gondry, está protagonizada por él y nos hace un resumen de sus creaciones de efectos, definiéndose al último como un soñador despierto [It's funny, I dream a lot, but I'm not a very good sleeper].



Como vimos en la publicidad, Gondry hace música y en este video se luce con la batería y con la dirección. Y como bonus track, va el detrás de escena de HP.

Abandonemos por un momento la publicidad y musicalicemos esta entrada. En el primer videoclip veremos creatividad, sencillez y nada de efectos. La canción Mad World es de la banda Tears for fears, pero esta versión de Gary Jules, pertenece curiosamente al soundtrack de una película que no es de Gondry, Donnie Darko, film de Richard Kelly.



Ingenioso, ¿no? Su videografía es muy amplia y se dificulta elegir entre tanto material. A continuación les presento un video de la canción Dance tonight, de Paul McCartney [donde actúa Natalie Portman] para que aprecien que los fantasmas que aparecen no son creados digitalmente, si no que son reflejos en vidrios puestos en la escena. Y para los que quieran más, he aquí el behind the scenes.



Para ir cerrando sobre los talentos de Michel Gondry, les cuento que además este señor puede armar el cubo mágico de una manera increíble. Ya hizo una demostración de armarlo en tiempo record con sus pies, pero "lo acusaron" de utilizar la técnica de cámara inversa [empezó a filmar con el cubo armado y lo fue desarmando con los pies] y que sólo se trataba de un truco [uno muy bien realizado]. Entonces Jack Black lo desafió, diciendo que podía armar 10 cubos con sus manos, y lo desbancó:



Pero Michel Gondry dobló la apuesta:



Si disfrutaron de esta entrada y quieren conocer más del mundo de Michel Gondry, no tiene más que hacérmelo saber. Si quieren sugerir otro tema, también pidan, que hasta ahora es gratis. Espero no haberlos aburrido. Nos vemos en los comentarios.