A Maldição da Flor Dourada (Man Cheng Jin Dai Huang Jin Jia) 2006

No seu novo filme, "Curse of the Golden Flower", Zhang Yimou, aparentemente, tentou misturar os seus dois géneros preferidos num épico de fazer a terra tremer, mas tal como o medicamento que desempenha um papel de destaque no desenvolvimento da história, a combinação é tóxica.
Ocorrendo durante a vanguarda da Dinastia Song, "Curse of the Golden Flower" narra-nos o conto de Shakespeare de uma família imperial presa numa teia de intrigas. O Imperador (Chow Yun Fat) está a envenenar lentamente a Imperatriz (Gong Li), por razões desconhecidas, a Imperatriz está apaixonada pelo seu enteado, o príncipe Wan (Liu Ye); Wan está apaixonado pela humilde serva (Li Man) encarregada de adicionar o ingrediente venenoso para a sua madrasta, o filho do meio, Jai (Jay Chou), concordou em juntar-se à Imperatriz para conspirar contra o seu pai, e o filho mais novo (Qin Junjie) parece ser um tolo ignorante que simplesmente olha para outro lado.
Como muitas pessoas já se tinham apercebido desde "Hero", estas tramas labirínticas passadas no milénio anterior são críticas alegóricas da ordem política contemporânea da China. O retrato de rebeliões contra o regime antigo podiam passar pelos censores do Partido Comunista como estando em conformidade com os ditames progressistas do comunismo, enquanto o seu fracasso final serve para desencorajar qualquer um que pensa sobre as rebeliões de hoje. São uma forma bastante segura de retratar o conflito político na tela: a ordem é sempre restaurada, e o caos espreita constantemente em segundo plano para alertar sobre as consequências desastrosas da doença. Por causa das suas limitações, existe um limite para os sentimentos políticos que podem ser expressos num filme tomando essa forma, mas Curse of the Golden Flower empurra o género quase tão longe quanto ele poderia ir. No entanto, Curse of the Golden Flower, conscientemente ou não, transmite uma verdade essencial sobre as políticas modernas chinesas. Apesar da crescente insatisfação com o regime, expressa no aumento do número de protestos e manifestações a cada ano, as massas permanecem amplamente politicamente inativas, um testemunho da sua despolitização sob Deng Xiaoping.
Ao contrário de "Hero" e "House of Flying Daggers", que com suas sequências de artes marciais elegantemente coreografadas eram semelhantes ao ballet, este filme com os seus ricos visuais e uma trama melodramática é mais como uma ópera sem as arias. Mesmo assim, tem algumas cenas de combate - como um duelo entre o Imperador e Jai, e um par de batalhas espectaculares na segunda metade, com o exército acrobático dos guerreiros do Imperador encapuzados que descem das altas montanhas.
   
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O Segredo dos Punhais Voadores (Shi Mian Mai Fu) 2004

Depois do sucesso de "Hero", visualmente deslumbrante e aclamado pela crítica, só se podiam esperar grandes coisas para vir da mente do argumentista-realizador Zhang Yimou, depois de elevar a fasquia dos filmes de kung fu que procuravam a aceitação generalizada nos cinemas dos Estados Unidos, e um pouco por todo o mundo . "House of Flying Daggers" não decepciona quem espera paisagens de tirar o fôlego, figurinos fantásticos, lutas muito bem coreografadas, e uma sumptuosa fotografia, porque a esse respeito, tem quase tudo o tinha sido o filme anterior. Também é uma obra mais acessível, com uma storyline mais simples (embora haja algumas reviravoltas interessantes), bem como menos ênfase na arte e na história que formou parte da história de "Herói", que deixou muitos espectadores um pouco perplexos sobre ao que exatamente estava a acontecer.
A história passa-se nos últimos dias da dinastia Tang, onde dois "policias" que trabalham para o imperador, Jin (Takechi Kaneshiro) e Leo (Andy Lau), desfrutam da visita a um bordel local. Eles são apresentados a Mei (Zhang Ziyi), uma mulher cega, mas bonita, que desperta o interesse com as suas habilidades para dançar, bem como a sua afinidade com as artes marciais. Eles suspeitam que ela é membra da facção rebelde de oposição ao imperador, o evasivo Clã dos Punhais Voadores , e assim elaboram um plano para descobrir o seu paradeiro, bem como quem é o líder deste grupo de bandidos. Sendo ambos bastante mulherengos, o plano passa por libertar Mei, e esperar que ela os leve até aos rebeldes...
Se apenas a ênfase no visual do filme pudesse transcender o desenvolvimento das personagens, talvez possamos ter uma obra de arte nas nossas mãos. Por toda a sua magnificência, a história e as caracterizações nunca são capazes de combinar com a riqueza da fotografia, assim como já havia acontecido em Hero, e ficamos mais com um sentimento de admiração pelo artesanato do filme do que para os elementos da própria história. Yimou é um artesão mestre quando se trata de evidenciar a acção e o humor, mas gasta muita energia nos sinos e assobios, negligenciando a humanidade que devia estar no centro desta história de amor. Mesmo assim, é um filme deslumbrante.

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Herói (Ying Xiong) 2002

Ao longo da sua carreira internacional de 15 anos, o chinês Zhang Yimou tem explorado a tensão do cruzamento entre biografias individuais e da história nacional. O mais completo da chamada "Quinta Geração" de cineastas - a primeira turma do Beijing Institute of Film depois da revolução cultural da década de 1970 - os filmes de Zhang têm sido muitas vezes críticos contra as desigualdades sociais na China, ora examinando o papel da classe e do patriarcado na era pré-comunista (Esposas e Concubinas, 1991) ou dramatizando o tumulto da Revolução Cultural (To Live, 1994). Em todos os seus filmes, no entanto, Zhang prefere a humanidade em vez da história, mas a última é muitas vezes a força inexorável pesando sobre a primeira.
O filme seguinte de Zhang, "Herói", é um épico wuxia (kung fu), e representa uma viragem na sua carreira. Por um lado, é um trabalho mais descaradamente comercial de Zhang, depois de uma dúzia de filmes de arte. Apesar de ser um dos filmes mais caros da história chinesa, também é um dos de maior sucesso de sempre no país.
Também é a sua primeira incursão no cinema de género, sem dúvida inspirado no grande sucesso de "O Tigre e o Dragão", de Ang Lee (2000). Enquanto que os dois filmes compartilham o elenco principal e diversos membros da equipa de produção, "Hero" é o primeiro filme de Zhang onde o elemento "humano" é menos significativo, enterrado sob uma produção estilizada.
"Hero" é passado no início da história "moderna" da China, no século II AC, durante o reinado de Qin Shi Huang (Daoming Chen), o primeiro imperador da dinastia da China. As facções de Qin esmagam os seus rivais. Não surpreendentemente, ele era muito odiado e atraía inúmeros assassinos dos estados subjugados. Um gerreiro misterioso, Wu Ming (Jet Li), o seu nome literalmente traduzido quer dizer "sem nome", chega ao palácio real, entregando as armas de três assassinos: Sky (Donnie Yen), Broken Sword (Tony Leung), e Flying Snow (Maggie Cheung). Sentado diante de Qin na sua sala do trono, Wu começa a contar como  adquiriu as três armas, e a maior parte do filme é composto por esses flashbacks. Zhang admite descaradamente ter copiado a estrutura de Rashômon de Akira Kurosawa (1950), ao passo que tal repetição presta-se aos planos artísticos do filme.
Zhang esconde algumas imperfeições sob o brilho de uma reconhecidamente impressionante beleza visual. O diretor de fotografia australiano Christopher Doyle, que trabalhou com Wong Kar Wai em vários filmes e também em "O Tigre e o Dragão", captura a expansiva majestade dos desertos coloridos de Zhao, bem como os detalhes minuciosos de um quadro de pintura. Zhang também salpica baldes de cor em Hero, saturando cada frame.
O retrato de Qin em "Herói" é mais simpático do que a história nos conta (ele era tão despótico que uma revolta camponesa terminou a sua dinastia apenas um ano depois da sua morte). Não está claro qual o propósito de tal revisionismo, a não ser para exaltar (ou talvez mistificar) as origens de um destino manifesto chinês. Numa altura em que o fervor nacionalista unilateral é a fonte de instabilidade considerável no mundo, Hero aparece para justificar a guerra sob a bandeira da paz. 

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O Caminho para Casa (Wo De Fu Qin Mu Qin) 1999

"O Caminho Para Casa", é um hino à beleza. Especificamente, a beleza do amor, à paisagem chinesa, e à actriz Zhang Ziyi, embora não necessariamente nesta ordem. Aqueles adversos ao sentimentalismo ou a imagens bonitas vão querer evitar este filme.
Zhang Yimou recebeu algumas críticas pela sua aparente mudança de rumo nos seus dois últimos filmes (Nenhum a Menos e The Road Home) . Em contraste com as leves mensagens anti-autoritárias, mas poderosas dos seus filmes anteriores, The Road Home (e, até certo ponto, Nenhum a Menos) fornece uma visão decididamente mais ensolarada da vida rural, com ênfase nas pessoas simples e nas suas vontades e desejos . 
A história em si também é muito menos complicada do que nos filmes anteriores de Zhang. Um homem de meia-idade, regressa à sua aldeia natal para ajudar a sepultar o seu pai, um professor respeitado e marido dedicado. À medida que o homem e a sua mãe preparam o funeral, ele lembra-se de como os seus pais se conheceram , "uma história recitada por todos na cidade".
O pai, Luo Changyu (interpretado por Zheng Hao), era um jovem de 20 anos de idade, que tinha crescido na cidade, mas é enviado para a aldeia rural de Sanhetun, como o primeiro professor da escola. Lá, ele chama a atenção da rapariga mais bonita da aldeia, Zhao Di (a radiante Zhang Ziyi). Embora seja um pouco impróprio, a jovem começa a perseguir o professor lisonjeado-o: ora indo buscar água quando ele está a ver, preparando a sua comida, e mais importante, casualmente sentado à beira da estrada onde ele passa todos os dias. O rapaz logo logo lhe começa a retribuir a atenção...
Embora já saibamos como a história irá acabar (os dois foram casados ​​por mais de 40 anos), ainda há algo poderoso neste conto de amor, e as cenas finais do filme, da longa marcha fúnebre, é um maravilhoso testemunho do respeito e do carinho que se pode ganhar na vida. Zhang Yimou mencionou a sua admiração pelo realizador iraniano Abbas Kiarostami, e na cena de abertura do filme, um ponto de vista rodado do interior de um carro enquanto dirige por uma estrada de montanha sinuosa, é-lhe uma homenagem maravilhosa. Mas é apenas isso, além das interpretações naturalistas de alguns dos actores não-profissionais, "The Road Home" tem pouco mais em comum com os filmes de Kiarostami.
Ganhou o Leão de Prata em Berlim, entre outros prémios em diversos festivais.

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Nenhum a Menos (Yi Ge Dou bu Neng Shao) 1999

Wei (Wei Minzhi), uma jovem de treze anos de idade, é enviada para assumir o comando de uma turma de crianças em idade escolar, enquanto o seu instrutor, o professor Gao (Gao Enman), atende a um assunto familiar. Em troca, Wei irá receber uma pequena quantidade de dinheiro, que lhe faz falta. Wei ainda nem terminou a sua própria escolaridade, e é pouco mais velha do que algumas das crianças que irá ensinar, e com poucas idéias de como terá de proceder para fazê-lo.
Zhang (Zhang Huike), um rapaz de olhos negros e um sorriso malandro, é um dos alunos da classe. Quando um dia não aparece na escola, Wei descobre que foi enviado à cidade para trabalhar para a sua família. Um mandato do governo afirma que todas as crianças devem receber educação e Wei prometeu ao professor Gao que haveria de ter o mesmo número de crianças na sala de aula quando este voltasse. Wei parte então para a cidade, para trazer Zhang de volta, a todo custo...
O argumento escrito por Shi Xiangsheng é uma história que não depende muito do enredo, mas sim das acções dos seus personagens. Muitos deles são pobres devido ao ambiente em que vivem, e a passar por dificuldades financeiras, enquanto Zhang que é uma espécie de conspirador, até que, de repente, se encontra a implorar por comida na cidade. A maioria da narrativa do filme é dirigida pela determinação de Wei para não deixar que o seu professor fique mal visto, e ajudar a ensinar estas crianças, apesar dos seus limites educacionais. Ao entrar em Beijing, ela irá encontrar pessoas que, relutantemente, irão ajudá-la, mas também eles precisam de dinheiro e outras coisas fundamentais.
O argumento também é uma exploração sobre o sistema educacional nas aldeias remotas da China, onde os recursos são escassos e o dinheiro é muito pouco. Era preciso garantir que cada pedaço de giz usado nas aulas não fosse desperdiçado ou ficavam metidos em trabalhos. Há um elemento de comentário social que Xiangsheng quer enfatizar, mas não o quer fazer de uma forma pesada. Em vez disso, Xiangsheng só usa esse comentário para sublinhar o drama, que é mais sobre esta jovem tentando trazer um pobre rapaz para casa. 
Vencedor do Leão de Ouro no Festival de Veneza.

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A Tríade de Xangai (Yao a Yao Yao Dao Waipo Qiao) 1995

Nesta história de gangsters passada na década de 1930, Tang Shuisheng, um jovem de 14 anos, chega a Xangai vindo do interior, para trabalhar para o chefe da tríade. O tio do jovem mostra-lhe como cuidar de Xiao Jinbao (Gong Li), a amante do chefe que canta no seu clube. Com espanto e de olhos arregalados, Shuisheng observa a opulência do seu patrão, o narcisismo e a petulância da amante, e a traição de Song, o protegido do chefe. Quando o gang foge para uma ilha para evitar a vingança de um gang rival, Shuisheng fica ainda mais chocado quando vê a vida de pessoas inocentes serem levadas pelo patrão e os seus homens.
Zhang Yimou, que já tinha demonstrado a sua mestria visual através de uma ampla gama de géneros cinematográficos, estendeu o seu portfólio para as convenções do film noir, com este obscuro Shanghai Triad. O filme anterior de Zhang, "Viver", era uma expressão marcante da luta existencialista e tinha atraído bastantes prémios no exterior, mas a sua recepção interna colocou-o em letígio com o governo chinês. O filme representava a miséria imposta a pessoas comuns por autocrátas, e campanhas perturbadoras do governo chinês levaram as autoridades a proibir que ele fosse mostrado na China, e também proibir temporariamente Zhang de fazer cinema. Assim, com este "Shanghai Triad", Zhang mudou-se para águas mais seguras, fazendo um filme de gangsters supostamente convencional, passado na década de 30, antes da tomada ao poder dos comunistas.
Isto poderia levar a que ele produzisse um comum thriller escapista, mas com os seus toques especiais, que ele dá ao seus filmes, qualquer coisa que Zhang faça, haverá sempre a tentação de considerar questões maiores. Então, "Shanghai Triad" tem a sua parcela de temas interessantes que estão por trás dos eventos retratados. A história segue as experiências ao longo de oito dias de um jovem de quatorze anos de idade, que foi enviado para a cidade grande para trabalhar para um gangster. Na China, especialmente no período da guerra das tríades no início do século 20, quando instituições de segurança estavam em grande parte ausentes, as relações de confiança eram essenciais, e o membro de um clã era a ligação de maior confiança. A atmosfera paranóica de desconfiança naqueles dias era ainda mais elevada no submundo, executada pelos grandes grupos, ou "tríades", por isso a lealdade do clã era fundamental. O foque do filme é inteiramente através da perspectiva de Shuisheng, de modo a que o espectador veja e aprenda tudo sobre o que está a acontecer. Mas a estrutura narrativa passa por três fases que são, respectivamente, dominadas pela atenção a cada um dos três personagens principais: o rapaz, a namorada do chefe, e o chefe da tríade...
Há alguns temas de interesse em Shanghai Triad, além daqueles da traição e vingança. Os primeiros filmes de Zhang Yimou tinham mostrado muitas vezes protagonistas que lutavam para existir dentro de um ambiente social que se fazia sentir - ou um meio social imposto às pessoas por costumes antiquados ou pelas políticas autocráticas imprudentes de oficiais comunistas. Como consequência, muitos especialistas viram Zhang como um crítico social, um rótulo a que ele resistiu. Mas esta perspectiva geral de Zhang é mais vista como representando uma perspectiva existencialista mais pessoal do indivíduo, tentando fazer o seu caminho num mundo difícil - e, portanto, não a partir de uma perspectiva abertamente crítica sobre as estruturas sociais. Aqui, em "Shanghai Triad", também, vemos uma situação semelhante - um ambiente sufocante. Só que desta vez o ambiente opressivo é o cruel submundo do submundo, onde a empatia só é vista como um sinal de fraqueza.
Não é dos melhores filmes de Yimou, mas ainda assim interessante.

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Viver (Huozhe) 1994

Passado ao longo de quatro décadas de turbulência política chinesa, "Viver" segue a vida de um casal, Fugui e Jiazhen (Ge You e Gong Li), e os seus filhos, enquanto lutam para sobreviver e encontrar o seu lugar dentro do caos da revolução chinesa. Através de reviravoltas bizarras, perdas trágicas e profunda esperança, Fugui e a  perseverança da sua família procuram encontrar no amor uma razão para viver.
 É um facto bem conhecido que Houzhe (Viver) foi proibido na China durante o seu lançamento e o realizador, Zhang Yimou, foi ele próprio banido durante dois anos. O olhar crítico do filme sobre as políticas do regime comunista não fazem dele uma obra típica de propaganda anti-comunista. O comunismo é o cerne da estrutura narrativa. Não se pode assistir a um único frame do filme sem se perceber o rosto de Mao, a propaganda do Partido Comunista, e até mesmo a cor vermelha que está presente em todas as cenas de Houzhe. No entanto, em vez de tomar uma abordagem retrospectiva dos seus personagens, por exemplo olhando-os para baixo, Zhang concentra-se nas suas vidas, motivações, enfim, permite-nos olhar para as suas almas. Fugui e Jiazhen inicialmente seguem os comunistas não tanto por causa de uma crença incondicional na sua retórica e política, mas porque lhes prometeram uma vida melhor.
Gong Li, a musa de Zhang, encarna o pragmatismo que muitos chineses tiveram, uma vez que os comunistas tomaram o poder. A sua personagem, Jiazhen, compreende, melhor até do que o marido, que a lealdade cega para qualquer partido é um sinal de arrogância. Isto é visto por ela claramente, enquanto todas as outras pessoas ao seu redor, a maioria homens, são tão cegos para o fazer, a ideologia é minada através da prática humana. No filme vemos o rosto de Gong passar de doce e amável para o de uma avó maternal de cabelos grisalhos, ela não perdeu nada da sua beleza, mas a sabedoria da experiência ensinou-lhe a não esperar muito desta vida.
Poucos filmes se aproximam do nível de honestidade alcançado por "Viver". Esta é uma história cujo tema central subjacente é expresso no título: através de todas as lutas, dificuldades e momentos de rara magia e alegria, os personagens continuam com as suas vidas. Como Jiazhen aponta, não importa o quanto sombrias as circunstâncias se apresentam, a única opção é ir em frente.
Ganhou vários prémios em Cannes, inclusivé o grande prémio do Juri.

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A História de Qiu Ju (Qiu Ju da Guan Si) 1992

A personagem do título, Qiu Ju (interpretada por Gong Li), é uma camponesa que vive num pequeno enclave agrícola com o marido Qinglai, a irmã e o pai. Está no último trimestre da sua primeira gravidez. Um dia, enquanto o marido conversa com Wang Shantang, o chefe da comunidade, são afectados por um problema de falta de comunicação. Um comentário de Qinglai é mal interpretado reflectindo sobre a incapacidade do chefe para produzir um filho (ele tem duas ou três filhas). O líder do município é insultado por esta inferência e bate em Qinglai, bate-o tão severamente que ele é obrigado a consultar um médico e permanecer ausente do trabalho. 
Devido a esta injustiça, Qiu Ju tenta dar uma explicação a Wang Shatang, que não está disposto a ouvir. Qiu Ju fica determinada em endireitar o "errado",  e estabelece contacto com oficiais da pequena cidade mais próxima. Como o caso a ser mediado e re-mediado (por insistência dela) pela burocracia do governo, que nunca mais resolve a contento de Qiu Ju. Ela, essencialmente, procura um simples pedido de desculpas e a disputa continua até um clímax potencialmente devastador.
O filme inclui inúmeros momentos cómicos. Vinhetas humorísticas envolvendo a ingenuidade dos camponeses quando Qiu Ju e Miezi viajam para Pequim, abundam ao longo do filme. Qiu Ju pergunta em voz alta se o suposto doutor que examina o seu marido não é realmente apenas um veterinário. A escolha de roupas mais modernas, para disfarçar as raízes rurais também são engraçadas.  
Continuando com os sub-temas da perseverança da mulher, diligente e irreprimívelmente paciente (como pode ser visto em outros dos seus filmes), Zhang usa novamente uma longa viagem pedestre como veículo de expressão. Nos seus esforços para fazer justiça, Qiu Ju, com a sua grande barriga, e a obediente cunhada Meizi fazem o caminho para a cidade maior várias vezes, assim como o caminho para a capital da província. Aqui Zhang usa maravilhosamente as multidões de pessoas correndo para suas actividades diárias, que ajuda a aumentar a natureza realista do filme. 
Ousada e determinada como a personificação da Mãe Terra que ela obviamente representa, Qiu Ju continua implacável, até que Wang Shantang é prorrogado aos seus olhos para participar no eventual nascimento do seu filho.
Mais um filme multi-premiado,  especialmente no Festival de Veneza, onde levou 5 prémios, incluindo o Leão de Ouro. Legendas em inglês.

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Esposas e Concubinas (Da Hong Deng Long Gao Gao Gua) 1991

Superficialmente, trata-se da história de Songlian (Gong Li), uma jovem educada, que é atormentada pela sua madrasta para se tornar na quarta concubina de um homem mais velho e rico.
Quando chega a casa deste, descobre que vai compartilhar um pátio, ladeado por casas pertencentes às outras três concubinas do mestre. Em cada noite, o mestre escolhe a concubina com quem vai dormir, que é, então, tratada com o melhor ritual de massagem nos pés. Esta "concorrência" de favores estabelece o cenário para o conflito e a traição. 
Mergulhadas na tradição, as mulheres - juntamente com os seus servos, um dos quais é desesperadamente ciumento por Songlian - são como belas aves numa gaiola, mimadas e alimentadas, mas com pouco mais para passar o tempo. A mais velha, Yuru (Shuyuan Jin) deu ao mestre um filho e é usada para os caprichos familiares. A segunda, Zhouyan (Cao Cuifen), por sua vez, só lhe conseguiu dar uma "filha inútil", mas parece resignada ao seu destino, a terceira é Meishan (Ele Caifei) - também mãe de um filho - e a novata Songlian. 
As alianças da família são como areia movediça, como cada mulher a tentar chamar a atenção do mestre, com táticas por vezes desleais - não importa o quão maldosas poderão ser - a serem uma opção.
Tal como no filme anterior de Yimou, "Ju Dou", a cor é muito importante. Fotografado usando o processo de Technicolor, este dá aos vermelhos uma importância e uma vivacidade adicional. O som é igualmente importante para esta película. O barulho da concubina sortuda a receber as massagem nos pés ecoa através das casas das outras três, que se contorcem de inveja e raiva. Cada personagem é plenamente realizada - excepto o mestre, deliberadamente reduzido a uma figura distante que nunca temos a sorte de conhecer bem. Songlian é, por sua vez, uma heroína trágica, uma jovem perdida e uma bruxa de intrigas, e as outras personagens femininas são igualmente complexas. 
Embora seja um melodrama simples, há muito mais a acontecer à superficie do filme de Yimou. Não é só uma acusação pungente do tratamento das mulheres na China - que aqui são um pouco mais do que animais de estimação mimados, não mais criadoras do seu próprio destino - o filme também pode ser visto como um ataque mais central aos sistemas políticos da China, com as mulheres que representam o "homem comum" forçadas a aderir a "regras" políticas que são tão draconianas que a corrupção é quase obrigada a acontecer. Não é de admirar, então, que fosse um filme inicialmente banido no seu lançamento, mas tal como muitos outros filmes de Yimou, foi muito premiado fora do país, vencendo o Leão de Prata em Veneza, e conseguindo uma nomeação aos Óscares de Melhor Filme em Língua Estrangeira.

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Judou (Ju Dou) 1990

Na China dos anos 20, um dono de uma tinturaria casa-se com uma jovem mulher, Ju Dou, na esperança que esta lhe dê um herdeiro. Consta que ele já matou anteriores esposas por não lhe conseguirem o tão desejado filho e efectivamente é brutual com Ju Dou, espancado-a e torturando-a.
A beleza de Ju Dou atrai Yang Tiang-qing, sobrinho do negociante mas criado desde a infância como filho. Esta atracção acaba por ser mútua e Ju Dou vê nele um escape à sua vida clasutrofóbica e encontram-se secretamente. Quando Ju Dou engravida, dá grande alegria ao velho negociante mas Yang Tiang-qing sabe que é seu filho e isso tortura-o. Mas um acidente irá permitir que a verdade sobre a sua relação seja revelada, no entanto parece que sobre o filho de ambos paira algo perturbador.  
Esta é a história do homem estável que quer a princesa que é mantida por um homem louco. Na verdade, a história expõe como o homem estável fica com a princesa e como as coisas podem ficar muito complicadas para o seu lado. O processo de Technicolor usado por Yimou é bastante evidente na demonstração da sua influência dos grandes melodramas da década de 1950, Douglas Sirk mais notavelmente. A história tem um senso de melodrama clássico e também um toque de tragédia grega. Zhang Yimou, é de facto um grande realizador chinês, mas tem uma profunda influência norte-americana nos seus filmes e o conhecimento de filmes clássicos é bastante impressionante. Ele gosta de justapor uma trama num contexto chinês. Assim como nos seus outros filmes, Ju Dou é uma obra muito bonita de se ver, e as roupas coloridas dão cores vibrantes para o uso, já bem feito, do Technicolor.
Não é o filme asiático mais famoso de todos os tempos, mas foi nomeado para o Óscar de Melhor Filme Estrangeiro e está presente na lista das 1.000 maiores filmes de todos os tempos. E merece o seu lugar na lista.

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Milho Vermelho (Hong gao liang) 1987

Primeira longa-metragem de Zhang Yimou, em 1987, "Red Sorghum" mostra muitas das características que se tornariam familiares no trabalho do realizador ao longo dos anos, desde "Raise the Red Lanter", "Ju Dou", "To Live" até "Hero", ou "House of Flying Diggers" - um foco em personagens centrais femininas fortes, uma sensação de romantismo épico e a preponderância da cor vermelha. Esta última pode parecer uma característica menor para associar-se a um cineasta, mas não nos filmes de Zhang Yimou, onde a cor carrega as conotações habituais de sangue, paixão, raiva, além de ser a cor tradicional chinesa para os casamentos, e em nenhum dos filmes do realizador a ênfase é mais colocada sobre o uso puro de imagens, simbolismo e cor do que neste filme de estreia.
A dependência das qualidades visuais para contar histórias e a sua importância ao longo da narrativa real  em "Red Sorghum" poderia ser colocada devido à inexperiência de Zhang Yimou como realizador, vindo ele de uma carreira como diretor de fotografia e de ter trabalhado em filmes de Chen Kaige como "Yellow Earth" e "The Big Parade", mas enquanto o diálogo é certamente escasso na adaptação da história épica de Mo Yan, nos livros "Red Sorghum" e "Wine Sorghum", o filme tem uma riqueza visual que elimina a necessidade de qualquer exposição excessiva, que não fornecida ocasionalmente por um narrador que examina a década de trinta do ponto de vista de como conheceram os seus avós, e deram à luz o seu pai durante um período histórico conturbado.
O material da lenda do filme de Zhang Yimou satisfaz tanto os contos populares como é um tributo subversivo para a vitalidade e resistência da cultura camponesa chinesa. Situado numa província remota do Norte, nos anos 20 e 30, a história é narrada por um homem que se lembra da vida e dos tempos dos seus avós. A rapariga é assaltada e violentada num campo, a caminho de um casamento arranjado com um idoso, cultivador de milho. Ele morre misteriosamente, e o seu violador, eventualmente, começa a viver com ela. Com o desenvolver do filme, o tom muda de claro para escuro, dando lugar ao terror e ao sacrifício, com a chegada das forças japonesas. Anteriormente um diretor de fotografia, Zhang enche a tela com imagens ricas e sensuais que iluminam e celebram a vida camponesa (acentuando os campos de milho, ou um eclipse do sol), e usa actores, música e cor de um modo profundamente expressivo. Isto, na sua estreia como realizador, confirma-o como um dos melhores e mais versáteis dos cineastas da quinta geração chinesa.
Venceu o Urso de Ouro no festival de Berlim, num ano em concorria com realizadores como Agnès Varda, Norman Jewison ou Alex Cox. 

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Terra Amarela (Huang Tu Di) 1985

A quinta geração do cinema chinês deixou a sua primeira marca com esta colaboração entre os dois membros que se tornariam os seus mais conhecidos, Chen Kaige e Zhang Yimou. "Terra Amarela" retrata a dureza da vida rural e os valores tradicionais de uma jovem camponesa de 14 anos, que vive perto do famoso rio, em 1939. A sua vida é traçada, lutando contra a natureza na quinta do seu pai até que em breve será forçada a um casamento arranjado com um homem muito mais velho, tal como a sua irmã também o fora. A rapariga desperta quando um soldado comunista aparece na quinta ensinando canções folclóricas para que ela possa ensiná-las aos seus amigos. Este filme parece ter o aspecto de propagandista, sugerindo que a salvação para as mentiras é entrar para o exército, tentando adquirir a alegria de cantar como um sinal de liberdade, mesmo que, pelo menos a sós, ou com os animais, podemos escolher a nossa própria música.  No entanto, a relação entre a jovem e o soldado não é transcendental, e nós suspeitamos que, em vez disso, subtilmente mostra a diferença entre as formas de pensar das pessoas e as formas de pensar do partido, o facto de que uma nova ideologia não pode prontamente mudar um antigo modo de vida. O final acaba por ser outra piada cruel do destino. Ficamos com a música de encerramento irónica "O Partido Comunista vai salvar-nos a todos!" mas o comunista não salva a jovem do que lhe prometera. É um final subversivo clássico, mostrando tanto as antigas e novas maneiras de ser igualmente indiferente a proporcionar uma vida de qualidade.
No processo, reviver estas canções folclóricas para um novo público ajuda a recuperar um pouco da cultura que o velho partido comunista acabou por destruir. Yimou ainda era um diretor de fotografia, nesta altura, e a sua fotografia é o maior motivo para ver o filme. Ele tira o máximo partido do imponente terreno montanhoso, desolado, com longos takes e vistas panorâmicas para mostrar os pontos negativos (a solidão, o isolamento, a inevitabilidade), bem como os positivos (o espaço, a liberdade, a alimentação). O filme tem muito pouco diálogo, a maior parte é transmitido através das paisagens. O uso do som é muito importante, com as músicas que fornecem os pensamentos e sentimentos dos personagens, o vento e a água corrente mostrando inegávelmente a influência da natureza. Dados os problemas que Yimou e Kaige tiveram com a censura, é uma maravilha este filme não ter sido proibido na China, como alguns de seus trabalhos posteriores. Talvez a falta de narrativa literal tivesse confundido os censores o suficiente para que eles não tivessem implicado com as ironias?  
Legendas em inglês, mas o filme tem poucos diálogos.

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