Memorabilia: Revistas / Magazines / Fanzines (206) - Op. - Nº 18 - Primavera de 2006

Revista Op. (visões da matéria)
#18: Primavera de 2006 : ano 6, 2006: 3.50€76 páginas papel maior que A4, toda a cores em papel de luxo brilhante.

Ver o enquadramento desta revista neste post

O Melhor de 2005
Início de ano que se preze não pode deixar de ter os balanços dos momentos altos da edição e criação cultural. Apresentamos aqui a nossa contribuição para essas ousadias de sistematização histórica.

Bruno Bènard-Guedes
Tom Zé “Estudando O Pagode”
Common “Be”
Ablaye Cissoko “Le Griot Rouge”
William Parker Quartet “Sound Unity”
M. Ward “Transistor Radio”
Quasimoto “The Further Adventures Of Lord Quas”
Sharon Jones & The Dap-Kings “Naturally”
Isolée “We Are Monster”
Ed Motta “Aystelum”
Seu Jorge “Cru”
FME “Cuts”
Pierre Boulez / Ensemble Intercontemporain “Boulez – Le Marteau Sans Maître, Dérive 1 & 2”
One Self 2Children Of Possibility”
Electrelane “Axes”
Beck “Guero”
Delia Gonzalez & Gavin Russom “The Days Of Mars”
Boubacar Traoré “Kongo Magni”
LCD Soundsystem – “LCD Soundsystem”
Jan Jelinek “Kosmischer Pitch”
James Finn Trio “Plaza De Toros”
Pete Philly & Perquisite “Mindstate”
Smog “A River Ain’t Too Much To Love”
The Vandermark 5 “The Color Of Memory”
Daedelus “Exquisite Corpse”
Jon Hassell “Maarifa Street – Magic Realism 2”

José António Moura
[45 em 2005]
Atom TM “Acid Evolution 1988-2003”, álbum
Delia Gonzalez & Gavin Russom “The Days Of Mars”, álbum
“Fragments Of Fear” mixed with blood by Quiet Village, mixtape
Jackson, primeira meia hora na festa da Rádio Oxigénio, ao vivo
Janie Lidell “Game For Fools”, canção
Lindstrom & Prins Thomas “Lindstrom & Prins Thomas”, álbum
Map Of Africa “Black Skinned Blue Eyed Boys”, single
New Young Pony Club “The Get Go”, single
“O Castelo Andante”, Hayao Miyazaki, filme
Strawberry Force Fields Forever, acid house / bleep techno no Passos Manuel, Porto e Lux, Lisboa
Peter Shapiro “Turn The Beat Around – The Secret History Of Disco”, livro
Tim Lawrence “Love Saves The Day – A History Of American Dance Music Culture 1970-1979”, livro
“Rub n Tug Present Campfire”, compilação
DJ Harvey de novo no spotlight
Wax Poetics, revista
Loosers em mudança permanente
Songs Of The Green Pheasant “Nightfall (For Boris P)”, canção
Bobbie Marie “Stay Away”, canção
Whatever We Want, editora
Konono Nº 1, Sines, ao vivo
Sleeparchive”1-4”, singles
“Acid: Can You Jack?”, compilação
Omar-S & Shadow Ray “Oasis Collaborating I”, álbum
Omar-S, Detroit new school
Jamal Moss, Chicago new school
Fiery Furnaces “EP”, álbum
Sterolab “Interlock”, canção
Liars “ItFit When I Was A Kid”, single
Mark Broom “Any Number Between 1 & 17”, remistura de Autechre
Tokyo Black Star “Violent Rush”, música
Ennio Morricone “Crime And Dissonance”, compilação
BBI Elite Force, action figures
“Beat Street” (Atan Lathan), dvd
Ceephax Acid Crew “Fak005”, mini-álbum antigo
Bunker, editora
Kenner, figuras Star Wars vintage
“Das Boot”, Wolfgang Petersen, dvd
Sahko, editora + mixtapes
The Residents “Diskomo”, single antigo
Frankie Valli “Grease”, single antigo
Sei Miguel no concerto de Pop Dell’Arte no Lux
Black Leotard Front “Casual Friday”, single
Andre Agassi vs James Blake quartos de final US Open Ténis

Mário Lopes
[2005 visto e (reouvido)]
!!! @ Paredes de Coura
Adam Green “Gemstones”
Ali Farka Touré @ Monsanto
Amadou & Marian @ Músicas do Mundo, Sines
Andrew Bird @ Lux, Lisboa
Animal Collective “Feels”
Animal Collective @ Floresta do Ginjal, Cacilhas
Arcade Fire “Funeral”
Black Mountain “Black Mountain”
Black Rebel Motorcycle Club “Howl”
Bright Eyes “I’m Wide Awake, It´s Morning”
d3ö “7 Heartbeat Tracks”
Dan Sartain “Dan Sartain vs. The Serpientes”
Destroyer @ ZDB, Lisboa
Devendra Banhart @ Sudoeste
“Dig” Ondi Timoner
The Fall “Fall Heads Roll”
Fiery Furnaces “EP”
Franz Ferdinand “You Could Have So Much Better”
Gary Higgins “Red Hash”
The Go! Team “Thunder Lightning Strike!”
Howling Hex “You Can’t Beat Tomorrow”
Jamie Lidell “Multiply”
Joe Bataan “Call My Name”
Kaiser Chiefs “Employment”
Kanye West “Late Registration”
The Kills “No Wow”
Kings Of Leon “Aha Shale Heartbreak”
Konono Nº 1”Congotronics”
LCD Soundsystem “LCD Soundsystem”
LCD Soundsystem @ Lux, Lisboa
Loosers “For All The Round Suns”
Magnolia Electric Co. “What Comes After The Blues”
Matt Elliot “Drinking Songs”
“No Direction Home” Martin Scorsese
Old Jerusalem “Twice The Humbling Sun”
Panda Bear @ ZDB, Lisboa
Paul McCartney “Chaos And Creation In The Backyard”
Pop Dell’Arte @Fórum Lisboa
Sagas “Rostu Limpu”
Six Organs Of Admittance “School Of The Flower”
Six Organs Of Admittance + Joanna Newson @ Lux, Lisboa
The Skygreen Leopards “Life And Love In Sparrow’s Meadow”
Sons And Daughters “Reputation Box”
Stephen Malkmus “Face The Truth”
Vários “Tropicália: A Brazillian Revolution In Sound”
Weird War “Illuminated By The Light”
The White Stripes “Get Behind Me Satan”
Willy Mason “Where The Humans Eat”

Nuno Galopim
[música > discos > internacional]
Arcade Fire “Funeral
Sufjan Stevens “Illinoise”
Rufus Wainwright “Want Two”
Brian Eno “Another Day On Earth”
Animal Collective “Feels”
Antony And The Johnsons “I Am A Bird Now”
Patrick Wolf “Wind In The Wires”
Franz Ferdinand “You Could Have It So Much Better”
Editors “The Back Room”
Khonnor “Handwriting”

[música > discos > nacional]
Bernardo Sassetti “Alice”
Mariza “Transparente”
Clã “Vivo”
David Fonseca “Our Hearts Will Beat As One”
Rocky Marsiano “The Pyramid Sessions”
Mafalda Arnauth “Diário”
Kátia Guerreiro “Tudo Ou Nada”
The Ultimate Architects “Soma”
Post Hit “Post Hit”
Bernardo Sassetti “Ascent”

Ricardo Sérgio
(música > discos]
Arcade Fire “Funeral”
Architecture In Helsinki “In Case We Die”
Fiery Furnaces “EP”
Sufjan Stevens “Illinoise”
Antony And The Johnsons “I Am A Bird Now”
Franz Ferdinand “You Could Have It So Much Better”
LCD Soundsystem “LCD Soundsystem”
Bebe “Pafuera Telaranas”
Kaiser Chiefs “Employment”
Margarida Pinto “Apontamento”
Frank Black “Honeycomb”
William Shatner “Has Been”
Old Jerusalem “Twice The Humbling Son”
Archer Prewitt “Wilderness”
Factor Activo “Em Directo Do Fim Do Mundo”

Rui Miguel Abreu
[música > discos]
Atom TM “Acid Evolution 1988-2003”
Beat Konducta “Movie Scenes”
Boards Of Canada “The Campfire Headphase”
Common “Be”
David S. Ware “Live In The World”
Dwele “Some Kinda”
Edan “Beauty And The Beat”
Flanger “Spirituals”
Isolèe “We Are Monster”
Harmonic 33 “Music For Film, Television & Radio, Volume One”
Jamie Lidell “Multiply
Joe Bataan “Call My Name”
Kanye West “Late Registration”
Lindstrom & Prins Thomas “Lindstrom & Prins Thomas”
Platinum Pied Pipers “Triple P”
Prince Paul “Instrumental”
Quantic Soul Orchestra “Pushin On”
Quasimoto “The Further Adventures Of Lord Quas”
Roots Manuva “Awfully Deep”
Sharon Jones & The Dap Kings “Naturally”
Shawn Lee’s Ping Pong Orchestra Sound Directions “The Funky Side Of Life”
Steve Spacek “Space Shift”
Thelonius Monk Quartet with John Coltrane “At Carnegie Hall”
Whomadewho “Whomadewho”

[música > discos > compilações]
Juan Atkins “20 Years”
“The Free Design – The Now Sound Redesigned”
“Cold Heat”
“Love’s A Real Thing”
“New Thing”
“Soul Gospel”
The Soulsavers Soundsystem “Staring At The Radio Staying Up All Night”
Mizell Bros “Mizell”
David Axelrod “The Edge”
“Rub ‘n’ Tug present Campfire”
Idjut Boys “Press Play”
Greg Wilson “Credit To The Edit”
“This Is Melting Pot Music”

Vicente Pinto de Abreu
[música > discos]
AGF / Vladislav Delay “Explode Baby”
The Books “Lost And Safe”
Electrelane “Axes”
Jamie Lidell “Multiply”
Jan Jelinek “Komischer Pitch”
Joe Bataan “Call My Name”
LCD Soundsystem “LCD Soundsystem”
Six Cups Of Rebel “Arp She Said”
M.I.A. “Arular”
One Self “Children Of Possibility”
Sharon Jones & The Dap Kings “Naturally”
TBA “Annule”
Who Made Who “Who Made Who”

   

A GRANDE ILUSÃO

texto Pedro Santos

ilustração Liliana Mendes

30th century pop

Milhares de horas de polimento acústico nunca poderiam ter criado outra coisa para além do gigante encantamento sonoro que ouvimos na nova obra-prima de Scott Walker.

Scott Walker

“The Drift”

4AD / Popstock, 2006

Não conseguiremos encontrar, hoje, personagem mais enigmática na música do que Scott Walker. Na companhia de Brian Wilson, tem tentado emergir do longo período de reclusão que se seguiu ao fim da época de ouro dos anos 60 – um com Walker Brothers, o outro com Beach Boys. E se os dois norte-americanos são nomes fundamentais para vislumbrarmos uma arquitectura suprema da escrita de canções, um é claramente mais lúcido que outro. Wilson apenas recuperou a sua chama de génio com a remontagem em 2004 da sua obra-prima “Smile”, disco com 40 anos de conceptualização, enquanto que Scott Walker reaparece irregularmente para editar peças-chave da sua muito particular visão musical. Se Wilson é um desajustado em quem notamos um forte desequilíbrio físico e mental, já em Walker é o silêncio que ocupa demasiado espaço nas explicações das suas ausências. Tem sido essa falta de comunicação com o mundo exterior que tem colocado o músico na prateleira dos génios loucos: não dá entrevistas há décadas, conhecem-se poucas imagens e o paradeiro exacto é sempre desconhecido. Enormes suposições tomam o lugar dos factos e quase todas têm sido falaciosas e pejorativas. Numa recente, curta e inesperada entrevista à BBC, a propósito de “The Drift”, muitos são os mitos que caem por terra, mas o principal é vermos o músico totalmente lúcido e comunicativo, mostrando um desarmante humor, explicando todos os equívocos, as ausências e processos de criação e, até, mostrando o desejo em voltar rapidamente aos discos.

Sendo recorrente relembrarmo-nos de Scott Walker como autor dos quatro “Scott”, mais pausa, mais “Tilt”, mais pausa, mais o novo álbum, o discurso demonstra como o mito se sobrepõe à realidade: entre estes marcos, existe um programa de televisão, álbuns menores, incursões pela country, banda sonora para “Pola X”, curadoria do festival Meltdown em 2000 ou a produção dos Pulp. Aliás, não precisaríamos mais do que os factos para perceber que o exílio nunca o foi – talvez tenha sido só o modo mais fácil de lidarmos com o seu peculiar universo. Explicou ainda que os últimos sete anos foram devorados pelo aperfeiçoamento de “The Drift”, deixando que o processo de criação fosse feito com o ritmo adequado. No documentário “Scott Walker: 30 century man”, de Stephen Kijak, ainda por estrear, podemos espreitar o estúdio onde se gravou o álbum durante mais de um ano e perceber o estado de complexa estruturação sonora que foi levado a cabo, compreendendo o trabalho de equipa para uma invulgar montagem e orquestração.

Podemos ver blocos de cimento (ou blocos de som) ou pedaços de carne do talho (ou pedaços de som) a serem testados ao pormenor como elementos de percussão, e esta doentia curiosidade acústica apenas sugere um obstinado desejo de estudo e pesquisa em que os estúdio é, mais uma vez na História da música, o laboratório e veículo principal numa estética sonora vanguardista.

“The Drift” tem de se colocar exactamente onde “Tilt” ficou. Dez anos de pausa, de interregno, mas de progressão silenciosa. De volta ao estúdio para testar novos sons, diálogos, instrumentos, arranjos, mantendo uma voz com impecável detalhe ribombante. O tempo passa a ser uma tela branca sem preparo, sem qualquer esboço que indique o que vai mostrar no final. Vê-se um gigantesco puzzle e uma chuva de sons possíveis que apenas ganham o direito ao seu lugar após exigente escrutínio. Cada som é único e apenas deve servir os seus propósitos imediatos. Scott Walker é livre, a sua música é livre, “The Drift” nasce livre. Não se impõem sentidos proibidos, não vemos setas obrigatórias, nem mesmo indicações que facilitem. Há instinto, é tudo sobre instinto, sobre uma linguagem fluída, nova. Lemos um enredo simples, como uma história com poucas palavras, mas onde todas as palavras têm múltiplos significados. A cada solução é-nos entregue mais uma chave críptica, a cada mistério é-nos confiado um desfecho. Não há castigos ou penitências, é tudo sobre prémios e conqusitas. “The Drift” é um poço vertiginoso de energia condensada que raramente irradia em toda a sua potência. Milhares de horas de polimento acústico nunca poderiam ter criado outra coisa para além de um gigante encantamento sonoro. As suas palavras continuam afiadas, reflectindo uma luz ofuscante no fio do corte. Scott Walker permanece polémico e brutalmente dramático nas citações. Milosevic espreita, o fascínio russo continua presente, “Jesse” fala-nos de alguém que sobrevive à queda das torres em Nova Iorque. Outra torre em Nova Iorque teve um dia um “Cremaster” e a música de Jonathan Bepler – e é esse o único ponto de contacto que consigo fazer com “The Drift”. Dificilmente será um disco para ficar atrás de outro em 2006.

[com a devida vénia a Rui Miguel Abreu e ao seu blogue Rimas e Batidas: http://www.rimasebatidas.pt]

Fernando Magalhães: “Plux Quba de Nuno Canavarro é um álbum com escola”

 

• ReB Team
• Janeiro 29, 2016
• Pontos-de-Vista
• 
  

[TEXTO] Fernando Magalhães [INTRO] Rui Miguel Abreu [FOTO] Direitos Reservados

Fernando Magalhães desapareceu há pouco mais de dez anos, mas o seu pensamento continua presente e influente. Através dos esforços de Luís Jerónimo, a sua obra tem vindo a ser organizada e republicada. Escritos de Fernando Magalhães, disponível já em dois volumes (primeiro e segundo) através da loja Lulu, é um importante depósito de pensamento de um crítico que sempre prestou atenção à mais avançada música electrónica, entre tantas outras coordenadas que não escapavam ao seu exigente radar.
O texto revelador que assinou sobre Plux Quba de Nuno Canavarro [criticado aqui no Rimas e Batidas], que beneficia de crucial informação obtida junto do hoje bastante reservado autor, fará parte de um terceiro volume antológico que se centrará na sua produção de 1995 e que deverá contar com prefácio de Rui Miguel Abreu.
Recupera-se aqui agora esse texto, em jeito de homenagem a Fernando Magalhães e acrescentando mais uma valorosa visão sobre um dos mais importantes discos da história electrónica nacional.
Exemplar único, Plux Quba – Música para Setenta Serpentes, de Nuno Canavarro. O disco surgiu logo após o músico ter regressado da Holanda, onde esteve a estudar composição. “Estive lá dois anos, no Instituto de Sonologia, na Universidade de Utrecht. Havia uma movimentação incrível, em termos de concertos, exposições, música electro-acústica. Não tinha a calma, aquela concentração para fazer lá qualquer coisa. Quando cheguei, quis logo trabalhar.” Antes disso, Nuno Canavarro estudou arquitectura no Porto e em Lisboa, e fez a produção de um disco dos Mler Ife Dada e, mais recentemente, dos Lobo Meigo. Tocou durante algum tempo, em 1988 e 89, com os Delfins, “porque precisava de fazer alguma coisa”.
O material para a gravação de Plux Quba não poderia ser mais simples: “Um Ensonic Mirage, um sampler de 8 bits, dos primeiros que houve, e um gravador de oito pistas, um Fostex. Hoje, quase nem acredito como é que consegui fazer o disco.” A esta precaridade de meios contrapôs Nuno Canavarro a imaginação na forma como tirou partido das próprias limitações técnicas: “Com o gravador de oito pistas, é aquele sistema de uma pessoa fazer um coisa qualquer num instrumento e partir para a criação de uma estrutura a partir disso. Grava-se numa pista e, depois, vai-se adicionando outras coisas. Pode, por exemplo, gravar-se uma pista e depois outras seis ou sete à volta dela e, por fim, apagar a primeira, aquele género de truques. Ou pôr coisas ao contrário ou gravar a velocidades diferentes. Na altura, era isso.” Nuno Canavarro utilizou no sampler sons pré-gravados, “embora seja difícil ouvir no disco sons que sejam reconhecidos como de um instrumento x ou y. Era tudo altamente modificado ou então gravava melódicas, sons de televisão ou fitas de música étnica.”
O disco foi gravado no estúdio caseiro, na própria casa do músico. Saiu posteriormente com o selo Ama Romanta. “Nessa altura, tinha aparecido um concurso de música, ligado ao Centro Nacional de Cultura. Dei um concerto no Instituto Franco-Português, juntamente com os outros cinco projectos que tinham ido à final, e estava lá o João Peste a ver. Gostou imenso e convidou-me para pôr aquilo em disco.” Não houve qualquer trabalho de pós-produção, apenas o corte a partir da fita original, gravada num gravador de bobines de duas pistas. Custos de produção ou assinatura de um contrato “não houve”. Nuno Canavarro não sabe o número de exemplares vendidos: “O João Peste fez quinhentos, acho que era o mínimo; depois, não faço ideia.”
Sobre a música de Plux Quba, Nuno Canavarro acha que esta resultou, “em parte por ter sido um trabalho totalmente isolado”. “O Tó Zé Ferreira tinha viajado para a Holanda, o Nuno Rebelo tinha ido viver para Lisboa. Fechei-me no estúdio a fazer aquilo”, diz. “Por outro lado, a própria limitação de meios técnicos, neste caso, acho que funcionou a favor, porque puxou pela criatividade. Chegava a utilizar os próprios defeitos, a nível de software do sampler. Era um aparelho muito instável, havia coisas bestiais que, obrigando-o a trabalhar muito, respondia de maneira um bocado imprevisível. Era bestial para o género de música que eu queria fazer.” O título, esse, permanece um enigma. “Foi para tornar a coisa ainda mais esquisita.”
Para já, Plux Quba – Música para Setenta Serpentes existe apenas em vinil, estando neste momento esgotado e fora do mercado. Nuno Canavarro não sabe do paradeiro das masters: “Já não me lembro se ficou o João Peste com elas ou se fiquei eu”. Enquanto não forem encontradas as fitas, fica afastada a possibilidade de passagem para compacto. Para Canavarro, a ideia “era fazer, dentro de dois ou três anos, um compacto com, além de Plux Quba, alguma música que tinha feito antes, ainda mais esquisita, uma terceira parte com alguns temas do disco feito com o Carlos Maria Trindade [Mr. Wollogallu] que acabaram por não sair”. O CD teria ainda uma quarta parte, com temas novos que Nuno Canavarro mostrou, para já, à Ananana. “Tudo junto, compilado num CD de para aí setenta minutos, é capaz de mostrar um processo engraçado.” Setenta, tantos como as serpentes.

 
[COMO É]
Um daqueles discos que passou despercebido na altura em que foi gravado mas que os anos obrigam a revisitar, como se crescesse com o tempo. Nuno Canavarro fez um álbum que tem escola. Com Jon Hassell e Brian Eno a leccionarem. Plux Quba – Música para Setenta Serpentes pode ser definido como uma obra de música electrónica acusmática (sons acústicos gravados e manipulados electronicamente), entre o ambiental e exotismo new age world que viria a ser assumido, anos mais tarde, na companhia de Carlos Maria Trindade em Mr. Wollogallu – um género que conta, entre os seus cultores, com o genial Steve Moore, numa obra como A Quiet Gathering, com a qual estas serpentes têm pontos de contacto. Ao contrário do que acontece num disco lançado em simultâneo com este, Música de Baixa Fidelidade, de Tó Zé Ferreira, companheiro de aventuras de Canavarro na aprendizagem dos métodos e técnicas de composição por computador, a música de Plux Quba evolui de forma mais intuitiva, tirando partido das próprias limitações do hardware e software então disponíveis, jogando com o erro e o acaso, um pouco à maneira do que fazia Eno com as suas “estratégias oblíquas”. Música orgânica, não sistemática, em constante movimento de auto-revelação/ocultação. Nuno Canavarro jogou aqui na indefinição e no segredo, na escritura de símbolos musicais e poéticos com forte poder de sugestão, deixando à imaginação do auditor a tarefa de organizar o enredo do filme, ao ponto de existirem temas sem título, quadros sónicos dispostos segundo lógicas de criação não nomeadas. Canavarro recomenda a audição “com a colunas/monitores o mais possível afastadas entre si” e, “a baixo nível” a partir do último tema do primeiro lado e até ao fim do disco. Recomendações idênticas às de Brian Eno, em Discreet Music. Plux Quba permanece até hoje um mistério. O tempo fez-lhe justiça, mas não lhe retirou o véu.

Memorabilia: Revistas / Magazines / Fanzines (99) - Dance Club - Nº 77

Dance Club
Nº77
Agosto de 2003
100 páginas a cores em papel brilhante, capa de papel grosso, interior de papel médio
Mensal
Tiragem: 21000 exemplares

Kraftwerk

Mitos & Máquinas

No imenso universo da música Pop, os Kraftwerk representam uma galáxia, tal o alcance da sua obra, mas também um mistério insondável em torno do qual foram erguidos variadíssimos mitos que procuram, muitas
vezes em vão, explicar tudo, desde as conotações políticas da iconografia por eles utilizada até aos mais impenetráveis segredos por trás da tecnologia supostamente guardada no seu estúdio Kling Klang. Mas para
lá do folclore que os rodeia, estão as verdades incontornáveis: a sua obra representa o princípio de muitas coisas hoje dadas como adquiridas nos vastos terrenos da música de dança e não se pode dizer que haja
uma única pesoa que hoje trabalhe com sequenciadores, sintetizadores, computadores e outros artefactos tecnológicos que, directa ou indirectamente, não tenha sido por eles influenciada.
No momento em que os Kraftwerk se preparam para editar um novo disco, "Tour de France Soundtracks", o primeiro com originais desde "Electric Cafe" de 1986, é importante seguir-lhes o rasto e procurar perceber como evoluíram musicalmente e de que forma essa evolução acabou por marcar grande parte da música electrónica - e não só... - produzida hoje em dia. Como é habitual quando se fala dos Kraftwerk, pouca ou nenhuma informação foi disponibilizada acerca do novo trabalho antes da sua edição. O secretismo, para o grupo de Dusseldorf, parece ser uma arma de defesa, uma vez que gostam de encarar a sua obra como estando em permanente estado de reescrita e, portanto, até à véspera do master avançar para a fábrica ainda há tempo para retocar o produto final. Ou para cancelar a sua edição, como aconteceu com "Technopop", um álbum cujo lançamento esteve programado para 1983, devendo assim suceder a "Computer World", mas que foi cancelado mesmo nas vésperas de chegar ao mercado, quando alguma imprensa alemã já tinha até publicado anúncios de promoção a esse disco. Não satisfeitos com o resultado final do álbum - que deveria ter tido no clássico "Tour de France" o seu principal single - Ralf Hutter e Florian Schneider decidiram, simplesmente, não o editar, regressando a estúdio para retrabalhar o material já gravado que viria depois a ser incluído em "Electric Cafe".

Volta À França

"Tour de France 2003", o single de avanço do novo álbum, surge 20 anos depois do hino original à Volta à França em Bicicleta. O tema original é considerado um hino Electro e reflecte, como vários outros temas-chave da carreira dos Kraftwerk, uma certa obsessão com o movimento. Em álbuns como "Autobahn" (de 1974) ou "Trans Europe Express" (de 1977), os Kraftwerk exploraram com mão de mestre essa fixação com o fluxo - de pessoas, de informação, de meios de transporte. Identificando nas vias de comunicação o mesmo pulsar de vida e energia que atravessa os circuitos integrados do mundo dos computadores (tema abordado em "Computer World" de 1981, muito antes de a Internet ter alcançado a massificação mundial que todos hoje lhe reconhecemos), os Kraftwerk ergueram assim hinos a um certo europeísmo, imaginando um mundo sem fronteiras e de distãncias transponíveis pelo movimento. Que um grupo tão conotado com as máquinas tenha devotado - e continue a devotar - tamanha atenção a um desporto aparentemente tão pouco mecanizado como o ciclismo parece, à primeira vista, um paradoxo. Mas a verdade é que Ralf, Florian e companhia sempre se interessaram pela dimensão humana da tecnologia, e essa interligação é, provavelmente, elevada à condição máxima nas corridas de bicicletas. Afinal de contas, aquelas duas rodas precisam da energia muscular humana para funcionarem. Ralf Hutter é aliás um aficionado deste desporto, tendo até participado em algumas edições do mítico "tour" gaulês.
O regresso em 2003 a esse importante momento da carreira dos Kraftwerk acaba por fazer todo o sentido, uma vez que a última fase da carreira deste grupo parece ter encontrado na redefinição de coordenadas antigas - à luz da tecnologia que entretanto se vai desenvolvendo - a sua principal razão de ser. Além das míticas remisturas de François Kevorkian para temas como "Tour de France" ou "Radioactivity", há ainda que considerar o trabalho original de "Technopop" refeito para "Electric Cafe" (exactamente por - de acordo com declarações posteriores de membros do grupo - não reflectir idealmente as capacidades tecnológicas da época) ou o álbum "The Mix" (o último registo de longa-duração do grupo, datado já de 1991) onde os próprios Kraftwerk reactualizaram passagens clássicas da sua carreira como "The Robots", "Computerlove",
"Pocket Calculator" ou "Trans Europe Express".
Musicalmente falando, este "Tour de France 2003", que possui um belíssimo web vídeo que se pode ver em http://www.kraftwerk.com/video/TDF03_real.html, é, à primeira audição, um choque para os fãs de longa
data do grupo. Soa a House, mas tem uma presença demasiado pontuada do kick de bateria para os parâmetros desse género (e que sugere, de resto, o movimento acelerado dos ciclistas durante a Volta, tal como antes já haviam utilizado a tecnologia para ilustrar ritmicamente o avanço inexorável do comboio-sem-fronteiras em "Trans Europe Express"). Por outro lado, os belíssimos arpeggios sintetizados são demasiado fluidos para as estruturas angulares com que os Kraftwerk construíram a sua sonoridade de marca. Mas em cima, a voz, mecãnica e telgráfica como sempre, surge para estabelecer a ligação com o passado, numa espécie de poesia concreta (mas sincopada) que enumera factos relativos a esse evento desportivo. A emoção, parecem dizer-nos, está no próprio movimento...

O Passado

Ralf Hutter e Florian Schneider conheceram-se enquanto estudantes do Conservatório de Dusseldorf em 1968. À época, uma série de bandas alemãs, como os Can, Neu! ou Faust, buscavam no alargamento dos
horizontes proporcionados pelas experimentações do Rock psicadélico, alguma música erudita e Free-Jazz restabelecer uma marca de identidade apagada pelo vazio cultural do pós-guerra. O mundo reconheceu,
mais tarde, os seus esforços com o baptismo do género Krautrock, um termo suficientemente vago para incluir visões muito diversas sobre o mundo da música. Énesse período de desafio às convenções que Ralf & Florian criam os Organization que, em 1970, editam o seu único álbum, "Tone Float". Misturando instrumentação clássica com alguns teclados electrónicos primitivos e efeitos como o eco, esta dupla criou um padrão para a descoberta, mostrando-se desde logo muito interessados nas potencialidades da tecnologia.
A alteração do nome do grupo para Kraftwerk coincidiu igualmente com uma tentativa de simplificar o seu som, tornando-o mais linear e transparente. Esse processo aconteceu ao longo de três álbuns - "Kraftwerk",
"Kraftwerk 2" e "Ralf & Florian" - mas só viria a adquirir um impacto mais alargado com a edição da sua ode electrónica às auto-estradas em 1974, "Autobahn". A preocupação com a simplicidade Pop é elevada ao máximo em "Autobahn" onde se cita uma melodia clássica dos Beach Boys ("Fun Fun Fun"), facto que parece apoiar as ideias do grupo que nesta época começa a falar numa nova "música Folk electrónica".
"Autobahn" contou já com a colaboração de Wolfgang Flur e alcançou um assinalável sucesso em países como os Estados Unidos ou Inglaterra. Que esse sucesso se tenha baseado num single retirado de um tema
com 22 minutos - o primeiro em que os Kraftwerk usaram vozes - representou, desde logo, uma pequena revolução para a indústria Pop.
O resto dos anos 70 testemunharam a subida dos Kraftwerk ao seu apogeu criativo e a imposição de uma marca bem vincada em que a tecnologia era usada para suportar reflexões bem mundanas sobre a vida em
sociedade. Com a edição de "Rádio-Activity" (1975), os Kraftwerk cristalizaram a sua formação clássica uma vez que a Ralf, Florian e Wolfgang se juntou Karl Bartos. O pan-europeísmo dos Kraftwerk também
começou aí a ser explorado mais aficadamente, ao editarem discos com versões dos temas em alemão e inglês (mais tarde, ao vivo ou em disco, alargariam a paleta de línguas ao francês, espanhol e italiano).
"Radioactivity" também era um disco comprometido com a comunicação e o fluxo de informação. O termo "Rádio-Activity" foi usado com um peso ambivalente. Se por um lado títulos como "Geiger Counter" ou
"Uranium" sugerem uma conotação nuclear, por outro, temas como "Radioland", "Airwaves", "Intermission", "News", "The Voice of Energy", "Antenna", "Radio Stars" ou "Transistor" deixam bem claro em que tipo de
rádio-actividade estariam os Kraftwerk a pensar. Este álbum não alcançou um sucesso tão importante como o seu antecessor, mas é uma obra-prima" de simplicidade e depuração electrónica.
Dois anos depois da edição de "Rádio-Activity" lançaram "Trans Europe Express" onde, uma vez mais, o movimento ocupa o lugar central, mas também a ideia de um mundo sem fronteiras, dividido apenas pelas
linhas de comunicação. O hipnótico tema título descreve com uma precisão aural incrível uma viagem através do continente europeu, quase como se de uma utopia se tratasse. Usufruindo do uso pioneiro de
sequenciadores, "Trans Europe Express" viria, como se perceberá mais adiante, a revelar-se um tema importantíssimo no nascimento de uma s+erie de outros géneros.
Em 1978 o quarteto editaria o álbum que ainda hoje serve para inspirar títulos de artigos - como é o caso deste - "The Man-Machine". A foto da capa, com as famosas camisas vermelhas e gravatas pretas, é quase
um template do look da New Wave, e o artwork, inspirado no construtivismo soviético de El Lissitzky, remete-nos para um universo em que as relações do homem com a máquina se estreitam até à quase fusão. "The Robots" ou "The Man-Machine" são reflexões profundas sobre essa ligação, apoiadas por uma música cibernética profundamente simples. "The Model" (parecendo dizer-se que os próprios manequins de moda seriam máquinas...), por seu lado, obteve um sucesso e um impacto profundo, sendo uma fabulosa canção Pop servida por uma melodia intemporal. A adaptação de "The Model" ao universo do Rock pelos Big Black de Steve Albini diz muito do impacto que os Kraftwerk tiveram para lá dos cada vez mais alrgadaos círculos da música electrónica (e que faz sentido, porque os próprios Kraftwerk nunca negaram uma influência do Rock nas suas composições - a exploração de ritmos primais por grupos como os Stooges de Iggy Pop, por exemplo, inspiraram de forma inequívoca a própria música do grupo de Dusseldorf).
O álbum seguinte, "Computer Love" (1981) é, talvez, o primeiro disco do grupo de Ralf e Florian da idade moderna. Usando até ao limite as capacidades que a tecnologia já conseguia oferecer, os Kraftwerk
conseguiram erguer para esse álbum uma sonoridade verdadeiramente electrónica, sem os ruídos que as anteriores gravações analógicas possuíam. Por outro lado, mimetizaram as complexas trocas de energia
ocorridas dentro de um computador criando ritmos complexos e uma sonoridade completamente original. O tema "Numbers", por exemplo, é quase uma leitura do Funk à luz das máquinas e o seu ritmo, juntamente
com a melodia de "Trans Europe Express", foram a base para o clássico do Electro "Planet Rock" de Afrika Bambaata e Arthur Baker.
As inovações dos Kraftwerk não se manifestavam apenas no estúdio. Ao vivo, e ao longo dos anos, o grupo procurou criar novos elementos visuais para os seus concertos, incluindo rbôs e manequins animados, além de projecções de imagens e outros recursos, que ajudariam a sua música a alcançar uma verdadeira dimensão multimédia.
1983 foi o ano da edição do já mencionado clássico "Tour de France" e do cancelamento da edição de "Technopop". O verdadeiro álbum seguinte do grupo, e o último de originais até hoje, sairia em Dezembro de 1986. "Electric Cafe" marcou a entrada dos Kraftwerk na era digital: foi não apenas o primeiro disco do grupo a ser lançado simultaneamente em vinil e CD, mas o que beneficiou pela primeira vez das capacidades de gravação e edição digital. Em temas como "Boing Boom Tschak" ou "Musique Non Stop" é óbvio o fascínio exercido sobre o grupo pelos samplers, que começavam a ver a sua utilização tornar-se mais comum no mundo da música. O impacto de "Electric Cafe" não foi significativo, do ponto de vista comercial, mas é mais um degrau no processo evolutivo de criar uma linguagem electrónica verdadeiramente Pop e muitas das experiências aí ensaiadas, ao nível da sintetização de vozes, por exemplo, são hoje lugares comuns.
As possibilidades da era digital surtiram um efeito profundo sobre Ralf e Florian que passaram os anos seguintes fechados no Kling Klang a prepararem o seu legado passado para a nova era. "The Mix", de 1991, é um álbum de reactualizações, nitidamente marcado pela influência que os próprios Kraftwerk tinham entretanto recolhido do universo da música de dança. A parte restante da década de 90 foi gasta com a reactualização do "live show" dos Kraftwerk. Depois da transposição de temas clássicos para a realidade digital, foi a vez de substituir a parafrenália de palco por uma mais portátil estrutura informática. Ao nível visual, as inovações foram igualmente grandes, tornando-se os shows dos Kraftwerk em futuristas eventos multimédia, com neons, projecções computorizadas, luzes e som a funcionarem como os pilares da utopia
tecnológica criada pelo grupo.
Depois de "The Mix", e da saída de Bartos e Flur do grupo, o único material novo que os Kraftwerk editaram foi o maxi-hino para a Exposição de Hanover em 2000. "Expo 2000" foi depois revisto por remisturas de gente como François Kevorkian, Underground Resistance ou os Orbital, fechando-se assim um círculo. Os álbuns dos Kraftwerk foram essenciais no período formativo do Techno e outros géneros e, mais tarde, parece que foram os desenvolvimentos entretanto conseguidos nessas áreas que alterariam a visão dos Kraftwerk.

Teutonic Funk

Ao mesmo tempo que na Europa os Kraftwerk desenvolviam uma música profundamente rítmica e electrónica, nos Estados Unidos os DJs de Disco e Hip Hop procuravam o beat perfeito e o seu alargamento até ao infinito em sets em que a fluidez entre as músicas se tornava regra. Nos clubs, a música dos Kraftwerk era indispensável. As estruturas hipnóticas de temas como "Trans Europe Express" eram ideais para transportar uma pista de dança até ao delírio. Não demorou muito para que uma nova geração de criadores aproveitasse as pistas deixadas pelo quarteto de Dusseldorf.
Por um lado, o Disco foi-se tornando cada vez mais electrónico, apoiando-se muitas das produções de gente como François K para a Prelude, nas mesmas marcas estruturais que os Kraftwerk tinham desenvolvido.
A orientação tecnológica da música criada na época veio a desembocar no nascimento do House e mais tarde do Techno. Com os Kraftwerk por faróis permanentes.
Ao mesmo tempo, no início dos anos 80, um jovem negro de Nova Iorque, Afrika Bambaata, preparava-se para, com a ajuda de Arthur Baker, deixar a sua marca na então emergente cultura Hip Hop, combinando a
melodia de "TransEurope Express" e o ritmo de "Numbers" para criar o intemporal "Planet Rock". Os efeitos criados por esse fabuloso hino electro ainda hoje se sentem. O baixo profundo desse tema ajudou a erguer a revolução do Miami Bass (que influenciou, por outro lado, o Drum 'n' Bass), e a toada electrónica dos Kraftwerk parecia assentar perfeitamente num escalão etário obcecado com os jogos de computador e o "swing" natural da música criada pelos homens-máquina parecia ser a banda sonora ideal para a geração de b-boys que começava a dançar "Break" nas ruas. Numa das mais importantes sequências do filme "Breakdance", Turbo (um dos principais breakers do filme) assina um solo fabuloso ao som de "Tour de France", dos Kraftwerk...
Mais ao menos ao mesmo tempo, noutro ponto dos Estados Unidos, Juan Atkins, perfeitamente sintonizado com as inovações assinadas pelos Kraftwerk, criava os seus Cybotron 2000, editando temas como "Clear"
e "Techno City" que levavam um pouco mais longe as marcas do Electro, para lançar as bases da verdadeira revolução Techno que aí vinha.
A marca dos Kraftwerk na cultura musical popular é quase impossível de analisar. O seu som foi importante na génese do Hip Hop e do Electro, do High Energy e da House, do Techno, da New Wave... Por isso, de
forma indirecta, muito daquilo que hoje temos, do Electro-Clash a todas as derivações de música electrónica, devem aos Kraftwerk não apenas o pioneirismo, mas igualmente algumas das ideias norteadoras das suas acções (os Blips sintéticos de muita electrónica experimental de hoje já existiam na música dos Kraftwerk).
"Tour de France Soundtracks" é, por tudo isto, um importante regresso. Ralf Hutter e Florian Schneider voltam a dar-nos a sua visão de um mundo tecnológico, mas profundamente humano, onde a música tem o
poder de traduzir emoções, transmitir importantes mensagens ou, simplesmente, marcar o passo da própria vida.
Rui Miguel Abreu

Kraftwerk:
As Influências
Questionámos muitos músicos sobre a influência que os Kraftwerk tiveram sobre eles. As perguntas foram:
. Qual foi o primeiro disco dos Kraftwerk que ouviste?
. De que maneira é que os Kraftwerk te influenciaram?
. Pensas que o século XXI está preparado para o futuro segundo os Kraftwerk?
E eles responderam!

Simon Mills [Bent]
. Penso que deve ter sido o "The Model".
Costumava pensar que era um tema um bocado assustador. "Tour de France" apareceu no filme "Breakdance", e eu lembro-me de tentar girar em cima de caixas de cartão ao som dessa música.
. Acho que seria muito difícil não ser influenciado pelos Kraftwerk estando a fazer música electrónica. O facto de termos à volta de 40 sintetizadores deve ser um sinal qualquer!
. Estamos realmente ansiosos para ver oq ue é que eles vão fazer a seguir, e isso é dizer pouco. O Nail acredita que eles estão a construir uma nave espacial neste momento. Talvez o seu próximo concerto seja
transmitido ao vivo de Júpiter.

Miguel Cardona [Coldfinger]
. O primeiro disco dos Kraftwerk que ouvi foi o "Computer World".
. A imagem deles e o seu Electro era politicamente incorrecto para a época.
. Quem sabe...

A Paul
. "Man Machine".
. Os Kraftwerk prepararam o planeta para o advento da música electrónica, e para mim, embora não os tenha descoberto logo de início, vieram a cativar-me pelo facto de terem vencido através da sua audácia. Os . Kraftwerk foram pioneiros, fizeram algo que ninguém tinha feito, e a mim, deram-me a vontade de procurar fazer o mesmo, de fugir às regras pré-estabelecidas. Ainda não é a nossa realidade, mas acho que lá
chegaremos, porque é uma inevitabilidade."

Luís Leite
. O primeiro disco que ouvi dos Kraftwerk foi o "Radio-Activity" de 1975.
. Eu era um fã assíduo dos Kraftwerk. Nos anos 80, a sua música já fazia parte das minhas preferências. Hoje em dia, o seu trabalho não é propriamente uma influência mas uma isnpiração em tudo o que que faço e em relação à música.
. Pelo menos está-se a preparar. Agora, se está preparado, o tempo o dirá.

Nuno Cacho
. "Kraftwerk", de 1970.
. Ralf Hutter define-o melhor que ninguém: "The mechanical universe of Kraftwerk has been cloned or copied in Detroit, Brussels, Milan, Manchester, and even psychedelicised by the delirium of house music. You can define it as you want; sci-fi music, techno-disco, cybernetic rock, but the term I prefer even so is robot pop. It fits in with our objective which consists of working without respite toward the construction of the perfect pop song for the tribes of the global village". É impossível para alguém com mais de 10 anos de carreira não reconhecer esta banda como a pioneira da música electrónica, que usou o histórico sintetizador Moog como uma verdadeira arma revolucionária.
. Não vai ser fácil encontrar algo tão radical e inovador no sec XXI como o corte com todas as tradições acústicas que os Kraftwerk fizeram. Prefiro pôr as coisas nos seguintes termos: se o futuro estiver preparado
para o caminho que esta banda criou entãoo futuro será muito bem vindo.

Alex FX
. "Autobahn"
. Sempre fui influenciado pela escola electrónica de Dusseldorf, e mesmo os primeiros trabalhos dos Tubway Army (com o Gary Numan) que eram já o reflexo da matriz "kraftwerkiana" (apesar de fundirem-se com
elementos "rock").
Sinceramente, e depois de ter visto o que os Kraftwerk produziram ao vivo no Sonar, acho que existem momentos em que devemos olhar para trás e pensar na importância que eles tiveram e evitar a (quase)
hecatombe emocional negativista perante a perspectiva que apresentaram nesse festival, onde eram aguardados com a maior das expectativas... não havia necessidade de se "subverterem" à ditadura da dance-music - e aqui quero que fique bem claro que não tenho nada contra ela - apenas acho que o legado deste quarteto de Dusseldorf fala muito mais por si do que um simples compasso quaternário [4/4 a 130 bpm].
. Existe porém uma segunda questão que tem a ver directamente com o "futuro" segundo os Kraftwerk: há uma dualidade muito vincada em tudo isto: eles proporcionaram o "futuro" no início da década de 70, sendo
vistos como os padrinhos de todos os movimentos Electropop, New Wave, Cold Wave, enfim um cem número de subgéneros musicais que proliferaram dese então até aos dias de hoje, em que quase nada é novo - MESMO novo!!!?! - e no fundo, quem é que se lembra dos Kraftwerk? - talvez uma geração que nasceu nos anos 70 e acompanhasse tudo isto - não vamos agora exigir que estas novas gerações compreendam (ou aceitem) quaisquer perspectivas de futuro que os "fab four" de Dusseldorf tenham para mostrar - para mim as provas já foram dadas... no século passado, há momentos me que o melhor momento de carreira é saber exactamente quando abandoná-la..."

Nuno Nóvoa AKA DJ Smile [Maré Alta/Porto]
. O primeiro single que ouvi foi "Kohoutek-Kometenmelodie" fazia parte da colecção de discos de um amigo meu bem mais velho do que eu, pois julgo ser datado de 1973.
. Verdadeiramente a mim os Kraftwerk não me influenciaram directamente, mas sei que influenciaram muitos DJs e produtores mundiais, que me servem agora de fonte de inspiração. Faço parte de uma nova
geração, com influências mais recentes...
. Ready, Set, Go..., basta veres toda esta corrente Electro-Clash, vinda da Europa com produtores como Brett Johnson, PlayGroup, Chicken Lips, Ewan Pearson, Swag, Herbert, Charles Webster, e muitos, muitos
outros, para ver que o mundo está mais que preparado para esse tipo de futuro, pois se assim não fosse metade dos clubs de dança mundiais teriam neste momento as suas pistas de dança vazias, o que não está a
acontecer, e ainda bem, porque toda esta "Electro Wave" veio ajudar em muito, a alterar a anterior influência que nos rodeava, o "Disco". Graças aos Kraftwerk e ao Larry Levan e mesmo Frankie Knuckles, damo-nos ao luxo de poder dançar e ouvir músicas que serão, talvez, ElectroDiscoSound. Parece-me bem!

Nuno Miguel
. Talvez tenha sido o Man-Machine. Talvez, porque na altura estava noutra (EWF, Rick James, Village People e também Tangerine Dream, Devo, Depeche Mode, Ramones, AC/DC, Loverboy). Mesmo nesses tempos

era possível gostar de vários estilos. Mas o "Pocket Calculator" e "Autobahn" foram outros temas que marcaram. O último tema que toquei, foi uma remix de EXPO 2000 (tema da exposição de Hanover).
. No meu caso não foram uma influência especial, mas acho que os grandes artistas não são compreendidos no seu tempo e que eles estavam um pouco à frente. Mas não são os únicos.
. Respondo com uma pergunta. Estarão os Kraftwerk preparados para o século XXI?

João Pedro Coimbra [Mesa]
. O primeiro disco que ouvi dos Kraftwerk foi "Radio-Aktivitat". Mas conheci-os através de uma cassete que me passaram de um quarteto de cordas chamado Balanescu Quartet. Esse disco continha uma versão do tema "The Model" que é ainda hoje o meu tema preferido deles.
. Foi mais influenciado indirectamente do que directamente. Penso que aprendi a gerir melhor os poucos recursos que tinha à minha disposição, coisa que eles fizeram como ninguém. Estamos a falar de uma época
em que o midi era uma iragem e programar aqueles "armários" devia ser dose! O meu ATARI e o meu sampler foram usados até à exaustão.
. Basta olhar o estado actual da música e da electrónica em particular: ela "circunscreve-nos" nas mais varaiadas actividades diárias. O Electro descende directamente de álbuns como The Man Machine. Nos anos 80, bandas como os Depeche Mode ou Duran Duran (citando apenas as mais mediáticas), foram também influenciadas por eles. Pensoq ue a música dos Kraftwerk tem um efeito transversal e afectará sempre gerações sucessivas de músicos e público.