Canciones maltratadas por por las emisoras de radio y cadenas de televisión (XLIX)

Continuamos de manera incansable y disfrutando con esta sección de canciones maltratadas que llega ya al capítulo 49, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero con un británico de Gales y uno de sus temas más míticos, luego seguimos con una formación norteamericana que fundó la bajista de un grupo muy importante con un tema que tuvo mucho éxito y por último una cantante canadiense con su hit más importante.

Tom Jones - It's not unusual (1965)

Tom Jones, el Tigre de Gales, editó el single It's not unusual en enero de 1965 que estaría incluido en su primer disco de ese año Along came Jones. Nacido en Treforest, Gales, Tommy Jones Woodward que es su nombre verdadero, estaba destinado a trabajar en la mina, ya que su ciudad era una localidad que vivía de la minería. Pero su intención no era el pico y pala, si no ser un cantante famoso, algo que no era pretencioso ya que poseía una portentosa voz de barítono, su auténtico as en la manga. Había sido padre muy pronto a los 16 años, así que hizo varios trabajos para traer pan a casa, muchos variopintos como trabajar en una fábrica de guantes, vendiendo aspiradoras o como peón en la construcción. En una actuación con su grupo conoció a Gordon Mills, un mánager que le exigió dos cosas, pasar de Tommy Scott a Tom Jones, y que dejara atrás al resto de la banda, pues él era el que tenía el verdadero talento, y así fue. Mills se lo llevó a Londres y le pone a grabar para el sello Decca el tema It's not unusual, composición de Les Reed y el propio Gordon Mills, una gran canción en un estudio de grabación profesional, con el torrente de voz de Tom que lo da todo y le hace soñar con una carrera musical plagada de éxitos. Pero no todo era idílico, ya que este mismo productor le había ofrecido grabar la misma canción a otra artista consagrada, Sandie Shaw. Por tanto si no quería tener problemas legales, hasta que Sandie no decidiera si cederle los derechos del tema, esta no se podía publicar. Tom Jones se llevó un gran chasco y agachó las orejas volviendo a su Gales natal donde esperaban su esposa e hijo. Pero para su sorpresa Sandie comprobó la enorme calidad de la voz del galés, creyó que no sería capaz de igualar la interpretación de Tom, y en un gesto de bondad y generosidad consintió en cederle los derechos del tema. Una vez en el mercado arrasó allá por donde sonó y por su puesto fue número 1 en Gran Bretaña. Ahí no queda la cosa, ya que el tema fue utilizado en bandas sonoras de películas y si alguien se acuerda, en la sería mítica de los años 90 "El príncipe de Bel Air", el bailecito que el personaje de Carlton Banks hacía de este tema siempre nos sacará una sonrisa.

Os dejo con It's not unusual interpretado en 1968 en The Ed Sullivan Show.

The Breeders - Cannonball (1993)

Kim Deal, la bajista miembro y fundadora de Pixies, sufrió por parte de Frank Black la negativa de que pudiera incluir material suyo en algún disco del grupo, por lo que montó su banda paralela The Breeders cuyo primer álbum salió a la luz en 1990 titulado Pod, siendo su lugar de fundación Dayton, Ohio. Para el segundo disco Last splash de 1993 reclutó a su hermana Kelley Deal a la guitarra y coros, a Jim MacPherson a la batería y Josephine Wiggs al bajo, mientras la propia Kim cantaba, tocaba guitarra, teclado moog y casiotone.

Cannonball fue el single de éxito de ese disco, una canción que tiene un inicio con el toque de las baquetas del batería Jim contra los apoyos que sujetan los platos de la batería, para luego entrar el bajo y una melodía muy llamativa que tiene un estribillo adictivo, en una onda alternativa y con cierto toque grunge, que en plena efervescencia de ese estilo consiguió darle mucho éxito, de hecho llegó al número 2 de la lista de singles de música alternativa en Estados Unidos. El vídeo de esta canción tuvo mucha repercusión en la MTV, estaba dirigido por Kim Gordon (bajista de Sonic Youth) y Spike Jonze el director de cine.

Os dejo con Cannonball de The Breeders.

Shania Twain - Man! I feel like a woman (1997)

Shania Twain es una cantante canadiense que editó su tercer álbum de estudio en 1997 titulado Como on over. Después de un primer disco homónimo en 1993 que la situó en el mapa, fue con el segundo The woman in me con el que consiguió reconocimiento y colocar varios de sus singles en el número 1 de las listas de country de su país Canadá, lo que le reportó grandes ventas del álbum entero. Pero fue con el tercer disco reseñado de 1997 con el que consiguió un éxito internacional abrumador que incluía una canción titulada Man! I feel like a woman que curiosamente no salió como single hasta 1999, y que fue un absoluto hit en todo el mundo. Este tema estaba compuesto por ella misma y su marido, el muy conocido productor Robert John "Mutt" Lange que ha trabajado con gente como AC/DC, Def Leppard, Foreigner, The Cars, Bryan Adams, Maroon 5, Lady Gaga o incluso Muse, entre otros.

Curiosamente el vídeo del tema es el reverso del vídeo que hizo en su día Robert Palmer de la canción Addicted to love, en el que ella canta rodeado de una banda de hombres cachas y que tuvo mucho éxito en las cadenas de televisión obviamente, y de manera curiosa sigue siendo a día de hoy un tema de mucho éxito, sobre todo en el género femenino.

Os dejo con el tema y vídeo de Man! I feel like a woman.

Canciones maltratadas por por las emisoras de radio y cadenas de televisión (XLVIII)

Volvemos con esta mítica sección y disfrutando con canciones maltratadas que llega ya al capítulo 48, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero con un mito norteamericano y uno de sus singles inmortales, una formación norteamericana y un tema absolutamente mítico y por último una unión de una mítica banda británica y una actriz y cantante también británica.

Ray Charles - Hit the road Jack (1961)

Ray Charles, el famoso cantante y pianista estadounidense de Georgia editó en 1961 un single titulado Hit the Road Jack. El tema estaba compuesto por Percy Mayfield que tuvo un fugaz paso por la escena musical norteamericana debido a un accidente automovilístico que le dejó varias secuelas físicas, por ese motivo desde entonces se dedicó a componer canciones para que fueran interpretadas por otros artistas. La canción es un diálogo entre Ray Charles y sus Raelettes (el coro femenino) liderado por Margie Hendrix, precisamente ésta última se encarga de rechazar con una contundente voz las súplicas de Ray cuando canta "No more, no more, no more", realmente ella le dice que coja carretera y manta y se vaya que no lo quiere ver más dicéndole que no tiene dinero y no lo quiere ver más, él le responde que es una mala mujer e incluso le amenaza con volver, y ella le vuelve a decir que si vuelves me voy yo, una disputa en toda regla.

La magia musical de este canción está en la mezcla de diversos estilos musicales como la esencia del góspel, el lamento del blues, gotas de jazz, la energía vocal del soul y ese toque de pop que le hizo tan popular en la sociedad y tan radiada en su día.

La canción fue un número 1 indiscutible en Estados Unidos, pero también lo fue en Suecia y Nueva Zelanda.

Os dejo con Hit the road Jack por Ray Charles.

Chicago - If you leave me now (1976)

Chicago es una formación norteamericana que cogió el nombre de su ciudad para ponérselo como nombre de la formación sin partirse mucho la cabeza. Ellos acabaron encabezando gracias a su enorme éxito aquello que se denominó Jazz-rock que no era otra cosa que incluir secciones de vientos en las canciones, pero no solo como un añadido o un adorno si no formando parte del conjunto. Quizás una banda que hacía algo parecido eran la Electric Light Orchestra, pero los músicos comandados por Jeff Lynne lo hacían con una sección de instrumentos de cuerda en lugar de vientos (aunque estos si los tenían como complemento).

En 1976 editaron X (la mayoría de los discos de esta banda son numeraciones romanas) en el que había una canción titulada If you leave me now, donde se acercaban por momentos al Soft-rock, una tierna balada en cuya letra el cantante y compositor del tema Peter Cetera le dice a su pareja "No te vayas, si lo haces te llevarás la mejor parte de mí, así que por favor mi amor, no te vayas, y si te vas ahora me arrancarás el corazón".

Esta mítica canción fue número 1 en Estados Unidos, Canadá, Gran Bretaña, Australia, Irlanda, etc.,

Os dejo con If you leave me now. 

Electric Light Orchestra & Olivia Newton-John - Xanadu (1980)

En el año 1980 la Electric Light Orchestra después de una década plagada de éxitos como fue los 70, su década dorada, comenzaban los 80 con la banda sonora de la película Xanadu donde el grupo aportaba cinco temas que iban en la segunda cara del vinilo, mientras que la primera cara estaban temas de Olivia Newton-John a dúo con gente como The Tubes, Cliff Richard o Gene Kelly. El tema principal Xanadu que interpretaban juntos la ELO y Olivia Newton-John sonó por todos los rincones del planeta durante la década de los ochenta. La banda sonora sobrevivió a una película nefasta, tan mala que inspiró a John Wilson a crear en 1981 los conocidos premios Razzie, y en esa primera edición Xanadu tuvo seis nominaciones y ganó en la categoría de peor director (Robert Greenwald). El film era una amalgama de videoclips inconexos, un guión surrealista y patético, incluyendo diálogos para el olvido. Aunque es curioso porque la intención inicial de la película no era esa, ya que se contrató a actores serios como la propia Olivia o Gene Kelly, pero el resultado no fue el esperado.

Curiosamente la banda sonora fue todo un éxito, sobre todo la canción que le daba título, recordemos que Olivia Newton-John en aquel momento era una super estrella que también cantaba y venía del éxito de Grease de dos años antes. El tema fue número 1 en Gran Bretaña, Austria, Alemania, Irlanda y Holanda.

Os dejo con el tema y vídeo de Xanadu.

Canciones maltratadas por por las emisoras de radio y cadenas de televisión (XLVII)

Continuamos de manera incansable y disfrutando con esta sección de canciones maltratadas que llega ya al capítulo 47, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero con un británico de orígenes gibraltareños que a principios de los setenta tuvo un éxito tremendo, luego tenemos a unos italianos que tuvieron mucho éxito en los ochenta con un tema adictivo y por último tenemos a un artista austríaco que tuvo un hit a mediados de los ochenta espectacular, utilizando al músico más famoso de su país como reclamo.

Albert Hammond - It never rains in Southern California (1972)

Albert Hammond es un músico de padres gibraltareños, que circunstancialmente nació en Londres en 1944 (sus padres se habían trasladado desde allí a la capital del reino durante la II Guerra Mundial), aunque luego sus padres regresaron a Gibraltar donde Albert creció. Sus inicios musicales fueron en la banda The Diamond Boys, que tuvieron actuaciones por Madrid pero no llegaron a grabar. En 1966 fundó The Family Dogg junto a Steve Rowland, consiguiendo éxitos en las listas británicas. Su dupla compositiva junto a Mike Hazlewood en este grupo destacaba, y fueron desarrollando su carrera durante el final de los 60, hasta que ya Albert empezó con su carrera en solitario. En 1971 se traslada a Estados Unidos, donde le ficha CBS. Su primer disco en solitario de 1972 titulado It never rains in Southern California, tenían 10 temas compuestos por ese dúo con Hazlewood, y el tema que daba título al disco fue un éxito absoluto, aunque hubo más temas del disco que fueron singles y entraron en listas. It never rains in Southern California es un tema de folk-pop de una clase indudable que fue número 1 en España, número 2 en Canadá y Nueva Zelanda y número 5 en Estados Unidos. Se trata de un tema maltratado en esa época de manera inmisericorde.

Os dejo con It never rains in Southern California, interpretado en 1975.

Righeira - Vamos a la playa (1983)

Ahora vamos con un dúo italiano originario de Turín llamado Righeira y formado por Stefano Rota y Stefano Righi que con un tema incluido en su primer disco homónimo de 1983 tuvieron un tremendo éxito, la canción se llamaba Vamos a la playa. El tema estaba compuesto por Stefano Righi y Carmelo La Bionda, este último fue el productor, teniendo un gran éxito en Europa ese año, fue canción del verano debido al significado del título y su melodía alegre. Hay que decir que el contexto histórico del tema no es baladí, ya que el año del lanzamiento de la canción se vivía todavía una alta tensión entre Estados Unidos y la Unión Soviética (había Guerra Fría aún), y el mundo temía un ataque nuclear, por eso en la letra del tema se escucha la frase "vamos a la playa, la bomba estalló" o alusiones a la radioactividad cuando hablan del agua fluorescente. Musicalmente es un tema claramente ochentero con sintetizadores dominando. 

Un año después volvieron a tener éxito con No tengo dinero.

Os dejo con Vamos a la playa.

Falco - Rock me Amadeus (1985)

Johan "Hans" Hölzel, cuyo nombre artístico era Falco, fue un cantante y compositor austríaco cuyos estilos navegaban entre el synth pop, el hip hop, el pop y el rock. Vendió muchos millones de copias en su corta y productiva carrera (falleció a los 40 años en un accidente de coche) y tuvo muchísimo éxito ya desde la publicación de su primer álbum en 1981 con el tema Der Kommissar con números 1 en Austria y Alemania. Pero fue en 1985 cuando editó su tercer álbum titulado Falco 3 cuando alcanzaría éxito mundial con su tema Rock me Amadeus, hablamos de una canción que fue número 1 en prácticamente toda Europa, Australia, Nueva Zelanda y Estados Unidos. Fue el primer artista de habla germana en conseguir un número 1 en USA.

La canción fue grabada en alemán y su temática es sobre Wolfgang Amadeus Mozart, en la que habla de su popularidad y sus deudas a la sociedad, seguramente influenciada por la película Amadeus de 1984. También existe una versión más larga de ocho minutos llamada "Salieri mix" que iba en el lanzamiento inicial del álbum Falco 3 en Estados Unidos.

Os dejo con el tema y vídeo de Rock me Amadeus.

Canciones maltratadas por por las emisoras de radio y cadenas de televisión (XLVI)

Continuamos de manera incansable y disfrutando con esta sección de canciones maltratadas que llega ya al capítulo 46, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero a una formación californiana y sesentera con un tema que fue un hit, luego a un artista norteamericano que tuvo un tremendo éxito con un tema que hizo para una banda sonora y por último una banda mexicana con uno de sus hits más machacados de la historia.

The Turtles - So happy together (1967)

Esta banda norteamericana de Los Ángeles, cuyo estilo navegaba entre el pop (bubblegum pop según los expertos), el rock psicodélico y el folk rock eran gente feliz, de buen rollo, con tintes melancólicos, pero con aire de descaro que siempre me gustó, eran frescos. Autores de no menos de 10 hits en toda regla, pero para la historia siempre quedó este temazo, el So Happy together. Los líderes del combo eran Mark Volman (guitarra y coros) y Howard Kaylan (voz y teclados), que se conocieron en la escuela junto a Al Nichol (guitarra solista, teclado y coros), Chuck Portz (bajo) y Don Murray (batería) que formaron The Crossfires. Antes de eso. todos excepto Volman formaron los Nightriders, un grupo que hacía surf instrumental, que cambió el nombre al entrar Volman. Posteriormente se uniría Jim Tucker (guitarra rítmica), decir que el bajo en esa época lo compartían Chuck Portz y Chip Douglas, de hecho fue Chip quien grabó So Happy together. Cuando Rob Foster, que era propietario de un club y disc-jockey local los escucha, les consigue un contrato con la White Whale Records, convirtiéndose claro en su mánager. El ya sexteto pasa a llamarse The Tyrtles en homenaje a The Byrds, pero al final se quedan en The Turtles. 

En 1967 editaron su tercer álbum, titulado Happy together, que incluía la canción de marras, y que fue a la postre su álbum más vendido, puesto 25 en las listas americanas, pero el single llega al número 1 y fue éxito rotundo en medio mundo. En España muchos grupos versionaron el tema como Los Mustang, Los Ángeles y Cristina y Los Stop, adaptándola al castellano como "Los dos tan felices".

Curiosamente la canción estaba compuesta por Garry Booner y Alan Gordon, miembros del grupo The Magicians, que compusieron más temas para el disco. Una canción vocalmente extraordinaria, con armonías preciosas y una melodía portentosa.

Os dejo con So happy together.

Michael Sembello - Maniac (1983)

Vamos ahora con otro de esos casos de un One hit wonder, el de Michael Sembello y su tema Maniac, perteneciente a la banda sonora de la película Flashdance. Hablamos de un músico norteamericano que comenzó su carrera en los años 70 siendo guitarrista de estudio, trabajó y hasta compuso para una variada gama de artistas como Michael Jackson, Diana Ross, Barbra Streisand, Donna Summer y Stevie Wonder (con este estuvo hasta cinco años). En 1983 decidió lanzar su carrera en solitario, y para ello trabajaba en el disco Bossa Nova Hotel, producido por Phil Ramone, saliendo en septiembre de ese año. Pero antes, por el mes de abril de ese año había salido la banda sonora de Flashdance, y ese tema estaba incluido (temas como el de Laura Branigan o Joan Jett se quedaron fuera), los singles fueron What a feeling de Irene Cara y Maniac de Michael Sembello (cuya esposa envió a los ejecutivos de Paramount Pictures el tema, cuando buscaban música adecuada). Maniac fue un éxito rotundo, número 1.

La parte negativa estaba para su autor en que esa canción había sido compuesta años antes para la película de terror Maniac (1980), y lo que se hizo fue ajustar las letras, eso propició una situación crítica, ya que fue nominada a los Oscars como mejor tema de la película, pero fue descalificada al no estar compuesta originalmente para Flashdance, que si se llevó Irene Cara por What a feeling.

Lo innegable es que este tema totalmente ochentero es uno de los hits que más han sonado siempre y aún hoy lo sigue haciendo.

Os dejo con el tema y vídeo de Maniac.

Maná - En el muelle de San Blas (1997)

Maná es una banda mexicana, cuyos orígenes se remontan a un grupo musical llamado Sombrero Verde, cuyos integrantes eran Fher Olvera a la voz, Gustavo Orozco a la guitarra eléctrica y los hermanos Calleros, Juan al bajo, Ulises a la guitarra eléctrica y Abraham a la batería, originarios todos de Guadalajara. Hicieron dos discos en 1981 y 1983, y de las cenizas de esa formación nació Maná que ya no tenían al hermano batería que se fue a Estados Unidos, y por él entró Alejandro González, siguiendo Juan y Ulises Calleros al bajo y guitarra respectivamente y Fher a la voz, mientras Gustavo Orozco también se fue más tarde.

En 1987 lanzan su primer disco homónimo como Maná en el sello Polygram, en el segundo disco entra Alex González a la batería e Iván González a los teclados, mientras en el tercer álbum entra César "Vampiro" López a la guitarra por Ulises que causa baja. Pero será a partir del cuarto disco cuando ya se quede una alienación estable con Fher a la voz y guitarra, Alex González a la batería, Juan Diego Calleros al bajo y Sergio Vallín a la guitarra.

Fue con su disco de 1997 Sueños líquidos, el quinto como Maná, con el que tuvieron reconocimiento a nivel mundial, vendiendo mucho. En ese disco estaba incluido el tema En el muelle de San Blas, una canción que con el tiempo fue absolutamente maltratada por todos lados, cosa que luego sucedería con más temas de esta formación. El tema cuenta la historia de una chica que espera vestida de novia cada día en el muelle a que llegue su novio del mar, ya que le ha prometido que le esperará, y los vecinos piensan que la chica ha perdido la cabeza...

Fher, el cantante, siempre ha dicho que está basada en un hecho real, lo cierto es que la historia existe, pero no es exactamente como la cuenta la canción. El famoso Muelle de San Blas está en la población mexicana del mismo nombre en el estado de Nayarit, en la zona central de la costa del Pacífico. A mitad de los 90 Fher, paseaba por Puerto Vallarta de San Blas, cuando se le acercó una anciana de sesenta años y le dijo algo así como: "ya viene mi amor... mi amor mañana va a venir, él viene en barco". Más tarde se le acercó un chico y le dijo que no le hiciera caso pues era la Loca del muelle de San Blas, y le dice que ella se quedó ahí pillada desde que su chico la dejó y se fue, ahí es cuando se le encendió la luz a Fher.

Os dejo con el tema y vídeo de En el muelle de San Blas.

Canciones maltratadas por por las emisoras de radio y cadenas de televisión (XLV)

Continuamos de manera incansable y disfrutando con esta sección de canciones maltratadas que llega ya al capítulo 45, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero con la canción denominada como el primer rock and roll de la historia, luego con el tema más famoso y exitoso de un mito de la música que nos dejó hace poco y por último un tema de una banda que hacía mestizaje musical y que reventó listas.

Bill Haley & His Comets - Rock around the clock (1954)

Bill Haley & His Comets fue una banda de rock and roll creada en 1952, aunque el propio Haley había empezado antes en 1950 acompañándose de The Saddlemen, donde hacía una mezcla de música country y western, que luego fue cambiando y evolucionando hasta llegar al rock and roll. Rock around the clock es un single grabado por esta formación el 12 de abril de 1954 para el sello Decca Records de New York y que es considerado el primer rock and roll de la historia, además de ser la primera canción de este estilo que llegó al número 1 de ventas en Estados Unidos. Escrita en 1952 por Max C. Freedman y James E. Myers fue grabada inicialmente por Sonny Dae and His Knights, y ha tenido múltiples versiones de todo pelaje, desde grupos punks como Sex Pistols, la banda belga Telex de synth-pop o incluso la cantante norteamericana afincada en Mexico, Gloria Ríos, adaptó una versión al castellano con el título de El relojito. Pero para la historia siempre quedó como la gran versión de este tema la de Bill Haley & His Comets, con una interpretación memorable, a parte de ser considerados en sus tiempos tan revolucionarios como Beatles y Stones, antes de ellos claro.

Os dejo con la interpretación del tema en el show de Ed Sullivan en 1955.

Jerry Lee Lewis - Great Balls of Fire (1957)

Jerry Lee Lewis publicó el single Great balls of fire el 11 de noviembre de 1957, después de haberla grabado un mes antes, el 8 de octubre. El pianista y cantante tuvo un gran éxito con esta canción en los medios de comunicación de la época, que la elevaron a la categoría de himno del rock and roll, de hecho alcanzó el número 1 tanto en Estados Unidos como en Reino Unido, y puestos altos en Nueva Zelanda y Alemania. Jerry Lee Lewis era nacido en Ferriday, Louisiana, y fue el primer rebelde, por así decirlo, del rock debido a su personalidad altanera, llevando su música al lado más salvaje y frívolo dentro de una sociedad muy conservadora en aquel momento y llena de trabas. Sin ir más lejos, se casó con su prima de 13 años de edad (algo increíble en esa época) Myra Gale Brown en 1958, pero ese era ya su tercer matrimonio, el primero lo tuvo cuando él tenía 16 años en 1952, hablamos de un tipo que se casó en total siete veces. Pero eso le ocasionó censuras de las discográficas, las polémicas con los medios más conservadores, exceso de pastillas y el descenso de fama y popularidad.

Musicalmente tenía su sello distintivo con su piano, tocándolo de manera salvaje con pies, y tacones incluso, haciendo la diferencia en vivo y marcando territorio con sus rivales, esa actitud le llevó a tener el apodo de "The killer".

Y volviendo al tema en cuestión se grabó ese 8 de octubre de 1957 en los Sun Records Studios en Memphis, Tennessee, tema cedido por el compositor Otis Blackwell, quien venía de trabajar en algunas canciones para Elvis Presley, que para esta ocasión y en un detalle bastante extraño, mandó la cinta a los agentes del sello bajo el pseudónimo de Jack Hammer. El tema tenía muchas metáforas referidas al ámbito sexual, algo que iba perfecto con la personalidad del músico. Pero fue el propio Sam Phillips, dueño de Sun Records, quien animó a Jerry a que grabara la canción sin temor a las censuras, ya que por ejemplo su familia que era muy religiosa, le tenía crucificado. Se trata de una canción que no llega a los dos minutos y es una absoluta maravilla, vertiginosa y al grano.

Recordar que en 1989 salió el biopic del artista llamado como esta canción, que tuvo a Dennis Quaid como el actor elegido para darle vida.

Os dejo con el tema y vídeo de Great balls of fire.

Mano Negra - Mala vida (1988)

A finales de los años 80 salió un grupo llamado Mano Negra, que ayudaron a crear en la época el llamado "mestizaje", un término que estuvo de moda muchos años, pero que no todos sabían hacer o interpretar, ya que esa fusión entre estilos, ese cruce, o llámese como se quiera, se desnaturalizó con pastiches de poca calidad donde sobre una base de un estilo se le añadían pinceladas étnicas como adorno, y encima se vendía como un producto de mezcla de culturas y demás, naranjas de la China.

Pero por contra, sí que hubo unos pocos artistas y bandas que si que consiguieron esa fusión de músicas diferentes bebiendo de fuentes distintas y diversas, consiguiendo un sonido peculiar y distintivo que partía además de un modo de vida, en ciudades de alta inmigración, en cuyas calles de suburbios de París o Londres, había esa amalgama de gentes de diferentes etnias. Por supuesto era el caso de nuestros protagonistas Mano Negra, con Manu Chao al frente, hijo de emigrantes españoles afincados en las afueras de París, que había convivido ya desde pequeño con gentes de otras razas e ideas diferentes, por si fuera poco su padre Ramón Chao era un escritor y periodista de solera, con lo que en su entorno siempre había artistas e intelectuales que le forjaron. Manu ya formó parte de grupos desde adolescente en compañía de su hermano Antoine o su primo Santi Cassariego, partiendo de estética y sonido punk, a los que añadían otros muchos estilos para crear su propio sonido y señas de identidad. En 1987 formó Mano Negra, banda que tuvo mucho éxito en Europa, donde había esa mezcla de punk, rock, ska, reggae, música africana, música sudamericana, etc., una banda con entradas y salidas de miembros, épocas de separaciones y demás...

En 1988 editaron su primer álbum Patchanka, que tenía un tema incluido llamado Mala vida (ellos cantaban más en castellano que en francés) y que supuso su puerta al éxito y el fichaje por una multinacional, en su caso Virgin Records. Aunque todo el disco fue muy bien recibido, este single se llevó la palma, y es una de esas canciones que ha sido machacada hasta la saciedad en radiofórmulas, garitos, televisiones, etc., y por supuesto formaba parte imprescindible de sus directos.

Os dejo con el tema y vídeo de Mala vida.

Canciones maltratadas por por las emisoras de radio y cadenas de televisión (XLIV)

Seguimos de manera incansable y disfrutando con esta sección de canciones maltratadas que llega ya al capítulo 44, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero con una banda de chicas de soul que en la década de los 60 tuvieron mucho éxito, un artista italiano que tuvo éxito en su país y también en España muy querido, y un artista de la Guayana Británica que hizo un tema a finales de los 80 que no paró de sonar con connotaciones políticas.

The Supremes - You can't hurry love (1966)

Diana Ross, Mary Wilson y Florence Ballard empezaron a cantar juntas a finales de los años 50 reunidas por un mánager de Detroit llamado Milton Jenkins, que a la vez llevaba a otro grupo masculino llamado The Primes, pasando ellas a ser Primettes para realizar su acompañamiento, así como el grupo de acompañamiento de Ray Charles eran las Raelettes o las de Ike Turner las Ikettes. Tras pasar por el pequeño sello LuPine Records, un vecino de Diana, un tal Smokey Robinson, les recomendó a Berry Gordy que, adoptando una actitud paternalista las rechazó por su edad... tenían solo 15 años, pero les prometió un contrato para más adelante, a los 16 años. Finalmente fichan por Motown en 1961 y adoptaron el nombre de The Supremes, entre otros motivos porque The Primes dejaron de serlo para pasar a ser The Temptations al fichar también por Motown. Berry Gordy ya tenía en nómina a Martha & The Vandellas o The Marvelettes, con las que tuvo muchos éxitos, pero con The Supremes iba a por el premio gordo.

Su primer número 1 no fue hasta 1964 con Where did our love go, a la que siguieron Baby love, Come see about me, Stop! in the name of love o Back in my arms again en ese mismo año. Pero sería en 1966 con el disco The Supremes A' Go-Go donde un single sería un número 1 incontestable que les asentó definitivamente en la cima, el You can't hurry love. con un arrebatador ritmo, bailonga y puesta en todos lados. Phil Collins hizo una conocida versión y la banda australiana Jet dijo que fue su inspiración para otro tema maltratado, el Are you gonna be my girl? del 2003.

Os dejo con You can't hurry love por The Supremes.

Franco Battiato - Centro de gravedad permanente (1981)

Franco Battiatio fue uno de los mejores músicos italianos del siglo pasado y cuyo éxito merecido le vino después de trabajar muy duro y tener claro su hoja de ruta experimentando con todas las artes. Fue uno de esos artistas que no cambió un ápice por ser famoso, ni se adaptó a modas, si no que hizo lo que creyó que era la mejor expresión de su sensibilidad y de su espíritu, y a quién en un momento dado, el público supo entender lo que nos quería mostrar. Cuando la fama le abandonó no pervirtió su alma y obra en pos del estilo predominante, al contrario continuó haciendo lo que creía cimentando una carrera admirable.

Siciliano de nacimiento se marchó a Milán con 20 años para aprender música, haciendo al principio versiones de temas del momento pero luego se fue metiendo en grupos de rock progresivo y electrónica en la década de los 60. Comienza a editar discos en solitario en 1970 sin demasiada repercusión, pero que le permiten evolucionar hacia un synth-pop elegante que le dará popularidad en los 80 con dos trabajos, Patriots de 1980 y sobre todo La voce del Padrone de 1981 donde estaba el tema en cuestión, Centro di gravitá permanente, una maravilla donde nos habla de cómo una persona trata de mantenerse centrado en su yo, a pesar de todas las influencias que recibe, y con ello conseguir su sueño de encontrar a su enamorada.

Os dejo con el tema y vídeo de Centro di gravitá permanente.

Eddy Grant - Gimme hope Jo'Anna (1988)

Eddy Grant es un músico originario de la Guayana Británica, que editó en 1988 un disco titulado File under rock, en el que estaba incluido el tema Gimme hope Jo'Anna de aire reggae y marchoso con el que quiso dar visibilidad al problema del Apartheid de Sudáfrica, y fue dedicada según Eddy, el autor, a Nelson Mandela. La falta de libertad que imperaba por medio de los colonizadores ingleses y la segregación racial, hizo estallar una guerra social en el país donde Mandela encarcelado durante muchos años, era la cabeza visible del movimiento que estaba en contra del sistema imperante. Ese mismo año se hizo un concierto en Wembley pidiendo su liberación.

En cuanto al tema, la palabra Jo'Anna no se debe a un nombre femenino, si no que es una referencia a Johannesburgo, la ciudad más grande de Sudáfrica, y donde estaba el núcleo de todo este movimiento racial. Canción pacifista con influencias del mensaje social de Mandela.

Os dejo con el tema y vídeo de Gimme hope Jo'Anna.

Canciones maltratadas por por las emisoras de radio y cadenas de televisión (XLIII)

Seguimos de manera incansable y disfrutando con esta sección de canciones maltratadas que llega ya al capítulo 43, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero con un dúo de hermanos que en la década de los 50 eran auténticos reyes, luego una banda de cinco hermanos de los cuales uno sería muy famoso, pero que primero comenzó con sus hermanitos donde despuntaba, y por último hablaremos de una banda británica que a principios de los setenta tuvo mucho éxito con su primer álbum y un single tremendo.

The Everly Brothers - All I have to do is dream (1958)

The Everly Brothers eran dos hermanos, Don y Phil Everly, nacidos en 1937 y 1939 respectivamente dentro de una familia de artistas country que recorrían el país dando recitales en pequeños locales. Su primer sencillo apenas tiene repercusión, pero atrae la atención de Chet Atkins que los apadrina y les consigue un muy buen contrato. Su primer disco homónimo de 1957 contiene dos de sus grandes éxitos como Bye Bye love y Wake up little Susie, que son número 2 y 1 en las listas americanas de ese año. Todo eso se confirma aún más en 1958 con All I have to do is dream que les consagra totalmente como artistas del momento. Y será en 1960 cuando firman un contrato descomunal y estratosférico con Warner por un millón de dólares de la época, a lo que contestarían con otro número 1 como Cathy's clown, dentro de su disco A date with The Everly Brothers. Armonías vocales maravillosas y su mezcla de música vocal con country y rockabilly, era sencillamente excepcional.

Pero volvamos a ese single de 1958, una maravilla de canción que es casi como una nana y que les hizo ser escuchados en ese momento por todos lados.

Os dejo con All I have to do is dream.

The Jackson 5 - I want you back (1969)

En 1969 los Beatles hacían su último disco y se preparaban para su separación y justo al mismo tiempo pero al otro lado del Océano Atlántico, un movimiento ganaba mucha fuerza y el sello Motown era un semillero de grandes y talentosos artistas en el que Marvin Gaye y Stevie Wonder eran ya grandes estrellas, pero justo en ese momento un grupo de hermanitos darían una patada en ese tablero, algo inesperado, se trataba de The Jackson 5, en el que destacaba el pequeño Michael, por lo que Berry Gordy, el jefe del sello tuvo en esta banda un filón que le haría ganar mucho dinero y el grupo sería mundialmente famoso compuesto por cinco adolescentes que bailaban y cantaban como nadie lo había hecho hasta ese momento.

En octubre de 1969 lanzaban su primer sencillo I want you back, compuesta por The Corporation (compositores asalariados del sello) que se convirtió en un éxito inmediato, número 2 en el Reino Unido y llegando al número 1 en el Billboard Hot 100, de hecho todos los singles de su debut discográfico llegaron al número 1, un récord sin precedentes.

I want you back formó parte del álbum Diana Ross Presents the Jackson 5 y vendió más de 6 millones de copias alrededor del mundo. Ni que decir tiene que es un tema maltratado que ha sido escuchado por todo el planeta y lo sigue haciendo.

Os dejo con I want you back en el show de Ed Sullivan.

America - A horse with no name (1972)

La banda angloamericana America se formó en Inglaterra, concretamente en un colegio al que acudían los hijos de militares y funcionarios estadounidenses en el extranjero. y fue allí donde Dan Peek y Gerry Beckley empezaron a dar forma al proyecto musical que se completó en la universidad con Dewey Bunnell. Tenían como estilo principal el folk-rock cuyos componentes originales fueron Dewey Bunnell a la guitarra y voz, Dan Peek al bajo, guitarra acústica y coros y Gerry Beckley al bajo, guitarras, piano y coros. Ray Cooper les ayudaba a las percusiones. La banda tuvo su época de esplendor en la década de los 70, que comenzaron muy fuerte con un single de 1972 titulado A horse with no name, que tenía esa característica de tema de corte acústico y armonías vocales muy trabajadas, bastante habitual en el grupo. Dan Peek, quiso dar un giro a su vida a finales de los 70, cansado de tanto alcohol y drogas y optó por abandonar el grupo y probar con el rock cristiano donde al parecer le fue muy bien hasta su fallecimiento en 2011.

En la canción se recrea un viaje a través del desierto como excusa para perderse en la naturaleza y lo que no es la naturaleza, alguna droga creo que ayudó en estas reflexiones. Fue número 1 en USA y Canadá, número 2 en Australia y número 3 en Gran Bretaña. La canción salió editada el 12 de noviembre de 1971 en Gran Bretaña y el 12 de enero de 1972 en Estados Unidos, aunque luego sería incluida en su primer álbum homónimo de 1971, en la reediciones posteriores de ese álbum.

Os dejo con el tema y vídeo A horse with no name.

Canciones maltratadas por las emisoras de radio y cadenas de televisión (XLII)

Seguimos de manera incansable y disfrutando con esta sección de canciones maltratadas que llega ya al capítulo 42, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero con la banda más famosa de la historia y una versión que ellos convirtieron en la más exitosa de todas de un tema anterior, luego con el tema más conocido y versionado de The Kinks, la otra gran banda británica justo en el cambio de década y por último una cantante norteamericana que a principio de la década de los 80 tuvo su hit que le dio mucho éxito.

The Beatles - Twist and shout (1963)

The Beatles grabaron su versión de Twist and shout para su primer álbum Please Please me de 1963. Se trata de un tema compuesto por Phil Medley y Bert Russell, titulada originalmente "Shake it up, baby", grabada primero por los Top Notes y luego versionada por The Isley Brothers. En 1961 y con Phil Spector como productor, Top Notes grabaron el tema como Shake it up, sin estar todavía ni por asomo con el muro de sonido en su cabeza el famoso productor, la canción carecía de energía y tuvo poco éxito. Un año después la grabación de los Isley Brothers con Roland Isley a la voz principal, fue la primera grabación con bastante éxito alcanzando el puesto 17 en las listas del Billboard y el 2 en las listas de Rhythm and blues norteamericanas.

La grabación del tema por The Beatles se produjo el 11 de febrero de 1963 en una maratoniana sesión de doce horas y este fue el tema grabado en último lugar ya que John Lennon arrastraba un catarro que afectaba a su voz. Por decisión de George Martin, el productor, se dejó la canción para los últimos 15 minutos, John para cuidar su voz y suavizar su garganta bebía leche y tomaba caramelos y si se escucha bien la canción se notan los efectos de la tos en su voz, y aún así es una toma extraordinaria donde el talento vocal de John es incontestable.

Se trata sin duda de la versión más famosa del tema, escuchada y puesta en todos sitios y que ellos tocaban siempre en directo en su época de directos.

Os dejo con Twist and shout interpretada en el Show de Ed Sullivan.

The Kinks - Lola (1970)

The Kinks, la banda británica comandada por los hermanos Ray y Dave Davies editaron en 1970 Lola versus Powerman and the moneygoround, Part One, un maravilloso disco donde estaba incluido el tema Lola. Lola, es un tema mítico, absoluta perla, pero hay que decir varias cosas acerca de esta canción y no todas buenas por cierto, ya que esta fue una de las que más influyó en la mala relación entre Ray y Dave ya que el primero se atribuye la autoría de música y letra y el segundo afirma que la música es suya, así las cosas pasaría a la historia sólo acreditada a Ray, aunque hasta hoy en día Dave la sigue reclamando. Como curiosidad, en la versión single, eliminaron (debido a presiones comerciales) la alusión a la Coca-Cola y cantan “Cherry-Cola”. Así pues, hay dos versiones una con “Coca-Cola” y otra con “Cherry-Cola”. En la letra Ray, con su fino e irónico humor inglés habla de un chico de pueblo que llega a Londres, se mete en un club nocturno en un sótano del Soho y se enamora de un travestido, sin saber él que esa persona que responde al nombre de Lola es un travestido. Su canción sin duda más exitosa, junto a You really got me, y un hit mundial puesto en todos sitios.

Os dejo con el tema y vídeo de Lola.

Kim Carnes - Bette Davis Eyes (1981)

Kim Carnes es una cantante norteamericana que editó en 1981 su sexto álbum de estudio titulado Mistaken Identity. En este álbum había un tema titulado Bette Davis Eyes, que fue un auténtico hit y le colmaron de grammys en su día, un auténtico bombazo de tema que se caracterizaba por su voz raspada que mucha gente asociaba a Bonnie Tyler o Rod Stewart e incluso los confundía. La canción en sí, estaba compuesta por Donna Weiss y Jackie DeShannon, un medio tiempo muy ochentera con teclados muy presentes. Luego su carrera seguiría con más discos pero más tirando al country y abandonando el pop. Este hit le elevó a la fama y fue puesta por todos lados, recuerdo esas cintas con mezclas de canciones de la época y esta siempre estaba.

Os dejo con el tema y vídeo de Bette Davis Eyes.