Memorabilia: Revistas / Magazines / Fanzines (205) - Op. - Nº 19 - Verão de 2006

Revista Op. (visões da matéria)
#19: Verão de 2006 : ano 6, 2006: 3.50€
60 páginas papel maior que A4, toda a cores em papel de luxo brilhante.

Ver o enquadramento desta revista neste post

100 Discos Séc. XX (10)

Séc XX: 100 anos 100 discos

Rui Tentúgal, coordenador do suplemento Actual do jornal Expresso, e Uri Caine, um dos mais conceituados pianistas e compositores do jazz da última década, são os autores das listas dos 100 discos do séc. XX desta edição.

Rui Tentúgal
[Ficaram de fora 55 anos, 30 discos, 4’33” e o resto da discografia dos Pink Floyd]
Sonny Rollins “Saxophone Colossus” [Prestige, 1956]
Thelonius Monk “Thelonius Alone In San Francisco” [Riverside, 1959]
Miles Davis “Kind Of Blue” [Columbia, 1959]
Chrles Mingus “Mingus Ah Um” [Columbia, 1959]
John Coltrane “My Favorite Things” [Atlantic, 1961]
Albert Ayler Trio “Spiritual Unity” [Esp-Disk, 1964]
Albert Ayler “Spirits Rejoice” [Esp-Disk, 1965]
John Coltrane “A Love Supreme” [Impulse! 1965]
Jacqueline Du Pré “Haydn & Boccherini: Cello Concertos” [EMI, 1987]
Pierre Henry “Messe Poour Le Temps Présent” [Philips, 1967]
Pink Floyd “The Piper At The Gates Of Dawn” [Columbia, 1967]
The Velvet Underground & Nico “The Velvet Underground & Nico” [Verve, 1967]
The Jimi Hendrix Experience “Are You Experienced?” [Track Records, 1967]
The Rolling Stones “Beggars Banquet” [Decca, 1968]
Pink Floyd “A Saucerful Of Secrets” [Columbia, 1968]
The Rolling Stones “Let It Bleed” [Decca, 1969]
Pink Floyd “Ummagumma” [Harvest, 1969]
The Velvet Underground “The Velvet Underground” [MGM, 1969]
The Doors “Absolutely Live” [Elektra, 1970]
Pink Floyd “Atom Heart Mother” [Harvest, 1970]
Crosby, Stills, Nash & Young” “Déjà Vu” [Atlantic, 1970]
Janis Joplin “Pearl” [Columbia, 1971]
Pink Floyd “Meddle” [Harvest, 1971]
David Bowie “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars” [RCA, 1972]
Lou Reed “Transformer” [RCA, 1972]
Alexis Weissenberg / Berliner Philharmoniker / Herbert Von Karajan “Rachmaninov – Piano Concerto Nº 2” [EMI, 1973]
Pink Floyd “The Dark Side Of The Moon” [Harvest, 1973]
José Afonso “Venham Mais Cinco” [Orfeu, 1973]
David Holland “Conference Of The Birds” [ECM, 1973]
Can “Soon Over Babaluma” [Spoon, 1974]
Keith Jarrett “The Köln Concert” [ECM, 1975]
Pink Floyd “Wish You Were Here” [Harvest, 1975]
Jonathan Richman & The Modern Lovers “Jonathan Richman & The Modern Lovers” [Beserkley, 1976]
Tom Zé “Estudando O Samba” [Continetal, 1976]
Weather Report “Heavy Weather” [Columbia, 1977]
Pink Floyd “Animals” [Harvest, 1977]
Sérgio Godinho “Pano-Cru” [Arnaldo Trindade, 1978]
The Clash “Londo Calling” [CBS, 1979]
Frank Zappa [Sheik Yerbouti” [Zappa Records, 1979]
John Surman “Upon Reflection” [ECM, 1979]
Pink Floyd “The Wall” [Harvest, 1979]
Sérgio Godinho “Campolide” [Arnaldo Trindade, 1979]
George Lewis “Homage To Charles Parker” [Black Saint, 1979]
Chico Buarque “Ópera Do Malandro” [Philips, 1979]
The Feelies “Crazy Rhythms” [Stiff, 1980]
The Clash “Sandinista” [CBS, 1980]
Bauhaus “In The Flat Field” [4AD, 1980]
Sérgio Godinho “Canto DA Boca” [Philips, 1981]
Penguin Cafe Orchestra “Penguin Cafe Orchestra” [EG Records, 1981]
Fausto “Por Este Rio Acima” [Sassetti, 1982]
José Mário Branco “FMI” [Edisom, 1982]
Simon And Garfunkel “The Concert In Central Park” [Warner Bros. 1982]
Philip Glass “The Photographer” [CBS, 1983]
Virginia Astley “From The Gardens Where We Feel Secure” [Rough Trade, 1983]
Violent Femmes “Violent Femmes” [Slash Records, 1983]
Pink Floyd “The Final Cur” [EMI, 1983]
Wim Mertens “Maximizing The Audience” [Les Disques Du Crépuscule, 1984]
Laurie Anderson “United States Live” [Warner Bros. 1984]
David Byrne “Music For “The Knee Plays”” [Regal Zonophone, 1985]
Vários “Lost In The Stars – The Music Of Kurt Weill” [A&M, 1985]
Dead Can Dance “Spleen And Ideal” [4AD, 1986]
Head “A Snog On The Rocks” [Diabolo Records, 1987]
Meredith Monk “Do You Be” [ECM, 1987]
Pixies “Come On Pilgrim” [4AD, 1987]
Pink Floyd “A Momentary Lapse Of Reason” [EMI, 1987]
Mler Ife Dada “Coisas Que Fascinam” [Polydor, 1987]
The Woodentops “Hypnobeat Live” [Rough Trade, 1987]
Pixies “Surfer Rosa” [4AD, 1988]
Ry Cooder “Paris, Texas – Original Motion Picture Soundtrack” [Warner Bros., 1988]
Heiner Goebbels / Heiner Müller “Der Mann Im Fahrstuhl / The Man In The Elevator” [ECM, 1988]
Jan Garbarek “Legend Of The Seven Dreams” [ECM, 1988]
Naked City “Naked City” [Elektra / Nonesuch, 1990]
Pixies “Bossanova” [4AD, 1990]
Alvin Lucier “I Am Sitting In A Room” [Lovely Music, 1990]
Lou Reed / John Cale “Songs For Drella” [Sire / Warner Bros., 1990]
Angelo Badalamenti “Music For “Twin Peaks”” [Warner Bros, 1990]
Nirvana “Nevermind” [David Geffen Company, 1991]
U2 “Achtung Baby” [Island, 1991]
Repórter Estrábico “Uno Dos” [Polygram, 1991]
Marisa Monte “Mais” [World Pacific, 1991]
Tom Zé “The Hips Of Tradition” [Luaka Bop, 1992]
Adriana Calcanhoto “Senhas” [Columbia, 1992]
Baltimore Symphony Orchestra / David Zinman “Samuel Barber – Adagio For Strings” [Argo, 1992]
R.E.M. “Automatic For The People” [Warner Bros., 1992]
Zbigniew Preisner “Trois Couleurs: Bleu” [Virgin, 1993]
Heiner Goebbels “Shadow / Landscape With Argonauts” [ECM,  1993]
Gavin Bryars with Tom Waits “Jesus’ Blood Never Failed Me Yet” [Point Music, 1993]
Pink Floyd “The Division Bell” [EMI, 1994]
Repórter Estrábico “Ibigo” [Numérica, 1994]
Pere Ubu “Raygun Suitcase” [Cooking Vinyl, 1995]
Moondog Jr. “Everyday I Wear A Greasy Black Feather On My Hat” [Island, 1995]
PJ Harvey “To Bring You My Love” [Island, 1995]
Tortoise “Millions Now Living Will Never Die” [City Slang, 1996]
DJ Shadow “Entroducing...” [Mo’Wax, 1996]
Robert Wyatt “Shleep” [Hannibal Records, 1997]
Ground-Zero “Plays Standards” [Nani Records / Disk Union, 1997]
Echo & The Bunnymen “Evergreen” [London Records, 1997]
Mercury Rev “Deserter’s Songs” [V2, 1998]
Bonnie ‘Prince’ Billy “I See A Darkness” [Palace Records, 1999]
Eminem “The Marshall Mathers LP” [Interscope Records, 2000]

Uri Caine
[100 of my favorite recordings*]
Miles Davis “Round About Midnight” [Columbia, 1956]
Miles Davis “Kind Of Blue” [Columbia, 1959]
Miles Davis “Nefertiti” [Columbia, 1967]
Miles Davis “On The Corner” [Columbia, 1972]
Bill Evans “Live At The Village Vanguard” [Riverside, 1961]
Bill Evans “Conversations With Myself” [Verve, 1963]
Jimi Hendrix “Are You Experienced?” [MCA, 1967]
Jimi Hendrix “Electric Ladyland” [MCA, 1968]
Prince “1999” [Warner Bros., 1983]
John Coltrane “Crescent” [Impulse!, 1964]
John Coltrane “Ascension” [Impulse!, 1965]
Igor Stravinsky “Complete Works Conducted By Stravinsky” [Sony, 1999]
Thelonius Monk “Underground” [Columbia, 1967]
Thelonius Monk “Genius Of Modern Music” [Blue Note, 1947]
Aretha Franklin “Aretha’s Gold” [Atlantic, 1969]
Aretha Franklin “Amazing Grace” [Atlantic, 1972]
Charlie Parker “Bird & Diz” [Clef, 1950]
Charlie Parker “Confirmation: The Best Of The Verve Years” [Verve, 1995]
Louis Armstrong “Hot Fives And Sevens, 1925-1929” [JSP, 1999]
Duke Ellington “Jack The Bear” [single Victor, 1939]
Duke Ellington “Concerto For Cootie” [single Victor, 1939]
Herbie Hancock “Speak Like A Child” [Blue Note, 1968]
Herbie Hancock “The Prisoner” [Blue Note, 1969]
Chick Corea “Now He Sings Now He Sobs” [Solid State, 1968]
Brecker Bros. “Brecker Bros.: Some Skunk Funk” [Arista, 1975]
McCoy Tyner “Reaching Forth” [Impulse!, 1963]
McCoy Tyner “Time For Tyner” [Blue Note, 1968]
Keith Jarrett “Facing You” [ECM, 1971]
Keith Jarrett “The Köln Concert” [ECM, 1975]
Fats Waller “Honeysuckle Rose, 1922-1943” [Living Era, 2004]
V/A “Le Mystere Des Voix Bulgares” [Nonesuch, 1986]
Ramnad Krishnan “Vidwan: Music Of South India” [Nonesuch, 1988]
Cecil Taylor “Air” [Candid, 1960]
Cecil Taylor “Silent Tongues” [1201 Music, 1974]
Weather Report “Black Market” [Columbia, 1976]
Sun Ra And The Arkestra “Jazz By Sun Ra” [Transition, 1956]
Elis Regina “Greatest Hits” [Disky, 2005]
Wayne Shorter “Native Dancer” [Columbia, 1974]
Wayne Shorter “The All Seeing Eye” [Blue Note, 1965]
Antonio Janigro / SWF-Sinfonieorchester Baden-Baden “Gyorgy Ligeti – Atmospheres” [Wergo, 1988]
Arditti String Quartet “Gyorgy Ligety – String Quartets” [Wergo, 1988]
George Crumb “Ancient Voices Of Children” [Elektra, 1971]
Concord String Quartet “George Rochberg – String Quartet no. 3” [Nonesuch, 1974]
Pierre Boulez “Anton Webern – Complete Works Conducted By Boulez” [Deutsche Grammophon, 2000]
Ricardo Chailly “Edgard Varèse – Complete Works” [Decca, 1998]
Juilliard String Quartet “Bartok – The Six String Quartets” [Sony, 1997]
Pierre Boulez /Ensemble Intercontemporain “Boulez – Le Marteau Sans Maitre” [Deutsche Grammophon, 2005]
Public Enemy “Greatest Hits” [Def Jam, 2005]
Sex Pistols “Never Mind The Bollocks” [Warner Bros., 1977]
The Stick Men “This Is The Master Brew” [Phantom Plaything, 1982]
Eddie Palmieri “The Sun Of Latin Music” [Coco, 1973]
Sam Cooke “Best Of Sam Cooke” [RCA, 1962]
Tito Puente “King Of Kings – The Very Best Of Tito Puente” [Buddah, 2002]
Bob Dylan “Blowin’ In The Wind” [single Columbia, 1962]
Big Dady Kane “Long Live To The Kane” [Cold Chillin’, 1988]
Beatles “Revolver” [Capitol, 1966]
Frank Zappa / Ensemble Modern “Yellow Shark” [Rykodisc, 1993]
Frank Zappa “Hot Rats” [Rykodisc, 1969]
Jelly Roll Morton “Red Hot Peppers 1 & 2” [Riverside, 1954]
Freddie Hubbard “Ready For Freddie” [Blue Note, 1961]
Ray Charles “Greatest Hits” [Sandstone Music, 1992]
Elliot Carter “String Quartets 1 & 2” [Nonesuch, 1992]
Milton Nascimento “Greatest Hits” [Polygram Brazil, 1999]
Jaco Pastorius “Word Of Mouth” [Warner Bros., 1981]
Charles Mingus “Fables Of Faubus” [Four Star, 1964]
Joe Henderson “Inner Urge” [Blue Note, 1964]
Joe Henderson “The State Of The Tenor – Live At The Village Vanguard 1 & 2” [Blue Note, 1985]
Larry Young “Unity” [Blue Note, 1965]
Mary Lou Williams “Zodiac Suite” [Smithsonian Folkways, 1945]
Count Basie And His Orchestra Featuring Lester Young “Lester Lips In” [Epic, 1955]
Carl Stalling “Music From Warner Bros. Cartoons 1936-58, Compiled By John Zorn” [Warner Bros., 1990]
Leonard Bernstein “Gustav Mahler – The Complete Symphonies” [Deutsche Grammophon, 1998]
Leonard Berstein “Charles Ives – Symphonies” [Sony, 1998]
James Brown “Live At The Apollo” [Polydor, 1963]
Guy “Guy” [MCA, 1990]
Marvin Gaye “Sexual Healing” [single Columbia, 1982]
Stevie Wonder  “Innervisions” [Motown, 1973]
Stevie Wonder “Songs In The Key Of Life” [Motown, 1976]
Frank Sinatra “Francis Albert Sinatra & António Carlos Jobim” [Reprise, 1967]
Terry Riley “In C” [Celestial Harmonies, 1989]
Olivier Messiaen “Turangalila” [RCA, 1967]
Glenn Gould “Bach – The Goldberg Variations” [Columbia, 1955]
Glenn Gould “Schoenberg – Piano Works” [Sony Classical, 1995]
George Szell / Robert Casadesus “Play Mozart’s Piano Concerts – L’Amitié Musicale” [reed. Sony Classical, 1997]
Morton Subotnick “Silver Apples Of The Moon / The Wild Bull” [Wergo, 1978]
Pink Floyd “Dark Side Of The Moon” [Capitol, 1973]
Steve Coleman And Five Elements “On The Edge Of Tomorrow” [jMT, 1986]
Elvis Presley “Heartbreak Hotel” [single RCA Victor, 1956]
Earl Wild “ George Gershwin – Rhapsody In Blue Played By Earl Wild” [CBS, 1990]
Liberace “Greatest Hits” [Kala, 2006]
Arturo Benedetti Michaelangelli “Plays Chopin” [Aura, 1967]
Sarah Vaughan “I Wana Play Houde” [single Mercury, 1954]
Chubby Checker “Twist And Shout” [single Parkway, 1962]
Billie Holiday “Strange Fruit” [single Commodore, 1939]
New York Philharmonic Orchestra / Swingle Singers / Leonard Bernstein “Luciano Berio – Sinfonia” [CBS, 1969]
Shoshana Damarti “Yemenite Folk Songs” [Vanguard, 1961]
Steve Reich “Tehilim” [ECM, 1982]
Joni Mitchell “Blue” [Reprise, 1971]
Joni Mitchell “Court And Spark” [Elektra, 1974]
Robert Johnson “Hellbound On My Trail – The Essential Recordings” [Indigo, 1995]
Leonard Bernstein / Stephen Sondheim “West Side Story – Original Broadway Cast” [CBS, 1957]
* Algumas datas referem-se às edições originais e outras, sempre que possível, a edições ainda disponíveis em CD, nomeadamente no caso das colectâneas e do repertório erudito.

Memorabilia: Revistas / Magazines / Fanzines (150) - Mundo Da Canção #62

mc
mundo da canção
Nº 62 - Ano XIII - Dezembro-82 - Esc. 40$00
Director Interino: Mário Correia
Delegado em Lisboa: Viriato Teles
Fotografia: Luís Paulo Moura

Publica-se todos os meses
Proprietária e Editora: Tipografia Aliança, Lda.

Colaboram neste número: Carlos Neves, Fernando Pedro Sobral, João C. Macedo, Jorge Lima Barreto, Mário Correia, Paulo Garção, Santiago Milheiro e Viriato Teles.

28 páginas A4 a p/b, papel normal, excepto a capa que é de papel brilhante um pouco mais pesado a preto/branco/vermelho.

Joy Division: Normal É A Morte
A música, na sua secular ingenuidade, só tem paralelo no amor. É como a paixão, e se quiséssemos usar uma única palavra para definirmos (isto é, limitarmos a sua elasticidade) tudo o que ela contém e transporta, só havia uma em todos os dicionários: prazer. Os seus heróis (credores de uma legitimidade apaixonada) não morrem perante os nossos sentidos, apenas desaparecem da nossa vista. E resistem.
O Rock perdeu já a inocência própria dos jovens movimentos apostados em vencer a inocuidade quotidiana através de um nihilismo desesperado e generoso. Tornou-se uma indústria onde as campanhas promocionais feitas com injecções de dólares, buscam os consumidores potenciais, através de discursos que já têm muito a ver com as modas e as cores de cada estação.
A música rock, após o esvaziamento do seu conteúdo social que sucedeu nos últimos anos, orientou-se mais e mais para um pop ambíguo, porque unicamente engraçado. Os grandes senhores ou desapareceram ou instalaram-se num pragmatismo musical sem, contudo, pretenderem recuperar um certo prestígio e (mesmo) liderança. Hoje, ouve-se (ainda) Velvet Underground, Doors, Tim Buckley, Leonard Cohen ou Bruce Springsteen. Mas já não é nada como dantes.
Nos últimos anos, face ao sedativo que as várias áreas por onde o rock se tem desmultiplicado se tornaram, que nomes houve que enfrentassem, como corrente de inteligência e sensibilidade, o panorama musical? Para além dos Talking Heads, dos Specials, dos U2 e dos Dexys Midnight Runners, que mais nos resta? No fundo aqueles que foram mais que todas as outras bandas: os JOY DIVISION.
Quando em 1977 na nebulosa Manchester os Warsaw tocaram pela primeira vez, a sua diferença face às inúmeras bandas que na altura (enfim, em pleno período pós-punk) emergiam das ruas, era apenas de dosagem. Os contornos, ainda forçosamente vagos, do seu som era, digamos, cru (desse período pré-histórico dos Joy Division, altura em que depõem o nome de Warsaw, ficam registados no vinil dois momentos bem mornos da banda: «At a later date», faixa de um LP gravado no encerramento do clube Electric Circus; e o EP «An Ideal for Living», ambos registados em 1977).
O ano de 1978 é, positivamente, o ano da Definição. Ian Curtis, Bernard Albrecht, Steve Morris e Peter Hooks realinham o seu som, a sua mensagem introvertida, procurando uma nova fronteira para o império do rock. O produtor Martin Hannett começa a partir daí uma frutuosa colaboração com os Joy Division que se desenha já de uma forma feliz em dois temas, «Digital» e «Glass», incluídos num duplo EP da editora discográfica Factory.
Mas é em 1979 que os Joy Division editam o seu primeiro trabalho de fôlego, «Unknown Pleasures». Ali, em temas fundamentais e fascinantes como «Disorder» e «Day of the Lords» ou mesmo «She's Lost Control», a banda constrói o novo som outonal de uma força ainda fechada sobre si própria. Sonha-se e pensa-se. Chora-se. Ainda nesse ano saem dois singles fabulosos, «Transmission» e «Atmosphere».
Em 2 de Maio de 1980 dão o seu último concerto, no High Hall da Universidade de Birmingham (concerto que seria depois reproduzido no álbum póstumo, «Still»). A 17 de Maio do mesmo ano, Ian Curtis, vocalista e principal autor da banda, vai ao cinema ver um filme de Werner Herzog, «Stroszek». Quando regressa a casa de seus pais, perto de Manchester, enforca-se. A paixão, finalmente, atravessava o sangue e fascinava a beleza, como se só a morte fosse a viabilização do sonho. A busca das fronteiras da morte, em que o novo cinema alemão tem sido fértil, parecia, assim, ser a causa decisiva da morte de uma banda que não representava, a priori, mais que ela própria. No fundo era uma longa estação férrea, solitária, último reduto de um mundo em transição para um outro, paralelo, e inacessível. No fundo era isto. Só isto. O isolamento soa melhor que a morte, mas nem por isso deixa de ser um passado inerte. A normalidade é a morte. Tudo está normalizado, normal.
Semanas depois sai o single «Love Will Tear Us Apart» e esse monumento impossível de sintetizar que é o álbum «Closer». Não é preciso dizer nada, tudo está dito, as palavras estão velhas, as formas também. «Decades» cume da montanha mais alta da música rock (que é «Closer») fala por si. Tema fulcral dos Joy Division, não é um ponto de chegada, mas uma margem suspensa, duma pureza sonora, em que é possível observar aquilo que o rock nunca havia sido nem nunca mais será: sentimento. «Decades» dilacera e sofre-se por isso. Não merece ser descrita, mas apenas ouvida.
Em 1981 sai o álbum póstumo «Still» que para além de incluir a gravação do último concerto dos Joy Division, inclui também temas difíceis de conseguir ou simplesmente nunca editados em disco. Quase simultaneamente sai o primeiro álbum da banda que agrupa os sobreviventes dos Joy Division: os New Order e um álbum puro, como é «Movement», sucessor simbólico de dois singles impossíveis de ultrapassar em termos de beleza: «Ceremony» e «Everything's Gone Green».
A paixão sempre foi a recusa do raciocínio e pensar em termos de paixão é difícil. E ainda mais se falarmos dos Joy Division e dos New Order. Não é uma questão de vanguarda, mas única e simplesmente de sentimento. Não é uma moda, mas sim um novo modo de encarar o som, como se se tratasse, apenas, de um espaço de (re)criação do rock. Os Joy Division marcaram o som que ainda hoje se confessa filho do rock, apenas como um estímulo, que nunca deixou de ser polémico, nervoso e irritado. Mas de uma doçura indescritível.
Os Joy Division retrataram melhor que ninguém, a solidão, esse fechar de olhos, esse pensar não ver, essa paradigmática angústia de todos os dias. Ultrapassaram a agradibilidade e superficialidade da generalidade das bandas. Nem merecem essa palavra fixa que é Banda. Foram-no á sua maneira, mas de uma forma incómoda, nómada, não inteiramente nítida, frustrada, ambígua (até o nome - Joy Division, a ala das prostitutas judias dos campos de concentração nazis, até o aspecto - de uma mocidade oculta, imberbe e utópica). Nunca pronunciaram palavras quentes, apenas pensavam no interior do pensamento, num espantoso movimento de evasão que só encontava decibéis libertadores como forma de ultrapassar a fraude das palavras e a saturação social.
Ao escutar toda a obra dos Joy Division e dos New Order, há sons que não é mais possível esquecer, de «Disorder» a «Ceremony», de «Transmission» a «Dreams Never End», de «Decades» a «Dead Souls», porque eles fazem parte de uma galeria bem pequena, onde apenas encontramos as «obras-primas» (nome lamentavelmente tão gasto por tudo e todos). O rock chora-se por vezes, ao relembrar aqueles que foram os seus heróis, cansados é certo, neste palco de palhaços e bobos. Os Joy Division serão essa já disforme garantia simbólica de um movimento musical (o rock) que depois disto, já não existe. O som dos Joy Division faz recordar imagens que não são neutras. Destrói-as e, ao mesmo tempo, dá-nos esse tempo e essa serenidade rebelde que nos vai dilacerando. Normalmente. Como a morte.
Fernando Pedro de Almeida Sobral







DiscoAnálise
Né Ladeiras - Alhur
DISCONOTAS. Edição maxi-EP da Valentim de Carvalho, de 1982. Músicos participantes: Carlos Trindade (piano, sintetizador e percussão); Pedro Magalhães (baixo e percussão); Paulo Gonçalves (guitarra, saxofone, acordeão e percussão); Ricardo Camacho (Sintetizador). Letras de Miguel Esteves Cardoso e músicas de Né Ladeiras. Produção de Ricardo Camacho. Lado A: «Húmus Verde»; Lado B: «Holeteta» e «Arthur». Referência: 11C/052-40594.
DISCOMENTÁRIO. É inacreditavelmente desinteressante a trajectória descendente de Né Ladeiras. Para quem acompanhou o seu trabalho desde os primórdios da Brigada Victor Jara, passando pela Banda do Casaco, até «Alhur», o mínimo que se pode sentir é uma desilusão crescente. Que se passa com uma das mais expressivas vozes femininas que possuimos? De cedência em cedência, de compromisso em compromisso, Ná Ladeiras tem vindo a assumir a sua p´ropria negação de uma forma que francamente nos surpreende.
De ALHUR o mínimo que a consciência nos obriga a dizer é que se trata de uma obra chata, monótona, repetitiva, desensabida, pobremente concebida, inspiradamente confrangedora, enfim, para esquecer. E, passemos, até a voz da Né chega a surgir insegura, incapaz de resistir aos cambiantes que lhe são exigidos (flagrante em «Essência»). Isto para não falar do exagerado e inestético privilégio do chicote sobre o fundo wagnero-fantasmagórico de teclados, dos clichés pseudo-vanguardistas, etc. Os delírios do franco-escrivinhador Cardoso já nós conhecíamos; agora os delírios de Né Ladeiras, quanto a esses é que, apesar das provas dadas através da Banda do Casaco, francamente estávamos longe de admitir. Porque «Alhur» é das coisas mais pretensiosas e falhadas que nos foi dado (infelizmente) ouvir nos últimos tempos, a recomendação só pode ser uma: esqueça-se rapidamente. Lamentável.
Mário Correia


Bateria Do Jazz (2)
Bateristas Do Jazz Moderno E Contemporâneo
Cosy Colevoltou-se para ancestrais polirítmias africanas o que iria influenciar decisivamente os boopers.
Interessante de anotar que os bateristas negros complexificam os estilos na evolução rítmica donde resulta uma melodia tipicamente bluesy e os bateristas brancos partem dos pressupostos melódicos e musicográficos para as evidências rítmicas - há, como é lógico, excepções: Joe Morello (branco) e Chico Hamilton (negro) incluem-se em metodologias analógicas como Connie Kay (negro) e Denzil Best (branco); e no Jazz contemporâneo a distinção tornou-se anacrónica.
Voltemo-nos então para o bebop (tipicamente negro):
Panassié e outros grandes musicólogos do passado consideram o Jazz como música de dança, música que estabelece uma relação cinética entre o som produzido e o corpo do auditor. Até aqui tudo certo como regra geral no respeitante a toda a música, e mais precisamente a músicas orais. E estes críticos de respeitabilidade inatacável (quando quero saber algo sobre Jazz clássico agarro-me a Panassié como a uma Bíblia) reagiram violentamente ao bebop porque, segundo eles já não era música de dança (dança seria o swing, o fluído rítmico/simétrico e de batimentos sincrónicos que apenas admitia o break como efeito pulsional da tensão/repouso). Ora este conceito de dança era paradoxalmente ocidentalizado e apoiava a hiper-integração do Jazz na sociedade americana - o período swing foi o mais próximo culturalmente da mass cult americana. Para estes pensadores do Jazz a dança consistiria no conceito ocidental de «par heterossexual» obedecendo a passos simétricos de sensualidade imputável pelo íntimo contacto corporal de dois corpos abraçados; isto para o público, enquanto que para os executantes se permitiria uma dança ritualizada de características tribais (ver que Linonel Hampton, Chick Webb, por exemplo eram espectaculares bailarinos). Ora precisamente, e em primeiro lugar, o bebop contesta esta acepção ocidentalalizada de dança: para os boppers a dança é colectiva, de gestos livres, contrária à promiscuidade familiarista do par heterossexual (em que o macho conduz a gestualidade da fêmea) e liberta a expressão sensual dos corpos, independentemente do sexo e da privatização dualista dos pares. Verificou-se ao nível de massas na cultura ocidental este facto uns 20 anos mais tarde, com o rock-and-roll branco e hoje em dia no ocidente a juventude deixou de dançar agarrada (excepções para a pequena burguesia de província e para a Europa oriental). Mas no bebop contestou-se o postulado ocidentalizante da dança.
Os quatro tempos em interconexão simétrica e equilibrada no swing passam no bop a serem dissimétricos, de acentuações surpreendentes, pontuações fortes e assincrónicas. O contrabaixo, já evidenciado, substitui na orquestra o batimento contínuo do bass drum, tornado no bop motivo figural de pontuações e acentuações rítmicas; enquanto que nos pratos se desenvolve um fluído de vibrações constantes - estamos assim a descrever o estilo baterístico de Kenny Clarke, pioneiro de percussão bop.
Escola do Jazz (anos 40).
Max Roach segue as inovações do Klook Clarke, mas precisa os movimentos, institui as dinâmicas, revoluciona as concepções melódicas - Roach é o Jo Jones do bebop, pela segurança, a limpidez, a racionalidade do seu estilo.
Max Roach abriu a bateria a todas as concepções modernas, o que Clarke conquistou Max consolidou irreversivelmente.
Na linha Klook-Roach espantosos solistas do Jazz moderno: Jimmy Cobb, Bob Durham, Charlie Persip, Alex Riel, Bert Dahlander, Christian Garros, Charles Bellonzi, e a grande série dos bateristas modernos.
Art Blackey é mais visceral e volta-se retrospectivamente para as percussões New Orleans combinadas com a rítmica norte e nordeste africanas.
Os efeitos pressing roll (rlamentos em crescendo) caracterizam o seu discurso bem como a multiplicidade de violentíssimos breaks. Podemos chamar de funky ao seu estilo, já que no desenvolvimento dos solos se tem por essencial a expressividade das concepções negras de música.
Blakey é o oposto doutro grande baterista do Jazz de quem já falámos: Shelly Manne. Este músico, um dos percussionistas mais eruditos da História do Jazz, é racionalista, sensitivamente técnico, melodicamente inultrapassável, subtil, premeditado, lógico mas também rigorosamente libidinal.
A enorme inteligência orquestral deste baterista fazem dele um dos mais solicitados músicos de todas as escolas do Jazz.
Para discípulos de Blackey citamos: Roy Brooks, Louis Hayes, Roy McCurdy, Billy Brooks, Lex Humphries, Michael Carvin e sobretudo Philly Joe Jones. Philly Joe Jones alia a souplesse de Max Roach à violência de Art Blackey e moderniza o estilo deste dentro de perspectivas estéticas mais complexas. Inaugura um estilo particularmente contemporâneo do Hard Bop que inspira músicos como Michey Rocker, o metamórfico Al Heath, Frank Gant, Vernell Fournier, Ben Riley, Arnold Wise, Charles Wright, Jimmy Hopps, Art Taylor, todos adeptos duma síncrese estrutural e do evolucionismo estético.
Danny Richmond está para Mingus como Sam Woodyard está para Ellington.
Richmond, polifacetado é pilar indispensável da aventura Mingusiana - expressionista, psicológico (no sentido duma plasticidade ideossincrática rara) É com Elvin Jones um dos revolucionários da bateria contemporânea.
Vejo muito próximos de Richmond: Dennis Charles e Pete La Roca.
De Shelly Manne orienta-se uma escola de bateristas de jogo íntimo, pensado, introvertido, que tanto se reconhece na West Coast como no Cool;
Denzil da Costa é personalidade proeminente deste estilo de percussão. O seu drum fillout, que remonta ao mítico Dave Tough, consiste numa discursividade dialéctica independente do rumo rítmico da orquestra, não privilegiando acentuações nítidas.
Colin Bailey, Frank Isola, Bill Reichenbach, Eddie Marshall, Joe Bolden, Stan Levey, Marty Morell, Gene Stone, Larry Bunker destacam-se entre os deuses. Connie Kay inclui-se na complexidade lírica do cool especial do Modern Jazz Quartet e é o baterista mais requintado do Jazz Negro.
Joe Morello e Chico Hamilton, por diferentes meios e convencinalismos, estudaram assombrosas polirítmias da percussão mundial e são admiráveis inventores de ritmos complexos, ambos adorados por largo espectro de público que prefere o exotismo.
Paul Motion, na linha de Connie Kay e Larry Bunker, assimila progressivas influências da escola Morello-Chico.
Todos os bateristas brancos e europeus ou asiáticos são animados pela categoria estilística destes bateristas Cool-west Coast.
Dois homens mudam o rumo da percussão do Jaz nos anos 60:
Elvin Jones e Anthony Williams:
Elvin é paroxístico, esquizo, potente, dissimétrico, assincrónico, de pujantes fluídos rítmicos, impressionante e dramático.
Williams é subtil, preciso, de labirínticas simetrias, equilibrado, lírico, desejoso da sincronia abstracta.
Elvin descambou no Free-Jazz, em Coltrane, no teatro off.
Williams tomou o gosto pela pop music, Miles, Jazz-Rock, psicadelismo.
Dois vultos maiores da História do Jazz que decidiram novas e diferenciadas estéticas. Estéticas por mim abordadas na primeira edição de Revolução do Jazz e em Grande Música Negra.
No Free-Jazz enquadramos os cósmicos admiradores de Elvin, sobressalatados e informalistas seguidores, psicopáticos, anárquicos, desterritorializados, individualistas, ferozes e agressivos doentes duma sociedade que marca o fim da psiquiatria, o Estado-Édipo: Allen Blairman, Lawrence Cook, Jerome Cooper, Dave Grant, Ronald Jackson, Clifford Jarvis, Arthur Jenkins, Roger Blanck, J. C. Moses, Mohamed Ali, Rashied Ali, Louis T. Moholo, Beaver Harris, Steve McCall, Noel McGhile, Aldo Romano, P. Braceful, P. Gaumont, P. Courtres, Bennink, Jacques Tholot, Claude Decloo e os mestres Sonny Murray ou Milford Gáves, e tantas sínteses de explosiva memória.
Uma outra estirpe, perservando no evolucionismo formal, de tão apaixonantes estilos: o enebriante Roy Haynes (baterista metarítmico), o audacioso Andrew Cyrille (dos ritmos genitais), Art Lewis, Clarence Beckton, Charles Moffet (o fantasmático Omestt), Ed Blackwell (génio da bateria contemporânea) Alan Dawson (músico-teórico inolvidável), Mike Clark, John Terry, John Tira basso, Freddie Watts, David Lee, os melodicistas Billy Elgart, Joe Hunt, Billy Hart; o incorporal Billy Higgins (devotado inovador), o aliciante Oliver Johnson e os europeus Daniel Humair (ao nível dum Shelly Manne de vanguarda) Stu Martin, Jon Christensen (magnífico!), Peter Giger, Klaus Weiss, Andrea Centazzo, Franco Tonani, Charlie Antolini ou o japonês Motohiko Hino...
Para culminar sempre em Ed Blackwell (poliritmias universais), Roy Haynes (a arqueologia triunfal), Billy Higgins (o equilíbrio estético), a vanguarda em Barry Altchull e Pierre Favre.
No Jazz-Rock, vindo de Williams: o topo desta arte em Jack de Johnette.
Os super vedetas Billy Cobhan e Alphonse Mouzon ou Lenny White.
Outros montros sagrados que viram os seus estilos aureolados pelo capital e pela inteligência: Norman Connors, Bob Moses, Leon Chandler, Eric gravatt, Bernard Purdie, Jeff Williams, Joe Chambers (também evolucionista da qualidade de um Billy Higgins), Edward Vesala (mais erudito que pop), Tony Oxley (dum nível dum Tumain mas voltado para o sproblemas da electro-acústica).
Todos estes músicos são estudados mais atentamente em Revolução do Jazz e no capítulo dedicado ao Jazz de hoje.
E agora cada baterista pode procurar rumos imprevisíveis porque a bateria se esgotou com instrumento-forma, e as percussões se abriram às mais poliscópicas experiências.
O fim do Jazz é também o fim da bateria, como talvez nos alvores da sua aurora se destacassem as luminosidades libertinas deste instrumento; nenhum instrumento como a bateria foi tão fiel ao Jazz.
Jorge Lima Barreto

Biblioteca Musical
. PINK FLOYD - Jean-Marie Leduc - Edições Centelha
. Rock & Droga - Jorge Lima Barreto
O processo crítico-informativo de Jorge Lima Barreto assumiu sempre aspectos muito particulares e tipificados. Homem do e para o Jazz, experiência que no papel se consubstanciou numa boa dúzia de livros e profusa colaboração dispersa por numerosos jornais e revistas (entre as quais o MC), não deixa, contudo, de por vezes surgir a reflectir sobre o fenómeno «rock» e tudo o que o rodeia.
Assim sucede com este polémico «Rock & Droga», sobre o qual nos debruçaremos mais detalhadamente, no próximo número. De qualquer modo e para já a recomendação aqui fica: uma obra difícil de digerir mas que constitui inegável trabalho de interesse invulgarmente controverso.



Alguns artigos interessantes, para futura transcrição:
. Entrevista - UHF: Passeando pela vida entre o nascimento e a morte, por Mário Correia (4 páginas)
. Entrevista - José Mário Branco, por Mário Correia (3 páginas)
. Entrevista / Reportagem - Léo Ferré em Lisboa: "as palavaras são sempre importantes", por Viriato Teles (2 páginas)

Memorabilia: Revistas / Magazines / Fanzines (148) - Pop-Clube #9

Pop-Clube
(Trap-Magazine) Director: Juvêncio Pires
Nº 9
Fevereiro
10$00

 

Director: Juvêncio A. Pires
Administrador: Luís Vieira
Propriedade: Juvêncio Pires e Luís Vieira
Chefe de Redacção: Carlos Lobo
Redacção: Rua Luís António Verney, 19 1º-Dto. - Cova da Piedade
Administração: Rua Dr. Julião de Campos, Nº 9 R/C, Almada

20 páginas A4 - papel de peso médio p/b. A excepção é a capa que é de papel brilhante mais pesado e a cores (azul)

Tiragem: 20 mil exemplares.

Jimi
O Homem, O Músico, O Mito
Em 18 de Setembro de 1970, James Marshall Hendrix foi declarado morto no St. Mary Abbots Hospital, em Kensington, Inglaterra.
O professor Donald Teare, patologista, explicou a causa da morte como 'inalação' de vómito devido a intoxicação barbitúrica.
Embora não houvesse no corpo de Jimi droga suficiente para lhe causar a morte especulou-se sobre um possível suicídio. Isto foi negado por pessoas que tinham realmente conhecido Jimi Hendrix, pois, muitas delas afirmam que este adorava a vida.
Mas em qualquer aspecto a morte de Jimi Hendrix foi um trágico e inevitável acidente.
Gerry Stickels mandou por avião o corpo morto de Jimi para a sua terra Natal.
Acompanhado por Johnny Winter e Miles Davis, assim como pela maior parte dos músicos que tocaram com ele, o funeral realizou-se no dia um de Outubro de 1970 no Greenwood Cemetery, em Seattle.
Tentamos com esta pequena biografia dar vida àquilo que apelidámos de Jimi Hendrix - O Homem, O Músico, O Mito.
Quem foi Jimi Hendrix? O que é que ele representava para as pessoas que trabalharam e viveram com ele? O que era para Jimi a música que ele tocava?
É a tudo isto que vamos tentar dar resposta.
Em continuação ao número anterior, vamos neste reproduzir uma entrevista dada por Jimi Hendrix, em 1970, pouco antes da sua morte, a Noel Redding e Baron Wolman. Esta entrevista dá-nos um relance daquele que foi o grande génio da guitarra.
P - Ainda vives com muitos músicos na tua casa?
R - Não, agora só quero ter tempo para mim próprio, para poder escrever alguma coisa. Eu quero escrever mais.
P - Que espécie de escrita?
R - Não sei. Na maior parte material para 'cartoon'. Fazer este gajo que é engraçado, e que passa por todas estas cenas estranhas. Não posso falar sobre isso agora. Acho que se pode pôr isto em música. Tal como se podem pôr blues em música.

P - Estás a falar em grandes trechos? Ou somente em canções?
R - Bem, eu quero fazer aquilo a que chamas trechos, sim, peças, umas atrás das outras de maneira a criarem movimento. Tenho estado a escrever coisas assim.
P - Se tens o 'cartoon' na cabeça, tens também a música?
R - Sim, na cabeça, exactamente. A música vai acompanhando a história, tal como em 'Foxey Lady'. Qualquer coisa assim. A música e as palavras vão juntas.
P - Quando compões uma canção, ela ocorre, simplesmente, ou segues o processo de te sentares, com a guitarra ou ao piano, começando às dez da manhã e tentando fazer a canção?
R - A música que sinto não a consigo pôr na guitarra. Se pegar nela para tentar tocar o que sinto, só consigo estragar tudo. Não sou tão bom guitarrista que possa tocar tudo o que sinto e quero. Gostaria de ter aprendido a escrever para instrumentos. Acho que vou tentá-lo agora.
P - Então para coisas com 'Foxey Lady', ouves primeiro a música, para depois chegares à letra?
R - Bem, tudo depende. Em 'Foxey Lady', nós começámos a tocar, e ao microfone eu disse as palavras que me ocorreram. Com 'Voodoo Child', 'A Slight Return', alguém estava a filmar quando começámos a fazer isso. Fizé,o-lo umas três vezes porque eles queriam filmar-nos no estúdio.
P - Gostas de ouvir alguns tocadores de avant - garde jazz?
R - Sim, quando fomos à Suiça e ouvimos alguns músicos de lá que nunca tínhamos ouvido, músicos que tocam em pequenos clubs e caves não podíamos imaginar que eles fizessem música assim. A música deles é como uma onda: vai e vem.
P - Quais são, para ti, os melhores sítios para tocares?
R - Gosto de tocar em lugares pequenos, como um club. Aí obtém-se um outro sentimento, sentimento esse que se junta com outro que já temos. Não sei explicar... Acho que são as pessoas.
P - Como são aquelas duas diferentes experiências, aquilo que obténs da audiência?
R - Eu obtenho muito da audiência. Algo que me faz 'sair' dali. Eu não me esqueço da audiência mas sim de toda a paranóia, daquela coisa que me faz dizer: 'Oh Deus! Eu estou no palco, o que é que eu vou fazer agora? Então sinto qualquer outra coisa que se parece, de certa maneira, com uma brincadeira.
P - Que parte te toca na produção dos teus álbuns? Por exemplo, produziste o teu primeiro álbum 'Are You Experienced?'
R - Não, foram Chas Chandeler e Eddie Kramer quem mais trabalhou nisso. Eddie era o engenheiro e Chas como produtor mantinham as coisas juntos.
P - O último disco 'Electric Ladyland' apresenta-te como produtor. Fizeste realmente tudo?
R - Não, bem fui eu e Eddie Kramer. Tudo o que eu fiz foi estar lá e certificar-me que as canções certas e o som certo também lá estavam. Mas o som perdeu-se porque fomos fazer uma tournée antes de o disco estar completamente acabado. Eu depois ouvi-o e achei[...]
P - No último disco gravaste "All Along The Watchover". Há mais alguma coisa de Bob Dylan que queiras gravar?
R - Oh sim. Gosto daquela assim 'Please help me in my weakness' (Drifters Escape). Era bestial. Eu gostava de fazer isso. Eu gosto do seu 'Blonde on Blonde' e 'Highway 61, Revisited'. O seu material de campo também é bom. É mais clamo.
P - Costumas ouvir grupos como os 'Flying Burrito Brothers'?
R - Quem é o guitarrista dos Burrito Brothers? Esse moço toca. Gosto dele. Ele é realmente maravilhoso com a guitarra. É o que me faz ouvi-los, é a música.
P - Lembras-te de Bob Wills and the Texas Playboy?
R - Gosto deles. The Grand Ole Opry costumava vir ouvi-los. Eles têm bons guitarristas.
P - Que música admiras, fora do teu género?
R - Nina Simone e Moutain.
P - Que me dizes sobre um grupo como os Mac Coys?
R - O guitarrista é óptimo.
P - És fan de Pinkie Lee?
R - Costumava ser. Costumava usar meias brancas.
P - É verdade que costumas ensaiar com Band Of Gypsys doze a dezoito horas por dia?
R - Oficialmente é verdade. Mas maior tempo que tocámos juntos foi duas horas e meia, quase três.
P - Vais fazer um single e um L.P.?
R - É possível que um ou outro saiam em breve. Estas companhias de gravação só querem singles. Mas não nos podemos sentar e dizer 'vamos fazer uma faixa, ou vamos fazer um single'. Nós não vamos fazer isso, não podemos fazer isso.
P - Credence Clearwater Revival faz isso até ter material para um álbum, como nos tempos antigos.
R - Bem isso era nos velhos tempos. Eu considero-os mais músicos, mais dentro da música, compreendes?
P - Mas os singles fazem dinheiro, não fazem?
R - Bem, é por isso que eles se fazem.
* Quando Jimi Hendrix fala em cartoon, pensamos que se refira ao projecto que ele tinha de fazer em desenhos animados (cartoon) a história da sua vida.





Pink Floyd - "Animals"
Um Novo Álbum, Um Novo Êxito
Escreveu: Judite Maria Cid
Tudo começou em 1966 na "London's Polytechnica School Of Architecture", onde estudavam Nick Mason, Roger Waters e Richard Wright. O compositor inicial é Sid Barret, amigo de Roger e o responsável pelas noites loucas no clube U.F.O., onde se reuniam os avant-gard do tempo.
Foram o primeiro grupo a utilizar um show de luzes, com projecção em telas, nos músicos, e no público, slides e composições de Pop-Arte, coordenado por Mick Lowe.

A sua música inovadora que foi várias vezes apelidada de psicadélica, inquietante, etérea e selvagem, tentava recriar uma viagem de ácido lisérgico.
O seu primeiro trabalho de longa duração saiu no filme de 1967 "The Piper At The Gates Of Dawn", seguido em 68 por: "Saucerful of Secrets", trabalho de música irreal, suite sonora de vozes e estranhos coros, cantos de pássaros e barulhos bizarros. É depois da gravação deste disco que se verifica a partida de Syd Barret (que vai para um asilo de tratamento psiquiátrico), entrando em seu lugar o guitarrista David Gilmour.
É "MORE", saído em 69 que começa a criar fama ao grupo. Disco este que foi concebido para a banda sonora original de um filme com o mesmo nome.
Segue-se um duplo "ummagumma" que inclui o famoso "Careful With That Axe, Eugene" em gravação ao vivo.
Em 1970 acontece a grande "volta" nos processos de criação musical no grupo. Pink Floyd evolui para uma maior elaboração menos espectacular e imediato. É assim que surgem ainda em 70 "Atom Heart Mother", gravado com orquestra e coros, pouco acessível para os amantes do Rock da altura, e já em 71, "Meddle" cuja composição "Echoes" é um autêntico marco da música moderna, que nos oferece momentos sublimes de rara beleza e de grande força envolvente, tal como disse o crítico do "Rock et Folk" Paul Alessandrini.
Nesta altura já os shows ao vivo são feitos em quadrifonia sendo a sua parte visual considerada a mais bela do mundo.

Em 1972 surge "Obscured By The Clouds", considerado por alguns um autêntico acidente na discografia do grupo, e que serviu de banda sonora ao filme de Barbet Schroeder "La Valée".
"Dark Side of the Moon" sai em 1973, depois de ter sido tocado ao vivo durante um ano. Grande sucesso do grupo, este álbum é composto por um ciclo de canções sobre a devastação mental e emocional provocada pelas pressões sociais do medo, do falhanço, do envelhecimento, da pobreza, da solidão, e acima de tudo da loucura.

É nesta altura que alguns críticos saudam no Pink Floyd o agarrar humano no universo concentracionário do homem e do seu ego.
Depois de dois longos anos sem discos surge "Wish You Were Here". Deitando fora o fantasma de Syd Barret, os Pink Floyd conseguem um álbum mordaz, crítico, triste e cínico mas infinitamente belo.
Agora em 1977 o já celebérrimo grupo surge com um novo álbum: "Animals". O disco foi gravado no estúdio privativo dos Pink Floyd, situado na parte norte de Londres. Foi totalmente produzido pelo grupo e nele encontra-se o toque fundamental que é a sua característica essencial - a perfeição. É um disco concebido, evidentemente, sobre os animais, ou antes, sobre o Homem visto através dos animais.
"Animals" é uma visão pesimista e cínica da Humanidade, que se encontra dividida em três grupos distintos: os cães, os porcos e os carneiros. Waters torna-se duro pois apresenta-nos num estado bestial, não nos restando outra hipótese a não ser escolhermos qual a espécie que mais nos convém.

"Animals" é composto por quatro partes:
Na 1- face "Pigs on the Wing".
Na 2- face "Pigs", "Sheep" e "Pigs on the Wing".
O material não é totalmente original, pois "Dogs" e "Pigs" são temas antigos tocados ao vivo pelo grupo há cerca de dois anos. Nessa época "Dogs" intitulava-se "You Gotta Be Crazy", e "Pigs" era "Raving and Drooling".
"Pigs on the Wing" é introduzido por uma guitarra acústica, que vai ser a base contínua da faixa, especialmente na primeira parte. Os solos e a voz vão seguir este som acústico que se impõe como suporte essencial.
Esta faixa é uma concepção sobre as relações de desconfiança e violência entre as pessoas.
"Pigs" começa com grunhidos de porcos. Há uma óptima combinação de guitarra acústica e eléctrica, bateria e piano. Vozes recitam quatro linhas do antigo testamento, sendo a última mudada por Waters para qualquer coisa como: "Não se esqueça a sua lição de Karaté".
Balidos de carneiro introduzem "Sheep", a faixa mais ritmada do álbum, e, que faz lembrar "One Of These Days" do disco "Meddle". Têm ambas a mesma introdução, o mesmo ritmo, a mesma energia. Pássaros e carneiros acabam esta faixa.
É isto, em resumo, o último disco de Pink Floyd. Não deixes de o ouvir.



Rock Alemão
Jurgen Fritz, Teclista do Grupo Triumvirat esteve em Portugal
Suscitou enorme entusiasmo e surpresa a visita ao nosso país do teclista e leader do grupo de Rock - 'TRIUMVIRAT'. Na realidade não é hábito sermos visitados pelos músicos da música rock o que fez, naturalmente, espevitar toda a imprensa da especialidade (e não só) e grande parte do público informado.
JURGEN FRITZ deslocou-se até nós para receber o DISCO DE PRATA, atribuído pela venda dos seus três álbuns editados entre nós, de entre os quais sobressai com maior número de bandas - 'SPARTACUS'. JURGEN declarou-nos que, por sinal, foi o álbum que mais gostou de gravar por nele mais se notar o sentido de grupo.
Ficou admirado e surpreendido com as vendas dos seus discos em Portugal. Na realidade, atendendo às proporções das populações, é o segundo país em vendas. O Brasil ocupa o primeiro lugar. À escala da população vendem mais discos em Portugal do que no seu país (Alemanha Federal).
Surpreendeu-se também pelo facto dos seus principais auditores serem constituídos pela nossa camada mais jovem, enquanto que na Alemanha os seus álbuns são vendidos às pessoas de idade média. Confessou-nos que o grupo não era muito popular no seu país.

Presentemente procura um elemento para o grupo - o baterista. Com a saída do álbum o grupo desfez-se. FRITZ disse-nos já ter contactado BILL BRUDBORD (ex-Genesis e ex-Yes) para ocupar o lugar de baterista do grupo, uma vez que para baixo e vozes voltará BARRY PALMER que participara já no álbum 'SPARTACUS'.
Não se consideram intépretes do chamado Rock Alemão, chegando a afirmar-nos não existir Rock Alemão uma vez que o ritmo sanguíneo do povo Alemão é a marcha e daí as influências de Schultz ou de Kraftwerk. Pessoalmente não considera música o que esses grupos interpretam, mas sim experiências musicais. Sabe existirem grandes guitarristas na Alemanha, mas não de Rock. Sobre o próximo álbum a gravar, disse-nos que o tema principal seria sobre a explosão do vulcão Vesúvio e que retratará a vida antes e depois da explosão do mesmo.
Vão iniciar uma tournée pela Europa, Brasil, E.U.A.. Pensa fazer deslocar o grupo até nós devido ao enorme êxito dos seus álbuns entre a nossa juventude. Deslocar-se-ão mediante um 'cachet' simbólico. O grande problema parece estar na deslocação do enorme e pesado material para a actuação (10 toneladas), que faz pensar seriamente a possível agência organizadora do concerto.
Que tudo corra pelo melhor! Que tenhamos a oportunidade de ver a 'livre' um dos mais desejados grupos da actualidade.
Juvêncio Pires






Outro conteúdo interessante, eventualmente a divulgar posteriormente:
. Rick Wakeman - "O Rei do Rock Sinfónico" - artigo de fundo de 2 páginas, por Juvêncio Pires
. I Festival Jazz Contemporâneo 76 - Sintra - Reportagem de José Manuel Gomes.