Pescado Rabioso - En Vivo Teatro Odeon (Bootleg - Julio 1972)

 

 

 Posiblemente este sea el bootleg mas importante y completo de Pescado Rabioso en su primera etapa como trío. Grabado en julio de 1972 en el extinto teatro Olimpia, el grupo presentaba aquí el material de su primer álbum, Desatormentándonos, incluidos los "famosos" temas que quedaron fuera del hoy mítico disco; "Pibe" "Mensaje a las larvas", "Suave nube dama", "La fiebre paranoica" o "Tabla de nada", reflejan la crudeza roquera que Pescado destilaba en aquellas presentaciones.

Nobleza obliga, comentarles de la baja calidad de sonido de la grabación, posiblemente tomado de aire con algún grabador de época. Mi intento de mejorarlo logró apaciguar un poco el "soplido" a cinta. Disfruten igualmente de este valioso testimonio de un momento irrepetible de la música argentina.

"Sin discos, con una difusión limitada casi exclusivamente a un nivel subterráneo, el grupo Pescado Rabioso comenzó formalmente su existencia hace dos meses: el 5 de mayo en el Metro. Algunos recitales posteriores (Don Bosco, La Plata, Metro nuevamente) congregaron a un público desacostumbrado por lo numeroso para las presentaciones de un conjunto nuevo. Lógicamente la presencia de Luis Alberto Spinetta era el elemento de atracción. Con todo, ese no debe haber sido el único motivo para que el viernes 23 de junio algo más de mil personas se reunieran nuevamente (esta vez en el teatro Atlantic) para escuchar críticamente al trío. El público asistente a esa sala ha sido desde los comienzos de su ciclo bastante reacio a brindar acogidas fervorosas o exitistas; sin embargo, la presentación de Pescado Rabioso (sin duda la más ajustada de las cinco realizadas, según propio criterio) generó un clima realmente especial en el teatro: algo pesado, algo poético, algo agresivo había sacudido a los mil que concurrieron a defenestrar o aprobar. La sorpresa fue general. Algunos problemas de sonido en anteriores oportunidades habían disminuido los perfiles sutiles de la música del grupo. Ahora en el pleno -o exacto- manejo de sus condiciones, Pescado Rabioso era el único ajeno a la sorpresa: allí había quedado la bola, el mazacote incendiario que proyectan las letras y las músicas de Pescado Rabioso, claramente delineados y rumbeantes hacia la creación de situaciones revolucionarias. Una actitud no demasiado generalizada en esta etapa del rock argentino, pero seguramente más virulenta y clara que las leves instrucciones de años anteriores. Si bien había certezas con respecto a la renovación de las alternativas musicales de Spinetta, no existía la misma seguridad para recibir a Black (el baterista) y a Bocón (bajista y, ocasionalmente guitarrista). Mientas tanto (una delimitación del tiempo apenas previsora) Black y Bocón parecen haber comprendido todo. Tocan todo lo que necesita tocar hoy Pescado Rabioso. Hay empuje y maduréz en los arreglos (mansamente naturales y —por fortuna— carentes de alambiques). Cuando el "mientras" y el "tanto" sean superados (quizás una cuestión de cantidad de presentaciones) Black y Bocón empezarán a tocarse ellos mismos. Algo que Spinetta viene haciendo desde hace varios años y que probablemente sea el núcleo explotador de su lenguaje expresivo. Desde ahora definitivamente más raspador que terso".

Revista Pelo (Julio-1972)

 

 

 Integrantes:

Luis Alberto Spinetta: Guitarras, voz
Osvaldo "Bocón" Frascino: Bajo, guitarra, voz
Black Amaya: Batería

Temas- Disco 1:

01- Intro (Palabras de Miguel Grinberg al público)
02- Pibe
03- Blues De Cris
04- El Monstruo De La Laguna
05- Mensaje A Las Larvas
06- Dulce 3 Nocturno
07- Me Gusta Ese Tajo

Temas- Disco 2:

01- Mi Espiritu Se Fue
02- Suave Nube Dama
03- La Fiebre Paranoica
04- Zapada (El Jardinero)
05- Tabla De Nada

 

 

 Sonido Mejorado

 

Formato: Mp3 - 160 Kbps

 

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Malon (Juan Carlos Cáceres) - El Camino_Dale Negro (FLAC - 1972)

 

 

Juan Carlos Cáceres fue un músico y arreglador argentino, lamentablemente muy poco difundido en nuestro pais. A fines de la decada del 60 decide emigrar a Francia, epecificamente a la ciudad de Paris, donde forma parte del grupo de la “star” francesa Marie Laforet, que por entonces se hacia acompañar por músicos argentinos. Luego de esta experiencia formaría el grupo de jazz latino Malón, con el que grabaria dos discos: "Rebelión" (1971) y "El Camino-Dale Negro" (1972), en donde Cáceres estuvo a cargo de la autoría de los temas, fusionando latin jazz, ritmos folkloricos, rock y psicodelia.

 

Un 14 de septiembre de 1936, nacía en Buenos Aires Juan Carlos Cáceres. Estudió Bellas Artes en la escuela Manuel Belgrano, pero se inclinó a la música, siendo uno de los exponentes trombonistas de jazz de la época y protagonista en el mítico local bonaerense Cueva de Pasarotus donde, además de tocar música, era un sitio común de reuniones para los pensadores revolucionarios. Allí frecuentaban Tanguito y Miguel Abuelo, entre otros grandes iniciadores del rock. 

En mayo de 1968 se muda a París, donde se desempeña como músico, pintor y maestro. Allí demostró ser un experto de las músicas del Río de la Plata, incluyendo tango, milonga, candombe y murga, y ganó nombre no sólo como trombonista, sino también como pianista, cantante y compositor. Le aporta pizcas de candombe al tango, teniendo en cuenta que este ritmo tiene orígenes africanos.

En 1993 edita su primera producción, titulada “Solo”. Por otro lado funda e integra el París Gotán Trío, junto a Sedef  Ercetin en violonchelo y Sasha Rozhdestvensky en el violín. Incursiona además en el tango electrónico, creando el proyecto "Maquinal Tango". Su último álbum, “Noche de Carnaval”, fue editado en 2011.

Juan Carlos Cáceres falleció el 5 de abril de 2015 a los 78 años de edad, a causa de un cáncer.

 

“El camino / Dale negro”, así, con un doble título, es una potente mezcla de músicas y culturas de dos continentes convenientemente tamizadas por los aires psicodélicos del momento, los del 68. Todo ello sobre cambiantes muestras de latin rock, jazz, funk, candombe e incluso tango. A lo largo del disco aparecen brillantes arreglos basados en una percusión siempre presente, distorsiones de guitarras ácidas y una tendencia al acabar los temas en clave de tumbao-groove de lo más atractiva. Invitado especial a tan peculiar encuentro parisino, en los surcos de este disco aparece Miguel Abuelo, que había llegado a París desde España, donde vivió algún tiempo tras la primera disolución de los Abuelos de la Nada. Su voz, su guitarra y sus ayudas en la percusión acaban de redondear un disco sumamente original que sin querer explica cómo funcionaban –así de sencillas y generosas– estas cosas de la fusión en aquellos años de creatividad desbordada. 

 Integrantes:

Juan Carlos Cáceres: Voz, teclados, percusión, vientos, dirección musical
Miguel Abuelo: Percusión, guitarra, voces
Serge Chauveau: Guitarra eléctrica, voces
Jean-Paul Proix: Tumbas, voces, percusión
Stéphane Habert: Piano eléctrico, percusión, voces
Henri Geniaux: Bajo, voces

Temas:

01- Dale Negro    
02- Noche Negra    
03- Love Me Now    
04- Excusa    
05- Vamos Juntos    
06- El Camino    
07- Shunko    
08- Go Home    
09- Dulce    
10- Sabroso    
11- Chamame

 

 

Formato: FLAC - 44.100 / 16 Bits

 

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Billy Bond y la Pesada del Rock And Roll, Vol. 2 (FLAC - 1972)

 

 

 Uno de los clásicos del rock argentino de los 70 que hasta ahora no había publicado en formato FLAC para la nave. Volumen 2 contiene temas icónicos de La Pesada como "La pálida ciudad", "La máquina", "Para qué nos sirven" y una desafiante versión para la época, en tiempo de blues rock, de la canción patria "La marcha de San Lorenzo", que fue prohibida en la radio en el momento de su lanzamiento.

Como el título del álbum indica claramente, esto es: "Rocks + blues + rocks + rocks = Billy Bond y La Pesada". Disfruten!!

"En 1971 se edita el primer long play de Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll por la compañía Music-Hall y se arma la banda para presentarlo en el Teatro IFT. Nace aquí un grupo que rotaba sus integrantes de acuerdo a los compromisos asumidos por cada uno, Pappo, David Lebón, y Javier Martínez fueron parte de la primera etapa. Por aquel entonces Billy Bond produce "Buenos Aires Blues", un extraño long play de La Pesada, de corte experimental, con Donna Caroll como coautora y cantante en un extenso tema llamado "Toda de Gris" con los arreglos orquestales de su marido Oscar López Ruiz y temas de La Pesada con autoría de Billy Bond y Javier Martínez, uno de ellos, el blues "Entonces qué" con Javier como cantante y un gran solo de saxo de Pablo Kusselman. Otras incorporaciones importantes al combo fueron las de Kubero Díaz y otro ex-Manal, Alejandro Medina. El 10 de Diciembre, en un ciclo organizado por el Centro de Artes y Ciencias, La Pesada se presenta en el Cine Teatro Metro con una orquesta sinfónica de cuarenta músicos en donde tocan una transgresora versión de la "Marcha de San Lorenzo", tema que graban para el segundo long play de la banda. En el disco también incluyen "La pálida ciudad" de Kubero Díaz, "La máquina" de Medina y Rubén De León, "Blues para mis amigos", "Que descanses en paz", "Para qué nos sirven" de Pappo, Billy Bond y Jorge Álvarez y "Voy a ver un amigo" de Javier Martínez. Entre tema y tema se escucha una cortina musical llamada "Vida y obra del negro Julio" con Pappo en piano y Pinchevsky en violín, un homenaje al músico Julio Ocampo, quien pocos días antes fue encontrado muerto a balazos en el parque del Rosedal. Tiempo después se llegó al asesino, que, según el pronunciamento oficial, era miembro de la marina y cometió el hecho por motivos pasionales. Después de grabar en el segundo disco de La Pesada del Rock and Roll, Javier Martínez viaja a México y luego a Europa. Para reemplazarlo Billy Bond incorpora a dos bateristas que tocan simultáneamente en vivo, el platense Isaac Portugheis, ex "Diplodocum Red & Brown" y Jimmi Márquez". 

 

Ezequiel Abalos - Rock De Acá 2

 

"La grabación del segundo volumen de La Pesada empezó con Pescado Rabioso y Pappo’s Blues ya en vuelo, y si bien Pappo seguía ligado a esa especie de comunidad que éramos, el caso de Spinetta era distinto. Él grabó para Microfón, donde Álvarez había puesto un pie con Talent. Tenía la capacidad de conseguir el sonido que quería y estaba montado en su propio trip, más preocupado por marcar su terreno que por contribuir con el proyecto colectivo. Black y David lo siguieron después de grabar en Phonalex con Pappo, y la verdad nunca sentí que Luis se los hubiera robado, como se ha dicho. Creo que todos de alguna manera seguían orbitando en torno a La Pesada y fue como un desprendimiento natural. Eran la mejor base que había para hacer el rock crudo que Spinetta quería tocar. ¿A quiénes otros podía llamar?.
Ese segundo disco está impregnado del momento social y político del país, y eso fue a parar a todas esas consignas que están escritas a mano en el interior de la tapa. Ese era un poco el dominio de Álvarez, aunque terminamos haciéndolo un poco entre todos. La foto de Oscar Bony de la tapa, la gran oreja, por ejemplo, es la oreja de Álvarez, no la mía. ¡Es que Álvarez tenía un orejón! Es una imagen que representa que estábamos atentos, alerta. No nos escondíamos detrás de metáforas y por eso sostengo que éramos los que íbamos al frente: la infantería, la tropa de choque del rock". 

Billy Bond

Billy con toda "la banda" (Interior del álbum)

Integrantes:

Billy Bond : Voz, producción
Pappo : Guitarra
Kubero Díaz : Guitarra
Poli Martínez : Guitarra
Jorge Pinchevsky : Violín
Alejandro Medina : Bajo
Luis Gambolini : Batería
Javier Martínez : Batería
Roberto Lar : Piano

Temas:

01- La pálida ciudad
02- La máquina
03- Blues para mis amigos
04- Que descanses en paz
05- Para qué nos sirven
06- Voy a ver un amigo
07- La Marcha de San Lorenzo

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Roque Narvaja - Octubre (mes de cambios) (FLAC - 1972)

 

Luego de la separación de La Joven Guardia, en 1972, este magnífico compositor y multiinstrumentista inicia su carrera solista con el disco Octubre (mes de cambios), una de las mejores obras que ha dado el folk argentino. Este album contiene canciones de alto contenido social y letras politizadas, con arreglos de gran calidad musical, fusionando guitarras acústicas de cuerdas de acero con elementos de la música autóctona argentina.

 

"Esta obra es mucho más que un disco políticamente radicalizado o de protesta, categorizaciones simplistas que no dan cuenta de la labor artística llevada a cabo por Narvaja. Sus letras mezclan lo personal y lo social, y su amor por el folk y el rock junto a pioneras exploraciones de ritmos folklóricos argentinos y latinoamericanos.
Para grabar un disco tan jugado, Narvaja debió dejar la multinacional RCA (con la que había editado sus éxitos de la Joven Guardia) y pasarse a Trova, precursor sello independiente artesanal, dirigido por Alfredo Radoszynski. En esa recordada discográfica también grababan Piazzolla, Vinicius de Moraes (junto a Toquinho y María Creuza), Les Luthiers, Aquelarre, Litto Nebbia y Pedro y Pablo, entre otros artistas. Precisamente con éstos últimos había colaborado Roque en la grabación de Conesa, otro de los grandes discos de la época, y luego Narvaja llamaría al dúo formado por Miguel Cantilo y Jorge Durietz para que colaboraran en la grabación de Octubre. Además de Pedro y Pablo, también participan en el álbum de Narvaja: Litto Nebbia, Domingo Cura y el quenista Uña Ramos.
Narvaja, quien ya había empezado a interpretar y componer en una veta más comprometida en los últimos tiempos de la Joven Guardia (por ejemplo en los temas “Tu Libertad” y "Dicen que te fuiste a la montaña"), incrementaría esta tendencia en Octubre. No por nada, estas canciones reflejaban, ya desde los títulos, el clima de una época en donde la revolución parecía estar ahí a la vuelta, como algo posible e inminente: “Octubre (mes de cambios)”, “Revolución mi amor”, “Camilo y Ernesto”. Por ejemplo, “Balada para Luis” estaba dedicada a la memoria de Luis Pujals, dirigente del PRT-ERP en Rosario, que fue secuestrado el 17 de septiembre de 1971. El cuerpo de Pujals nunca apareció y sus asesinos quedaron impunes. Octubre también traía canciones que celebraban la vida en comunidad como “Traigan Vino” o el amor libre en “De Leche y Miel”. Por otro lado, “Sobre la Confusión” estaba en la misma línea que “Revolución mi amor”. Su letra decía: “Sobre la confusión, avanza la revolución. Desde nuestro panteón, brindamos por la nación...”
Ya para esa época Roque, quién se definía como “peronista y progresista”, se había puesto a militar en la Juventud Trabajadora Peronista. Por eso el título de la canción bellísima, de reminiscencias andinas, “Octubre (mes de cambios)” no sólo hacía mención al mes de la Revolución Rusa, sino también al mes del asesinato del Che Guevara y el Día de la Lealtad Peronista. Precisamente, la figura del Che es homenajeada, junto a la de Camilo Cienfuegos, en la hermosa canción (de plena inspiración cubana) llamada “Camilo y Ernesto”: “Camilo y Ernesto fueron a rescatar una cruz, la antorcha de los caídos en una guerra sin luz.” Por otra parte “A Través de los Andes” resultaba un compendio de tópicos de la época: el americanismo, la huída de la ciudad, el sentimiento de hermandad cósmica. Participaban los principales invitados del disco: Domingo Cura tocaba el tambor oriental y el pandeiro y los coros eran de Nebbia, Cantilo y Durietz. Con su guitarra, Narvaja le daba un sonido  psicodélico-andino al tema. Octubre finalizaba con “Dame el Sol”, un alegato en contra de la explotación de los trabajadores de la zafra, recolectores “de mil cañas y una más”. Una canción potente, compuesta a medias entre Litto Nebbia y Roque, que concluye con un impresionante solo de guitarra eléctrica de Narvaja; mixturando en forma muy atractiva el rock con el folklore latinoamericano (con un sonido que recuerda a los Jaivas). El final acorde para un disco comprometido y espectacular".

E.A. (iculturarock.blogspot.com)

 

 

 

 Músicos:

Roque Narvaja: Voz, guitarra de 6 y 12 cuerdas, charango, armónica, flauta
Litto Nebbia: Piano, voces
Cacho Arce: Bateria
Cacho Lafalce: Bajo
Domingo Cura: Percusión
Uña Ramos: Quena
Miguel Cantilo: Coros
Jorge Durietz: Coros

Temas:

01- Traigan vino
02- De leche y miel
03- Balada para Luis
04- Revolución mi amor
05- Sobre la confusión
06- Octubre (mes de cambios)
07- Camilo y Ernesto
08- A través de los Andes
09- Dame el sol

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

 pass: naveargenta.blogspot

Huinca - Huinca (FLAC) + Huinca En Vivo (Bootleg) 1972

 

"Huinca fue el nombre que dí al cuarteto que organizamos en el '72 con Moro, Lafalce y Ranelli. Yo estaba grabando para la RCA en ese tiempo y me tenían postergado un disco del '71,  "Nebbia's Band". Tenía la necesidad de grabar un nuevo álbum y no encontré otra solución que ponerle de nombre artístico "Huinca" en vez de mi propio nombre y apellido, cosas contractuales. Por eso en la portada aparezco de espaldas para que nadie me vea.
Para los recolectores de historia del Rock Nacional, ésta álbum apareció conjuntamente con el primer LP de Aquelarre y "Desatormentándonos" de Pescado Rabioso. Como notarán, el primer álbum de músicos integrantes de los recientes desarmados grupos Los Gatos y Almendra".

 

Litto Nebbia - Comentario sobre Huinca

 

Esta publicación contiene el único disco oficial grabado por Huinca, mas un bootleg que incluí correspondiente a una presentación en vivo del grupo en 1972.

 

"Estoy contentó de poder escribir la autocrítica de mi último trabajo discográfico, esta vez con el grupo Huinca, porque es una forma más de que la audiencia interprete algunos pormenores de la reacción de un músico. Comienza este album con un "preludio" que si 'escuchan con atención, es un anticipo del tema que continúa en el lado A, "Gritar y amar es luchar". Este preludio es una de las cosas que más me gusta del long-play, por su desarrollo calmo y armónico, pienso que es la clase de música que voy a seguir escribiendo en el futuro. Gabriel toca piano, Cacho el bajo, Moro, percusión y yo armónica y guitarras (eléctrica y acústica). En cuanto al tema central, "Gritar y amar es luchar", es un rock muy simple con un detalle melódico en las voces que caracteriza generalmente la música que escribo. Tiene un desarrollo arreglado, para dar lugar a solos de órgano y guitarra hasta volver al "leiv motive". A continuación "Harlem", dedicado a los viejos músicos de jazz norteamericanos con el que pretendimos lograr un clima de jazz bien "antigüto". "Cadenas y monedas" es algo que escribí literalmente sobre el conflicto humano de la libertad y el objetivo del hombre contemporáneo manejado cada vez más en base a una escala de valores netamente materiales. La música es un blues liso y llano con sus respectivos solos de guitarra y órgano. Es muy importante el tiempo que logramos durante todo el tema y la participación clásica de Gabriel en piano, antes de entrar al tema en si. Concluye el lado "A", con el "Postludio", que trae reminicericia de algunas partes del tema ya comentado anteriormente, El corno está interpretado por Mario Tenreyro, actual integrante de "Sanata y Clarificación" . "Yo soy tu voz" sobre el lado "B", canción que, junto a "Chocolates", tercera banda del mismo lado posee muchos desenlaces armónicos de cosas escritas por mí en otra época para el grupo Los Gatos. Esto no es intencional ni reiterativo en la carrera de un compositor, ya que si bien lógico es evolucionar con respecto a la madurez en el desarrollo de un tema, hay fraseos o inflecciones que sellan el estilo a través del tiempo. La banda 2, es "Alunar", tema del cual escribí una letra para música de Cacho Lafalce. No pretende ser una canción "progresiva" como le dicen hoy a la música de este tipo por estos lados. Su objetivo es el de ser tan solo eso, una linda canción bien interpretada. "Canción de Ramona" forma parte de una trilogía de obras que escribí con el personaje imaginario de Ramona, suena a musiquita de películas francesas de amor rosa, y eso quería yo del terna. Para finalizar, está "Por algo es", quizás uno de los temas de más "polenta" y mejor escrito para las posibilidades del grupo. Notarán que el sonido de los solos de guitarra son pobres y blandos, eso es porque yo no soy un loco del sonido y gasto mi energía y dedicación, mayormente en composición o arreglos. Además amo las melodías y los buenos trabajos armónicos de los cuales somos huérfanos hoy en día, ya que la mayoría de los músicos jóvenes, están fanatizados con los equipos inmensos que ven en fotos de revistas extranjeras y eso hace que todo sea distorsión y volumen excesivo, subestimando cualquier otro tipo de manifestación musical, aludiendo a que es música "blandita"; No quiero seguir hablando de esto porque no termino más. Volviendo al longplay: el sonido en estereo es bueno, gracias (al margen de nuestro cuidado) al técnico Carlos Piris, quien logra interiorizarse en el trabaja, y a la gente de Trova, que cuida obsesivamente hasta el último detalle, como prensar el disco, cosa olvidada por las compañías de nuestro medio. La de este alburn, como todas las tapas de mi vida, fue hecha a los apurones y con mil contratiempos, es buena la idea fotográfica de Alberto Mazzini y Roberto Amaran, el dibujo de Gaby Levinas, que decidí incluir porque no está ausente de la realidad".

 

Litto Nebbia - Reseña del álbum (Revista Pelo/1972) 

 

 

 

Integrantes:

Litto Nebbia: Voz, guitarras, armónica, coros
Gabriel Ranelli: Piano, órgano
Cacho Lafalce: Bajo eléctrico, voces
Oscar Moro: Batería, percusión

Temas - Disco En Estudio:

01- Preludio
02- Gritar y Amar Es Luchar
03- Harlem
04- Cadenas y Moneda
05- Postludio
06- Yo Soy Tu Voz
07- Alunar
08- Chocolates (Para Ud.)
09- Canción Para Ramona
10- Por Algo Es 

Temas - Bootleg En Vivo:

01- Intro
02- Cadenas y monedas
03- Nada te detiene
04- Alunar
05- Harlem
06- Sin título
07- Cancion para Ramona
08- Sin título
09- Chocolates para ustéd
10- Yo soy tu voz
11- Gritar y amar es luchar

Formato: FLAC-16 Bits + Mp3-192 Kbps

 

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Thabata - Rock !...Rock!...Rock!! (Circa 1972-73)

 

Luego de ganar un certamen en el ciclo "Los Principales", que se emitía en radio Del Plata, la agrupación Thabata obtuvo el derecho a grabar este único registro discográfico. El grupo presentaba un estilo muy cercano a lo que se hacía en el país en ese momento, mezclando hard rock, rhythm and blues y psicodelia en estado puro. Composiciones propias y una precaria calidad sonido, dado los pocos recursos de producción, en un álbum que increiblemente hoy es una joya preciada por coleccionistas de nuestra música. Mención especial para su llamativa ilustración de portada.

"Nuestro ciclo "Los Principales", que desde hace tres años, de lunes a sábado de 16:30 a 18:30 se transmite por radio Radio Del Plata, recientemente laureado por APTRA con el "Martín Fierro" como el mejor programa juvenil, realizó un concurso de nuevos valores de la música moderna, con el único propósito de brindar oprtunidad a todos aquellos que, por una razón u otra, teniendo auténtica vocación y, por supuesto, condiciones, no habían logrado escalar los primeros peldaños de esa dificil escalera que podía o no conducirlos a la popularidad.
En la categoría conjuntos, por votación directa de un jurado compuesto por destacadas personalidades del mundo musical, resultó consagrada la agrupación "Thabata", cuyo primer disco presentamos a la consideración de ustedes. El denominado género "rock" en estos momentos está pujando decisivamente y pienso que los amimosos muchachos de "Thabata" bien merecen la oprtunidad que se les brinda. Está en ustedes, jóvenes, decidir si valen o no".

Emilio Roca (Escrito contraportada del disco)

 

 

 

 Integrantes:

César Enrique Coronel: Guitarra, guitarra rítmica, bajo
Carlos Alberto Romero: Guitarra rítmica, bajo
Guido Roberto Ibañez: Saxo, flauta dulce, voz
Juan Carlos Scagni: Batería

Temas:

01- Existe un Hombre en Libertad?
02- Alguien Estaba Rodeando Mi Casa
03- Una Simple Transicion Astral
04- Seguiras Siendo un Abstenido
05- Una Cuestion de Larga Rutina
06- Siempre Sera un Divagante Introvertido
07- Trataré de Seguir Alcanzando Tu Piel

Formato: Mp3 - 320 Kbps

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Quinteplus - Quinteplus (FLAC - 1971/72) Reedición 2007

  

 
La historia de Quinteplus tiene sus comienzos en el año 1969 y su música esta mas emparentada con el jazz que con el rock, de todas formas sus talentosos integrantes reconocían y practicaban un amplio abanico de influencias musicales. Mediante su tecladista, Santiago Giacobbe, (que utilizaba piano eléctrico Fender) fueron pioneros en la incorporación de sonidos eléctricos al jazz.
Esta edición, publicada por el sello Vampi Soul en 2007, contiene el único disco de estudio grabado por Quinteplus (menos un tema), mas cuatro tomas en vivo registradas en octubre de 1972 en el teatro Santa María del Buen Ayre.

Quinteplus fue una suerte de supergrupo integrado por los jazzeros criollos Gustavo Bergalli en la trompeta, Jorge Sanders en el saxo, Santiago Giacobbe en los teclados, Jorge Gonzalez en el bajo y la batería de Carlos Pocho Lapouble. Fueron una de las bandas más solidas del jazz argentino de los setenta. Tocaron mucho en directo pero grabaron muy pocos discos, sólo dos, uno en estudio (“Quinteplus”) y otro en directo (“En vivo”), que tuvieron escasa repercusión, sobretodo porque su propuesta musical y su estilo se adelantaron mucho a su tiempo. Pero así es como se escribe muchas veces la historia de la música.
Surgido en un momento en el que en las venas de los músicos argentinos parecieron mezclarse sanamente con alguna inyección de rock, los Quinteplus se dejaron llevar por la transformación arrolladora del jazz que por esos días soplaba gente como el Gato Barbieri, pero de una manera mucho más fresca y relajada.
Tambien es evidente la influencia del Miles Davis más eléctrico –el “Silent way” y el “Bitches Brew” están muy presentes- y del jazz-rock que por aquel tiempo hacía su aparición. Esto no era excusa para que no se interesasen, ademas, por los ritmos folkloricos argentinos. “El pasito de Nano”, “La vuelta del Elefantor”, “Loberman, el hombre lobo”, o “Blackman, el justiciero”, títulos que de paso permiten contestar también aquella pregunta de Frank Zappa acerca de si música y humor pueden ser compatibles. Ah, un lugar bien destacado se gana la versión imperdible del clásico “Los ejes de mi carreta” de don Atahualpa Yupanqui.

 

"Fueron una de las bandas más sólidas del jazz argentino de la década de los setenta. Tocaron mucho en directo pero grabaron muy pocos discos, sólo dos, uno en estudio (“Quinteplus”) y otro en directo (“En vivo”), que tuvieron escasa repercusión, sobretodo porque su propuesta musical y su estilo se adelantaron mucho a su tiempo. En su música se conjugaba un jazz con evidentes influencias del Miles Davis más eléctrico –el “Silent way” y el “Bitches Brew” están muy presentes- y del jazz-rock que por aquel tiempo hacía su aparición. Esto no era óbice para que no se preocupasen por la música de su Argentina natal, y de esta manera también se interesaban por el trabajo de, por ejemplo, el folclorista y cantante Atahualpa Yupanqui, del que hacen una introspectiva versión de su célebre “Los ejes de mi carreta”.
Estos discos, grabados el primero en 1971 y el segundo un año después, mantienen un vigor y una frescura sorprendentes; es más, si se hubiesen grabado en este año a (casi)nadie sorprendería. La música de Quinteplus iba desde el ya mencionado folclorismo a escarceos con el free, como en “La vuelta de elefantor”, pasando por los sonidos que recuerdan a Herbie Hancock y sus Headhunters, en piezas como “Loberman, el hombre lobo”.
Esto es jazz compacto, vital, tocado por músicos imaginativos que creían en lo que hacían. Una magnífica oportunidad de descubrir a un quinteto deslumbrante".

José Manuel Pérez Rey (distritojazz.es)

"En realidad, un día apareció el Negro González y nos dijo: “Muchachos, ¿por qué no dejamos por un tiempo de tocar ‘Las hojas muertas’ y nos ponemos a componer nuestros propios temas?”. El único que entonces lo hacía en el jazz argentino era Rodolfo Alchourrón. Y nos largamos a componer, todos: Pocho Lapouble –el baterista–, Giacobbe, el Negro, Bergalli y yo. Sucede que a mí me gustaba mucho el tema de Yupanqui, y le hice un arreglo. Pero lo gracioso fue que la prensa nos rotuló como banda de rock, quizá porque Giacobbe tocaba el teclado Wulitzer, lo más moderno de aquellos días..."

Jorge Anders (Saxofonista de Quinteplus)

 

 

Integrantes:

Gustavo Bergalli: Trompeta
Jorge Anders: Saxo tenor
Santiago Giacobbe: Piano eléctrico
Jorge Gonzalez: Bajo, contrabajo
Carlos Pocho Lapouble: Batería

Temas:

01- Loberman, el hombre lobo
02- Los ejes de mi carreta
03- Blackman, el justiciero
04- El marques (Parte 1,2 y 3)
05- El pasito de Nano
06- Zamba de mis pagos
07- El rapidón no se rinde (Grabado en vivo, 1972)

08- Pochoclito (Grabado en vivo, 1972)

09- Ode to Billy Joe (Grabado en vivo, 1972)

10- José Blues (Grabado en vivo, 1972)

 

 

Formato: FLAC - 14.100 Hz / 16 Bits  

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Montevideo Blues - Idem (FLAC - Uruguay / 1972)

 

 

Pese a lo efímero de su trayectoria, Montevideo Blues es una histórica agrupación uruguaya, liderada por Gastón Ciarlo, alias "Dino". Grabaron este único álbum en 1972, que contiene la versión original de la emblemática "Milonga de pelo largo", la cual puede considerarse su obra más conocida y una de las canciones más representativas en la historia de la música uruguaya. Luego de la edición de este disco Montevideo Blues se separa, dando paso a que Dino integre Los Moonlights, grupo que gozó de un gran éxito a nivel nacional y regional. 

 

Dino (Gastón Ciarlo) ya había editado un álbum solista en 1970 cuando se embarca en este proyecto, junto a Julio Cása (Lelo) Surraco en percusión, Eduardo (Poch) Dittamo y Nástor Barnada en guitarra, Josá (Pepe) Martinez Día en batería, Horacio (Nino) Costa en bajo. Combinan el rock y el blues con elementos folclóricos, sin dejar de lado algunos ritmos de candombe. Hay que destacar los mensajes de las letras, con claras definiciones políticas y sociales. Abren el álbum con un clásico, "Milonga de Pelo Largo", más tarde versionada por Los Moonlights otra banda en la que participó Dino. "Para Hacer Música Para Hacer" es un tema de Miguel Livichich, también conocido en la versión de El Sindykato. "Un Color" pertenece a Chichito Cabral de El Kinto y Totem. El resto de los temas son de autoría de los miembros de la banda, en su mayoría con la firma de Dino. Entre otros "Pongamos Muchas Balas al Fusil", "Hermano Americano" y "Montevideo Blues". Entre los agradecimientos y participaciones figuran miembros de gran parte de las bandas de aquel momento: Moonlights, Tótem, Cold Cofee, Opus Alfa, Genesis y Los Sandías, por lo que se detecta el espíritu de colaboración entre los músicos de la ápoca. Un álbum imprescindible para comprender el breve pero intenso fenómeno del rock uruguayo en los 70s.

 

"Montevideo Blues es el grupo que mas merecía ser llevado a un estudio de grabación en estos fines de 1971. También merecen mucho más de lo que nosotros podemos hacer por ellos. Pero podemos empezar por escuchar, criticar y difundir este, su primer LP. Tan solo debemos, para ello, utilizar sus mismas guías: honestidad y rabia. Pertenecer a una generación de músicos uruguayos que, como pocas, sufrió, peleó, sufre y pelea. Comenzaron a sonar juntos hace muy pocos meses, peros sus raíces calan muy hondo en la historia de la música popular uruguaya. Desde Los Gatos y la cueva, hace siete u ocho años, pasando por las primeras experiencias de unir ritmos folklóricos al rock, por unas alborotadas ganas de empezar a grabar, por el debút en El Galpón 18, hasta estas madrugadas en los estudios de la calle Río Branco, hasta el simple con el grito de Violeta Parra, hasta este primer álbum. Pero también hasta siempre, hasta el día en que el músico pueda cantar a sus compañeros liberados, reconquistadores del derecho a vivir sus inquietudes, en el país que aman." 

 

Carlos Alberto Martins (Escrito contratapa del álbum-1971)

 

 

Dino en la radio (1972)

Integrantes:

Gaston Ciarlo “Dino”: Voz
Julio Cesar “Lelo” Surraco: Percusion
Eduardo “Pocho” Dittamo: Primera Guitarra
Jose “Pepe” Martinez Diaz: Bateria
Horacio “Niño” Costa: Bajo
Nestor Barnada: Guitarra y voz

Temas:

01- Milonga de pelo largo
02- Para hacer música, para hacer
03- Pongamos muchas balas al fusil
04- Si te vas
05- Montevideo Blues
06- Hermano americano
07- Sentimiento
08- Un color
09- Chamarrrita el chiquero
10- Hay veces / Canta, canta, canta

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits 

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Diggin’ Down Argentina. Nuggets From The Rioplatense Scene, 1969-1975 / V.A. (FLAC - 2010)

 

"Diggin’ down Argentina", al igual que los Nuggets americanos, es una recopilación independiente de oscuros grupos argentinos. Una auténtica joya arqueológica que puede interesar a muchos aficionados al rock, con el fin de conocer un pasado que merece ser recuperado. Grupos que expresan una psicodelia alocada, con mensajes de reivindicación juvenil y sonido aguerrido. Un manjar retro al alcance todos de los navegantes, ahora compartido en formato FLAC.

 

"Diggin’ Down Argentina. Nuggets From The Rioplatense Scene, 1969-1975" es una emocionante y ecléctica compilación de grupos de garaje salvaje y psicodelia Argentina de la llamada escena rioplatense. Una colección de pistas en su mayoría originales, que abarca desde 1969 hasta mediados de los 70. Todas extraidas de singles de 45 Rpm muy oscuros (algunos de ellos con solo un puñado de copias conocidas existentes), que se perdieron durante décadas y nunca se volvieron a publicar hasta ahora. Esta es la primera compilación totalmente dedicada a bandas muy poco conocidas del underground argentino. Bandas como The Gipsys, Los Fantasmas, Brujos, Bosques, Los Bárbaros y hasta encontramos a unos Them, que nada tienen que ver con el combo de Van Morrison. Acordes de órganos Hammond, guitarras fuzz distorsionadas, voces de garganta cruda. Incluye una salvaje versión de "Heya", realizada por Bosques, la psicodelia pesada de Gipsys y Dynamita, el hard funk de Caballo Vapor; acid folk a cargo de Kon-Tiki, el beat bizarro de Wooky Toky, el rock duro de Them, el garage-beat de Asfalto, Jarabe de Menta y Los Fantasmas ...Todos ellos ofreciendo una gran solvencia instrumental, demostrando que los grupos argentinos de finales de los sesenta y principios de los setenta nada tenían que envidiar a los de los países anglosajones.

 

 

 

Grupos y Temas:

01- Bosques - Heya
02- Dynamita - Toma Tu Tiempo
03- Los Fantasmas - El Precio De La Vida
04- The Gipsys - Kamasutra
05- Caballo Vapor - Busco El Sol, No Sé Adonde Voy
06- Kon-Tiki - Viaje Al Ayer (Turn Back Time)
07- Brujos - Ese Dinero
08- The Gipsys - Oh! Malala
09- Wooky Toky - Pero Hay Una Melena
10- Los Bárbaros - Zoom-Zoom-Zoom
11- Victoria - Helena, Vivió Solo Un Dia
12- Them - Tiempos Cambiantes
13- Asfalto - No Sé Que Pensar
14- Jarabe De Menta - Con El Sol En El Bolsillo
15- Little Green Men - Para Ti Lilian (For You Lilian)  

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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El Desenchufazo - Las Grabaciones Recuperadas (En Vivo en Montevideo, 1972 / 2021) V.A. FLAC

 

 
El histórico sello uruguayo Ayuí ha recuperado y editado las cintas de un concierto ocurrido en 1972, que permanecieron guardadas casi 50 años. Se trata de “El Desenchufazo”, un concierto en Montevideo que presentaba una serie de intérpretes acústicos, y sería el equivalente para el rock uruguayo de lo que fue “El Acusticazo” para el rock argentino. Contiene grabaciones inéditas en vivo de Eduardo Darnauchauns, Yabor, Pájaro Canzani, Jorge Barral, Daniel Bertolone, Jesús Figueroa, Creación y Testimonio, Jorge Vallejo. Miguel López y Saúl Garber. La grabación estaba proyectada para editarse en vinilo al año siguiente, 1973, y quedó archivada por la llegada de la dictadura en Uruguay.

Truco Gallo

 

“Cuando la noche del martes 27 de marzo de 1973, guardé el máster de lo que pensábamos sería unos meses después el primer vinilo de los Conciertos Desenchufazo junto con las demás cintas grabadas en vivo por Henry Jasa, creía que, a pesar del momento que estaba viviendo el país, de la sombra déspota que crecía y presagiaba tiempos aún peores, llegaríamos a editarlo…” Así comienza relatando Esteban Leivas el periplo de casi medio siglo que llevan silenciadas estas grabaciones que hoy finalmente edita Ayuí, fiel a sus objetivos de rescatar la memoria musical del Uruguay. Leivas, junto a Hamlet Faux (periodistas y productores musicales de riquísima trayectoria) y Jorge Barral (destacado y legendario músico perteneciente a la oleada rockera uruguaya de los ’70) han sido los responsables de que este documento sonoro invalorable haya sobrevivido y se abra hoy como una ventanita por la que podemos asomarnos al espíritu de aquellos conciertos acústicos, en una Montevideo que se aprestaba a entrar en el largo túnel de la dictadura."

 

"Cuando faltaban décadas para inventar la palabra unplugged en el rock, un grupo de activistas culturales (con Flaco Barral, Hamlet Danny Faux y Esteban Leivas al frente) lo apostaron todo a organizar conciertos de autoafirmación musical uruguaya, tras quedar impactados por un “acusticazo” pocos meses antes en Buenos Aires, Argentina. Como escribe Faux, “habíamos escuchado a Bob Dylan y a The Byrds electrificar el rock, pero no conocíamos el proceso a la inversa”. El experimento se llamó Desenchufazo, toda una ironía en aquel tiempo dominado por los cortes constantes de fluido eléctrico en la capital americana.
Estas locuras suelen comenzar en bares; en concreto, en Bar Asencio, un garito que servía en los años setenta como punto de encuentro para los músicos, escritores y “paracaidistas” en la calle Ejido de Montevideo. El impulso inicial a este elepé cuajó a finales de 1972, cuando se celebraron dos conciertos alejados de aquellos voltios que ya empezaban a dominar el panorama musical por todo el orbe, al calor del heavy y otras hierbas.
El cartel diseñado para la ocasión especificaba: “Segunda experiencia totalmente acústica”, pocas semanas después del primer encuentro con el público de Montevideo; Las canciones seguían la estela sonora de Harry Belafonte, Phil Ochos, Peter, Paul and Mary o Joan Baez, pero en español y con textos de alta calidad.
La convocatoria congregó nombres de oro en Uruguay, como Yabor (dos canciones del disco), Miguel López (Mi partida), Eduardo Darnauchans, Jorge Vallejo (No Destrocen Mi canción), Creación y Testimonio (A los Niños y Sugerencia), Flaco Barral (Rincón de la Bolsa) o Daniel Bertolone (No es un Tema o El Tren se Llevó a mi Nena), entre otros. En total, trece cortes que se interpretaron en vivo los 7 de noviembre de 1972 y el 27 de diciembre del mismo año. Las colas de espectadores fueron de aúpa, en buena medida por la militancia rockera de varios promotores en sus programas de radio, un tanto a la manera Ordovás en los años gloriosos de Radio 3 y como las largas filas que se ven en la película de Scorsese ante el Winterland.
El contexto político marcó a sangre y fuego aquellos tiempos en el cono sur americano. El creciente apoyo popular que recibió el izquierdista Frente Amplio asustó a los poderes de la región y un golpe militar en 1973 ahogó en sangre toda expresión cultural o política hasta 1985. Esteban Leivas recuerda en un texto del álbum que guardó el máster con las grabaciones el 27 de marzo de 1973 y era “incapaz de imaginar la historia tremenda” de este vinilo nonato, porque esos primeros conciertos fueron también los últimos en ese formato y varios participantes iniciaron un éxodo que en algún caso les condujo a España de por vida. Esas actuaciones experimentales se transformaron así en un último vals tras el ominoso silencio de décadas en el país
El milagro revive inesperadamente cuando un grupo de supervivientes se embarca recientemente en la ingente labor de rescatar esos documentos sonoros y reparar los daños del tiempo sobre el material. En la labor artesanal de salvamento han participado varios conjurados. Flaco Barral se ha dedicado en cuerpo y alma a retocar cada instante de las grabaciones en su estudio La Morada del Colibrí, entre 2027 y 2020. “Se digitalizaron las cintas limpiando los cabezales de cada canción. Más tarde se limpiaron ruidos y se restauraron algunos pasajes”, siempre con la idea de no “alterar los registros originales”, señala. La trabajosa restauración ha llegado solo hasta cierto límite, porque los autores han querido respetar el momento recogido en las cintas y hay alguna canción (Madre del Mundo, el último corte) que aparece en el flamante disco con fallos de calidad, pero “se ha decidido mantenerlo en el mismo por su carácter testimonial”. 

Miguel López - www.dirtyrock.info

Intérpretes y Temas:

01- Yabor: Ver las cosas
02- Yabor: Escuche, mi General
03- Miguel López: Mi partida
04- Eduardo Darnauchans: Canción para un joven contemporáneo
05- Jorge Vallejo: No destrocen mi canción
06- Daniel Bertolone: No es un tema
07- Daniel Bertolone: El tren se llevó a mi nena
08- Jesús Figueroa: Susana se va
09- Jorge "Flaco" Barral: Rincón de la Bolsa
10- Carlos "Pájaro" Canzani: Los ciegos
11- Creación y testimonio: Sugerencia
12- Creación y testimonio: A los niños
13- Saúl Garber: Madre del mundo

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Arco Iris - Tiempo de Resurrección (FLAC-1972)

 

Segundo álbum oficial de Arco Iris y primero en donde la personalidad estilística del grupo se desarrolla plenamente, logrando aquí momentos de gran inspiración. Temas como el progresivo "Negro y blanco" u "Hombre de madera", los elementos folklóricos que distinguen a  "Vasudeva", la melodía barroca con arreglos de jazz en "Garza celeste". Sin olvidar el folk mas exquisito del excelente "Tiempo de resurrección", o el mas popular, con el fogonero "Mañana campestre". Si bien el disco fue grabado en condiciones muy precarias (tan solo dos canales) y publicado originalmente en sistema monoaural, es una de las grandes obras de Arco Iris, que ahora podrán redescubrir desde la nave en formato FLAC.

 

En 1971 al terminar su contrato con el sello RCA, Arco Iris firma con el sello Music Hall. Se incorpora al grupo Horacio Gianello como baterista fijo y graban el simple Mañana Campestre / Soy un Pedazo de Sol, con el que logran un relevante éxito. Ara Tokatlian comienza a trabajar con el saxo, luego de prácticas exhaustivas, también es Ara el que en forma incipiente comienza a encargarse de los teclados. Graban el álbum "Tiempo de Resurreccion", en los estudios Netto. En el album se percibe con claridad un notable progreso en la banda, que logra plasmar con efectividad sus ideas. El folklore es ahora una parte sustancial de la obra musical de Arco Iris y cobran importancia los temas acústicos que se combinan y equilibra con los costados más eléctricos orientados al rock elaborado y a la fusión. Dana participa en algunas voces como cantante. Aún no protagonizan la escena los intrumentos regionales. Entre los agradecimientos figura un musico poco conocido en ese momento: León Gieco. Arco Iris comienza a hacer presentaciones como grupo principal y participan del BARock en el Velódromo Municipal.

Con la intención continua de descubrir otras mixturas rítmicas, en 1972, los integrantes de Arco Iris se fueron de viaje hacia el Norte del país en búsqueda de nuevas experiencias. A su regreso la banda lanzó su obra más ambiciosa: “Sudamérica o el Regreso de la Aurora”, una ópera rock en álbum doble que, a fines de 1972, se volvió a enfrentar con los obstáculos de la dictadura y la censura.
Sus producciones siguientes fueron: “Inti Raymi (1975) y “Agitor Lucens V” (1975) ya internados en los diferentes ritmos de Sudamérica en combinación entre instrumentos autóctonos y los propios de géneros como el rock y el jazz.
Para el líder de Arco Iris, Gustavo Santaolalla, eran tiempos de cambios y luego de presentar “Agitor Lucens V” decidió irse de la banda para luego formar “Soluna”,  junto al baterista del grupo Droopy Gianello y un jovencisimo Alejandro Lerner.
El resto de los integrantes continuaron volcados esta vez más al jazz rock y su despedida en aquella etapa fue con la grabación de “Los Elementales” en 1977.

Integrantes:

Gustavo Santaolalla: Guitarra, voz
Ara Tokatlián: Vientos
Guillermo Bordarampe: Bajo
Horacio Gianello: Batería, percusión
Dana: Guia espiritual, voces

Temas:

01- Negro y blanco
02- Vasudeva
03- Hombre de madera
04- Nuestro amanecer
05- Blues de Dana
06- Tiempo de resurrección
07- Mañana campestre
08- Garza celeste
09- Ignea, aérea y marina
10- Busca la estrella elegida 

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Opus Alfa - Idem (FLAC -24 Bits / Uruguay-1972) Reedición 2016

 

 

Único álbum de una de las bandas seminales del rock uruguayo. Dentro de un estilo emparentado con el rock y blues psicodélico, con elementos barrocos, Opus Alfa contaba entre sus filas con músicos que marcaron el camino de la musica rioplatense. El archivo compartido en la nave, corresponde a la reedición publicada por el sello independiente uruguayo Little Butterfly Records, en 2016.

 

Opus Alfa fue una banda de blues, rock, y música barroca que nació en Montevideo, Uruguay en 1970; dedicándose inicialmente a realizar versiones en idioma inglés de artistas como Jimi Hendrix o Keef Hartley Band. Hacia marzo de 1971 y con la entrada de la nueva sección rítmica formada por Jorge Barral y Jorge Graf, el grupo concentró sus esfuerzos en crear un sonido propio, con letras en castellano.
Con un gran despliegue técnico, por encima de lo usual en la época, Opus Alfa presentó su nuevo material a sala llena en el Estudio Auditorio del SODRE en Uruguay el 4 de agosto de 1971.
Rápidamente el grupo editó su primer simple en el sello De la Planta con los temas "Canción para Kenny y los niños" / "Casa de Huéspedes"; ninguna de las cuales sería posteriormente incluida en su futuro disco L.P.; lo que convierte a este simple en una rareza para coleccionistas. El 15 de diciembre de 1971 se presentaron en el Teatro Solís de Montevideo, cosa que hasta entonces tampoco había sido frecuente entre los grupos de la escena rock del momento.
Además de teatros, fiestas y salas de baile de todo el país, el grupo participó en el Festival B.A.Rock en Buenos Aires, y comenzó a preparar lo que sería su primer y único disco L.P. La grabación se llevó a cabo en los Estudios ION de Buenos Aires durante 1972, con el reconocido y experimentado Carlos Píriz al mando de la mesa de mezclas. En este disco, llamado simplemente "Opus Alfa", el grupo muestra en profundidad toda su variedad de facetas musicales; constituyendo un documento único de un grupo que llegó a convertirse en una de las esperanzas de la música "no comercialoide" en las latitudes del Cono Sur.
Sorpresivamente, y de forma casi conjunta con el lanzamiento del disco, Opus Alfa anuncia públicamente su disolución; invitando a sus seguidores a participar en un recital de despedida en el Teatro del Círculo el 17 de julio de 1972.
Jorge Barral, Daniel Bertolone y Jorge Graf unirían fuerzas formando el power trio Días de Blues, con el que alcanzarían un éxito aún mayor y que trascendería fronteras. Jesús Figueroa desarrollaría una exitosa carrera solista grabando dos discos para el sello Sondor:"Jesús con Todos" y "Mágica Fuente". 

 

"Grabar en los estudios ION con el reconocido técnico Carlos Pírix y disponiendo de cuatro pistas parecía ser la panacea, ya que en Uruguay solo existían grabadores de dos pistas. Sin embargo, las condiciones de trabajo seguían imponiendo restricciones debido a que el sello De la Planta alquilaba dichos estudios solamente los fines de semana. Este disco fue grabado solamente en dos días y prácticamente en primera toma, lo cual demuestra el potencial de la banda. Los diferentes tracks van conjugando una muestra armoniosa de las vertientes exploradas, con una llamativa alternancia en la interpretación de instrumentos. Hay rock en Vamos mal' y 'Calma de un día', blues en 'Blue de mi ciudad' y 'Miel y Humo'; fusión con el tango en languet', barroco en 'Ilusión' y otras experimentaciones en 'Padre' y 'Destino de mis pasos' (donde el mensaje presagia la inminente emigración generalizada). La definición de atmósferas enrarecidas está presente en 'El hueco de mi soledad', un peculiar blues donde se incluyen los efectos de un pedal wah wah para el violín de Polo, al que habían transformado en violín eléctrico de manera artesanal. Luego de esta serie de logros, solo les restaba despedir el año con un concierto en el majestuoso Teatro Solís, el teatro más importante de Uruguay. Ya estaba todo organizado para el 15 de diciembre, con los temas del disco y una buena cantidad de temas nuevos, pero el evento tuvo que suspenderse debido al lamentable fallecimiento del padre de uno de los integrantes. Mientras críticos y seguidores aguardaban esperanzados un nuevo año de Opus Alfa, el grupo desapareció inesperadamente de la escena. Barra!, Bertolone y Graf formaron el power trío Días de Blues, al tiempo que Jesús Figueroa dio comienzo a su proyecto solista, transformándose ambos en protagonistas de la movida. No habían existido discrepancias de tipo alguno sino, tan solo, avatares propios de una época convulsionada y con cambios abruptos. A los efectos de evitar rumores y confirmar oficialmente su deceso, el grupo realizó el Funeral de Opus Alfa el 17 de julio de 1972, un recital donde participaron como invitados varios músicos amigos y donde se promocionó la postergada edición de su único LP. Un disco que, con la banda ya desintegrada, se transformó en uno de los preferidos del rock uruguayo de la época. Esta primera reedición completa en vinilo (y con fotos no incluidas anteriormente), hace justicia con un trabajo que merece conocerse a pesar del tiempo transcurrido. La extraña carátula es la original, con dos huevos sobre un fondo negro, un mensaje que para muchos significó el reconocimiento a una banda con mucho temperamento".

 

Fernando Peláes Bruno, mayo de 2016 (Extracto)

 

 

 

 Integrantes:

 

Daniel Bertolone: Guitarra, flauta, vizcuyo, voz
Jorge "Flaco" Barral: Bajo, guitarra acustica, bandurria, voz
Jesús Figueroa: Voz
Atilano Gil Losada: Teclados, violín
Jorge Graf: Bateria, violín

Temas:

01- Blues de mi ciudad
02- Ilusión
03- Vamos mal. Ah no!
04- El hueco de mi soledad
05- Miel y humo
06- Padre
07- Destino de mis pasos
08- Tanguez
09- Calma de un día

 

 

Formato: FLAC - 48.000 Hz / 24 Bits

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Leo Antúnez - Un Tal Leo Antúnez (FLAC / Uruguay - 1972)

 

Leo Antúnez es un poeta uruguayo de la generación de los 70s. Hacia 1972 publicaba, luego de la edición de un single, el album "Un tal Leo Antúnez". Acompañado de ilustres músicos del medio local de la época, Antúnez brindaba un formato de canción no escuchado ni visto hasta ese momento. Una propuesta casi recitada, versos cantados, dichos con vehemencia, con ganas, con la palabra por delante de una música de corte "pesada", blusera, proto punk; un formato que Zitarrosa bautizaria como "Contracanción".

Visceral, atrevido y disidente, como características mas palpables, Leo Antúnez es considerado por muchos el primer "punk" de Uruguay, adelantado a toda una generación que ni siquiera estaba por gestarse. Revolcandose por distintos escenarios de festivales o shows, escupia su repudio a una sociedad blasfema.
En el año 72 los estudios Sondor fueron testigos de la grabación del único album que registrara Leo. En este larga duracion es acompañado por un poderoso grupo de apoyo: Jorge Barral en guitarras, Jorge Silva en bajo y Yamandú Pérez en bateria y percusion. Pero esta no fue la unica grabacion que nos dejara este artista. Un año antes en los mismo estudios registro el simple "La Jauría", con numero de catalogo 2002 y editado bajo un supuesto sello X, Leo nos dejaba 2 temas: "La Jauría" y "Padre Nuestro", los cuales venian con una tapa en la que aparecian perros comiendole las entrañas a un hombre desangrado en el piso.

"El menos acogido por el público de su tiempo y portador de una extraña avanzada desde el punto de vista musical y literario, fue Leo Antúnez. Incomprendido, denostado y olvidado, musicalmente se anticipó a la aparición de Patti Smith, el punk y el rap, y en su marcado escepticismo, llegó a describir a la sociedad uruguaya con más precisión que mucha prédica esperanzada en un futuro mejor."

“Lo de Leo fue impresionante”, asevera Fernando Peláez. “Parecia fuera de epoca y tanto su propuesta musical como su manera de actuar sobre el escenario o el tipo de letras que cantaba, eran cosas muy dificiles de entender por las audiencias de entonces. Sin embargo lo que hizo Leo Antúnez fue una cosa original, nueva, y no tenía referencias de haber visto algo igual y haber dicho ‘voy a hacer eso mismo’. Su idea de escribir algunos textos y acompañarse con un trio de rock que tocaban sus instrumentos siguiendo el recitado, era una onda que en aquella época provocaba repulsión.”

Fuentes de informacion: http://fotolog.com/warpigs
http://parasentarseaescuchar.blogspot
http://revistaarteycultura.webnode.com
Fernando Pelaez

 

 

Músicos:

Leo Antúnez: Voz (Autor de todos los textos)
Jorge "Flaco" Barral: Guitarras (Autor de todas las musicas)
Jorge Silva: Bajo
Yamandú Pérez: Bateria, percusion

Temas:

01- Epitafio
02- Adriana Rojo
03- Canción de cuna
04- Montevideo
05- Necesito
06- La muerte hermano
07- Dile que las calles estan danzando
08- Gris
09- Estatutos del consecuente
10- Mujer de pan
11- Natalia

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

pass: naveargenta.blogspot