Muere el trombonista de jazz, Roswell Rudd

Roswell Rudd 

Roswell Hopkins Rudd Jr. nació en Sharon, Connecticut, el 27 de noviembre de 1935 y falleció el 21 de diciembre de 2017. Trombonista de jazz y compositor, tocó variedad de géneros, empezando por el dixie, pasando por el free jazz y vanguardia, hasta una mezcla con country, R&B, folk o pop.  Desde 1962 Rudd trabajó durante una larga temporada con el saxofonista Archie Shepp. Destacó también por sus colaboraciones con Toumani Diabaté o con músicos de Mongolia.   

Asistió a la Escuela Hotchkiss y se graduó de la Universidad de Yale, donde tocó con Eli’s Chosen Six, una banda de estudiantes de dixieland a la que Rudd se unió a mediados de la década de los cincuenta. El sexteto grabó dos álbumes. Más tarde, Rudd enseñó etnomusicología en el Bard College y en la Universidad de Maine. Entre sus colaboraciones destacan las realizadas con Archie Shepp, Cecil Taylor, John Tchicai, Steve Lacy o Alan Lomax.

Roswell Rudd con Archie Shepp 

En los sesenta participó en grabaciones de free jazz con el New York Art Quartet; la banda sonora de la película de 1964 “New York Eye and Ear Control”; el álbum “Communications by the Jazz Composer's Orchestra”; así como colaboraciones con Don Cherry, Larry Coryell, Pharoah Sanders y Gato Barbieri. Rudd con su productora, y compañera sentimental, la etnomusicóloga Verna Gillis viajaron a Malí en 2000 y 2001. Su álbum “MALIcool” (2001) fue una colaboración intercultural con el intérprete de kora Toumani Diabaté y otros músicos malienses. Fue la primera vez que se presentó el trombón en una grabación de música tradicional de Mali.

Roswell Rudd

En 2004, Rudd estuvo tocando con su Trombone Shout Band en el 4th Festival au Désert en Essakane, Tombouctou, Mali. En 2005 grabó un álbum con la Mongolia Buryat Band, un grupo de musical tradicional de músicos de Mongolia y Buriatia, titulado “Blue Mongol”. También condujo clases magistrales y talleres tanto en los Estados Unidos como en el resto del mundo.

Durante su carrera recibió una nominación al Grammy por el mejor trabajo vocal masculino y al mejor álbum instrumental de jazz, “Monk's Dream” (1999). También fue escogido trombonista del año por la Asociación de periodistas de jazz (2003-05, 2009-10), y el mejor trombonista por la Down Beat Critics 'Poll (2010).  Entre sus últimos trabajos destacan en 2016, “Strength & Power” y en 2017 "Embrace”, los dos editados por RareNoise. 

Documentos sonoros: 

Archie Shepp y Roswell Rudd 

Roswell Rudd y Toumani Diabaté 

Muere el pianista de jazz, John Critchinson

John Critchinson

John William Frank Critchinson nació el 24 de diciembre de 1934 en Londres y falleció el 15 de diciembre de 2017. También conocido como "Critch", fue un pianista que colaboró con grandes del jazz británico formando parte del cuarteto de Ronnie Scott, o colaborando con el dúo de jazz soul fusión, Morrissey Mullen.     

Critchinson tocó con Tubby Hayes y Jimmy Deuchar, entre otros. En 1979, por recomendación de su mentor, Bill Le Sage, fue miembro del cuarteto de Ronnie Scott hasta que se disolvió en 1995. Durante ese tiempo trabajó con muchos artistas estadounidenses que actuaban en Inglaterra, incluidos Chet Baker, George Coleman, James Moody, Joe Henderson o Johnny Griffin.

A principios de la década de los ochenta  se asoció con el dúo británico de jazz fusión  Morrissey-Mullen, y grabó con ellos dos de sus álbumes “Badness” (1981) y “Life On The Wire” (1982). Sacó a su nombre los discos “Summer Afternoon” (1982) y “New Night” (1984). También grabó con Dick Morrissey y fue miembro de la Our Band de Martin Drew, con Ron Mathewson, Jim Mullen y Dick Morrissey. En 1995, Critchinson formó un cuarteto con Art Themen al saxofón, Dave Green al bajo y Dave Barry a la batería. Cuando Scott murió en 1996, Critchinson formó la banda de homenaje  Ronnie Scott Legacy con Pat Crumly al saxofón y flauta. Más recientemente, estuvo tocando y grabando con el saxofonista Simon Spillett.

Documento sonoro:

The Ronnie Scott Quintet - "Cantaloupe Island" 

Muere el cantante de jazz, Kevin Mahogany

Kevin Mahogany

Kevin Mahogany nació en Kansas City, Missouri, el 30 de agosto de 1958 donde falleció el 17 de diciembre de 2017. Cantante de jazz, grabó varios discos desde los noventa, década en la que fue muy notoria su irrupción en el mundo del jazz. Creo un sello propio llamado Mahogany Jazz. La suya fue una de las voces de barítono más personales, seguidor del gran Johnny Hartman, dominaba no solo los recursos del jazz, sino tambiñen del blues y el góspel, incluido el R&B con su banda The Apolos. 

Nacido en el seno de una familia musical, comienza de muy joven a tocar el piano. Estudia el clarinete y en 1970 el saxo barítono. Ese mismo año debuta en la New Breed Orchestra de Eddie Baker. En la High School, toca en diferentes orquestas y bandas. Se interesa por la voz. Ya en la Baker University, forma un coro vocal a su nombre. Cuando se gradúa vuelve a su ciudad natal y forma dos grupos: uno con su nombre en el que interpreta R&B y jazz, y The Apolos, con raíces en los sesenta. Obtiene cierta notoriedad y en 1991 le invitan la gira de la banda NRE Trio. Conoce a Frank Mantooth y colabora en la grabación de su disco. En 1993 debuta con el álbum a su nombre “Double Rainbow” donde recoge varios temas con influencias bebop y blues.



Kevin Mahogany

Le siguen los álbumes “Songs and Moments” (1994), y “You Got What It Takes” (1995), todos ellos para Enja. Firma con Warner Bros y saca cuatro discos más: “Kevin Mahogany” (1996), “Another Time Another Place” (1997), “My Romance” (1998) y “Portrait of Kevin Mahogany” (2000). Ese año sale con Enja “Pussy Cat Dues”, con música de Charles Mingus.




En 2002 saca “Pride and Joy” para Telarc, un tributo a los grandes de la Motown. Al año siguiente crea su propio sello y publica los discos “Big Band” y “To Johnny Hartman”, los dos en 2004. En 2009 graba con Tony Lakatos “The Coltrane Hartman Fantasy Vol.1”.


Documento sonoro:


Kevin Mahogany en el XIX festival Jazz San Javier en 2016.

Fallece el guitarrista Vincent Nguini

Vincent Nguini

Nacido en Obala, Camerún en 1952, Vincent Nguini falleció el 8 de diciembre de 2017 en Abadiânia, Brasil a consecuencia del cáncer que padecía. Guitarrista de Paul Simon desde 1991,  colaboró con Peter Gabriel, Maloko, Jimmy Buffett, Neville Brothers y Angelique Kidjo, grabando también discos a su nombre. 

Aprendió una gran variedad de estilos de guitarra mientras viajaba por África a mediados de los setenta. Construyó su sonido combinando música africana, jazz y rock. En 1978, se mudó a París donde trabajó como músico de sesión, llegando a ser el director musical de Manu Dibango. En 1987 se instaló en Nueva York, donde el trompetista de jazz, Hugh Masekela le presentó a Paul Simon.

Vincent con Paul Simon

Continuó con Simon hasta que enfermó, tocando en los álbumes “Rhythm of the Saints” (1990), “Songs form The Capeman” (1997), “You're the One” (2000) y “Surprise” (2006) y “Stranger to stranger” (2016). También actuó en once giras de Paul Simon. Por otra colaboró puntualmente con Peter Gabriel, Jimmy Buffett, Neville Brothers y Angelique Kidjo. También lanzó álbumes como solista como “Douma” (2005). En julio, Ray Phiri, que tocaba la guitarra con Simon en “Graceland” y “The Rhythm of the Saints”, murió de cáncer de pulmón.

Simon comentó de él que "era el músico más creativo con el que había trabajado", al tiempo que lo calificó de "un guitarrista rítmico extraordinariamente melódico. Me refiero a que sus partes rítmicas eran generalmente líneas repetitivas, muy del oeste africano, en lugar de rasguear acordes. Su estilo era único”.


Documento sonoro:

Paul Simon y su poderosa banda en directo en 1991.



Vincent Nguini & Afro-Train, "Ode to Hendrix".

Fallece el gran saxofonista Ralph Carney de los Tin Huey, entre múltiples proyectos

Ralph Carney

Ralph Carney nació el 23 de enero de 1956 en Akron (Ohio) y falleció el 16 de diciembre de 2017 a consecuencia de un accidente de tráfico. Cantante, compositor y multiinstrumentista, tocaba principalmente el saxo en bandas como Tin Huey, o colaborando con otros como Tom Waits, entre una larga lista de músicos como Dieselhed, Marc Ribot, The B-52's, Elvis Costello, Jonathan Richman, Les Claypool, Stan Ridgway, Medeski Martin & Wood, Jed Davis, Bill Laswell, HowellDevine, Black Keys, Steev Richter o Black Francis, con los que tocó como músico de sesión o actuó en directo. También grabó discos a su nombre siendo todo un referente del jazz experimental. Su saxo se puede oír también en las bandas sonoras de "Night On Earth" de Jim Jarmusch (1991) o "Wild at Heart" (1990) de David Lynch.
 

Ralph Carney

Inició su curiosidad musical interesándose por el banjo, violín y armónica, tocando bluegrass y country. A los 15 años comenzó a tocar el saxofón. También trabajó una tienda de discos del centro comercial. En los setenta entró a formar parte de los Tin Huey, grupo de rock experimental y new wave creada en Akron.  La banda originalmente era conocida como Rags y comenzó con tres miembros: Mark Price (bajo), Michael Aylward (guitarra) y Stuart Austin (batería). Harvey Gold (órgano) se convirtió en el cuarto miembro. Cuando Price abandonó la banda, los miembros restantes contrataron al guitarrista Arthur Baranoff y el bajista Wayne Swickley. Cuando se marcharon, Price se reincorporó y se convirtió en el bajista, mientras que Aylward tomó la guitarra eléctrica, y Gold alternó entre guitarra eléctrica y teclados. Agregaron brevemente al saxofonista Lochi MacIntosh que fue reemplazado por Ralph Carney. Chris Butler fue el último en unirse, también a la guitarra. Ralph grabó el disco “Contents Dislodged During Shipment” (1979).

Desde los ochenta también grabó o actuado con Tom Waits, Dieselhed, Marc Ribot, The B-52's, Elvis Costello, Jonathan Richman, Les Claypool, Stan Ridgway, Medeski Martin & Wood, Jed Davis, Bill Laswell y HowellDevine, entre otros. Carney también sacó varios álbumes como solista y fue miembro de la Orphan Symphonette con sus compañeros ex alumnos de Waits Joe Gore y Matt Brubeck. También encabezaba la banda Carneyball Johnson de San Francisco, tocando saxofones, clarinete, flautín, trompeta, percusión y voz. Su saxo se puede oír en películas como "Night On Earth" de Jim Jarmusch (1991) o "Wild at Heart" (1990) de David Lynch.

Ralph Carney

Carney colaboró con Black Keys en su álbum “Attack & Release” (2008). De vez en cuando se unió a ellos en el escenario cuando giraron con ese disco. En 2014 colaboró con su sobrino Patrick Carney, baterista de los Black Keys, para una canción de la comedia BoJack Horseman. Realizó una gira con They Might Be Giants en  otoño de 2009 y grabó el álbum de Steev Richter, “Beloved”, en 2016. También grabó y tocó con Black Francis en 2008 para la película “Silent Der Golem”, además de colaborar con Yo La Tengo y Medeski Martin & Wood en vivo en 2010 y 2011. Además aparece en un proyecto producido por T Bone Burnett, “The Ghost Brothers of Darkland County”, con Marc Ribot y Elvis Costello, aún inédito. Actuó en muchos espectáculos producidos por Hal Willner en el Royce Hall de la UCLA, incluyendo un tributo a Harry Smith en 2001, con un gran número de artistas como Todd Rundgren, Phillip Glass y David Johanson.

Ralph Carney y su banda

Carney compuso música para dos discos de poesía para Paris Records (los dos aún no se han lanzado). Uno fue con el poeta Robert Creeley llamado “Really!”. También compuso música para un disco de Ira Cohen llamado “Stauffenberg Cycle”. En 1994, Ralph tocó en el disco de Kathy Acker “Redoing Childhood” (Paris Records). Además hizo algunas canciones para algunos dibujos animados en 2001, entre múltiples colaboraciones con David Greenberger. Desde 2009, había estado grabando y tocando conciertos con su proyecto Ralph Carney's Serious Jass Project. Existe una película documental sobre él llamada “This Is! Ralph Carney”, que lleva el nombre de su álbum de 2003. 

Documento sonoro:

Tin Huey a finales de los setenta con su adaptación de "I'm a believer"



Ralph Carney y "D Tune"

Fallece el pianista de jazz, Willie Pickens

Willie Pickens 

Willie Loverace Pickens nació en Milwaukee el 18 de abril de 1931 en y falleció en Nueva York el 13 de diciembre de 2017. Pianista, compositor, arreglista y maestro de jazz. Considerado uno de los grandes pianistas del bebop, tocó con  Eddie Harris, Buddy DeFranco, Louis Bellson, o Elvin Jones, entre otros.  

Estudió piano desde la edad de 14 años. Asistió al Lincoln High School en Milwaukee con el saxofonista Bunky Green. Pickens también estudió en el Conservatorio de Música de Wisconsin. Se unió al ejército en 1951 y obtuvo un título en educación musical de la Universidad de Wisconsin-Milwaukee en 1958. Ese mismo año se mudó a Chicago. A principios de la década de los sesenta, Pickens tocó en las primeras cuatro grabaciones del saxofonista Eddie Harris para Vee-Jay Records. Tocó con Harris entre 1960 y 1966. Enseñó música en escuelas públicas desde 1966 hasta 1990. También fue miembro del Conservatorio Americano de Música entre 1971 y 1987.

Willie Pickens 

Pickens grabó con el clarinetista Buddy DeFranco en 1977, y ​​el baterista Louis Bellson en 1994. Además tocó en la banda del baterista Elvin Jones entre 1990 y 1997, incluso internacionalmente. Según The New Grove Dictionary of Jazz, "Pickens apareció regularmente en festivales internacionales de jazz y actuó en el Chicago Jazz Festival casi todos los años desde su inicio". Para los músicos de jazz en Chicago, Pickens fue un mentor venerado para los más jóvenes y toda una leyenda. También enseñó en la Escuela de Música de la Universidad de Northern Illinois desde 1997. El saxofonista Lou Donaldson comentó en una ocasión que "Willie Pickens es uno de los últimos grandes pianistas del bebop". Tuvo alguna formación propia como el Willie Pickens Trio con el que grabó un disco llamado “Dark Eyes” (2013). Anteriormente sacó discos como “It's About Time” (1998) o con Marian McPartland “Ain't Misbehavin' Live At The Jazz Showcase” (2001). 

Documento sonoro: 

Willie Pickens con su hija, también pianista, Bethany 

Muere el baterista de jazz, Sunny Murray

Sunny Murray 

James Marcellus Arthur "Sunny" Murray nació el 21 de septiembre de 1936 en Idabel, Oklahoma, y falleció en París, el 8 de diciembre de 2017. Pionero percusionista de free jazz, grabó a su nombre desde mediados de los sesenta y colaboró con otros grandes como Cecil Taylor o Albert Ayler, entre muchos otros.

Murray pasó su juventud en Filadelfia antes de mudarse a Nueva York donde comenzó a tocar con el pianista Cecil Taylor.  Entre otros discos con Taylor tocó en el muy influyente “Nefertiti, the Beautiful One Has Come” grabado en el Café Montmartre de Copenhagen (Dinamarca) grabado el 23 de octubre de 1962, con Jimmy Lyons en el saxo alto.

Murray fue uno de los primeros en renunciar al papel tradicional del batería como exclusivamente medidor del tempo en favor de un juego textural que liberaba al solista de las restricciones del ritmo con una percusión continua. Tras su período con el grupo de Taylor, la influencia de Murray continuó como una parte central del trío del saxofonista tenor Albert Ayler con el que grabó “Spiritual Unity” (1964) con Gary Peacock en el bajo.

Sunny Murray 

Más tarde grabó bajo su propio nombre discos como “ Sunny's Time Now” (1965), “Sunny Murray” (1966)  para ESP-Disk, “Big Chief para EMI/Pathé (1968) y cuando se mudó a Europa en 1969 para BYG Actuel “Homage to Africa”, “Sunshine” y  “An Even Break (Never Give a Sucker)”. En los setenta sacó discos como  “Charred Earth” (1978 Kharma). “Live at Moers-Festival” (1979 Moers), “Aigu-Grave (1979 Marge) con Bobby Few, Alan Silva, Richard Raux, Pablo Sauvage” (1979); en los ochenta “Apple Cores” (1980 Philly Jazz), “Indelicacy” (1987 West Wind) y en los noventa ”13 Steps on Glass” (1996 Enja).

Desde los sesenta grabó con Gil Evans, Jimmy Lyons, David Eyges, Billy Bang,  Khan Jamal, Alexander von Schlippenbach, Cheikh Tidiane Fall y Malachi Favors, Burton Greene y Alan Silva, David Murray, Dave Burrell,  Aki Takase, The Reform Art Unit, Charles Gayle y William Parker, Art Blakey and his Jazz Messengers, Archie Shepp, Gunter Hampel, Sabir Mateen, Christian Brazier, Walter Malli, Kenny Millions, Clifford Thornton, Arthur Doyle, Francois Tusques, Assif Tsahar y Peter Kowald, The Contemporary Jazz Quartet, y Telectu, entre otros.

Documento sonoro: 

Solo de Sunny Murray en 1968. 

Muere el guitarrista de jazz y compositor, Mundell Lowe

Mundell Lowe nació en Shady Grove, cerca de Laurel, Misisipi, el 21 de abril de 1922 y falleció en San Diego, California, el 2 de diciembre de 2017. Guitarrista de jazz, compositor y director de orquesta, a partir de los treinta tocó country y dixie, grabó a su nombre desde principios de los cincuenta, trabajó en producciones de cine y televisión desde los sesenta y setenta, y en los noventa con el André Previn Trío. 


Hijo de un ministro baptista, Lowell creció en una granja en Shady Grove, Mississippi, cerca de Laurel. Comenzó a tocar la guitarra cuando tenía ocho años, con su padre y su hermana como sus primeros maestros. Cuando tenía trece años, se escapaba de casa para tocar en bandas locales. Ocasionalmente, su padre lo encontraba, lo traía a casa y le advertía sobre los peligros del whisky. A los dieciséis años, Lowe trabajó en Nashville en el programa de radio Grand Ole Opry. Fue miembro de la orquesta de Jan Savitt antes de servir en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial.

Se hizo amigo de John Hammond, quien organizaba jams los fines de semana. Actuó en una banda de baile del ejército en Guadalcanal. Tras licenciarse, llamó a Hammond, buscando trabajo, y Hammond lo envió a Ray McKinley. Pasó dos años con la gran banda de McKinley en Nueva York. Se unió a la orquesta de Benny Goodman, luego trabajó intermitentemente durante los siguientes años en varios clubes en Nueva York.


En 1950, fue contratado por la NBC como músico de estudio. Con Ed Shaughnessy fueron miembros de la banda del Today Show durante más de diez años. Los fines de semana tocaba jazz con Jimmy Dorsey y Tommy Dorsey, Bill Evans, Billie Holiday, Red Norvo, Charles Mingus, Charlie Parker, Sauter-Finegan Orchestra y Lester Young. Compuso y arregló para la NBC. Fue el responsable de presentar al gran pianista Bill Evans al productor Orrin Keepnews, que dio como resultado las primeras grabaciones de Evans como líder de su propia banda.

Mundell Lowe

En 1965 se mudó a Los Ángeles y siguió trabajando para la NBC como guitarrista, compositor y arreglista. Escribió música para los programas de televisión Hawaii Five-O, Starsky & Hutch, y The Wild Wild West, o las películas "Billy Jack" o "Everything You Always Wanted to Know About Sex, But Were Afraid to Ask". Grabó con Carmen McRae y Sarah Vaughan. Durante la década de los ochenta colaboró con André Previn, Tete Montoliu y las Great Guitars. Fue professor en el Guitar Institute of Technology y la Grove School of Music. Durante años fue director musical del Monterey Jazz Festival. Lowe era un músico habitual en la reunión anual del W. C. Handy, Festival de Música y miembro de la W. C. Handy Jazz All-Stars.


En 1998 fue incluido en el Music Hall de la Fama de Mississippi, y en 1999, el Millsaps College en Jackson, le otorgó un doctorado honoris causa en Artes en reconocimiento por toda su vida artística. El 17 de julio de 2009, regresó a su casa en Laurel, donde le fue dada la llave de la ciudad y fue honrado por el alcalde quien proclamó el 18 de julio de 2009 como el Día de Mundell Lowe en Laurel. Lowe estuvo casado con la cantante Betty Bennett, y apareció en el año 1990 en la grabación de su álbum "The Song Is You", con Bob Cooper, George Cables, Monty Budwig y Roy McCurdy.


Documento sonoro:

 Mundell Lowe "Mr. Lucky, The Untouchables & Other TV Action Jazz"

Fallece el bajista de funk y jazz Robert Popwell

Robert Lee "Pops" Popwell nació en Daytona, Florida, el 29 de diciembre de 1946 y falleció el 27 de noviembre de 2017. Bajista de jazz y funk formó parte de los Young Rascals,  desde su época final de los setenta ya como Rascals más los Crusaders, entre otros. Colaboró en grabaciones de grandes como Aretha Franklin, Bob Dylan y muchos más. 

Se estableció en Nashville, Tennessee, y se ganó un gran prestigio como guitarrista y bajista. Uno de sus combos más conocidos fueron los Young Rascals. Los Young Rascals se formaron en Garfield, Nueva Jersey en 1965, por Félix Cavaliere (nacido el 29 de noviembre de 1944, Pelham, Nueva York), al teclado y voz; Dino Danelli (nacido el 23 de julio de 1945 en Nueva York), a la batería; Eddie Brigati (nacido el 22 de octubre de 1946, en Nueva York), voz solista; y Gene Cornish (nacido el 14 de mayo de 1945, en Ottawa, Canada), a la guitarra. Cavaliere habia formado parte de los Stereos, a los que abandonó para ir a la universidad. De nuevo en Nueva York conoceba a Dino Danelli, baterista desde los 15 años quien ya había tocado en los Bourbon Street en Nueva Orleans. Poco después conocen a Eddie Brigati, cantante, en formaciones de R&B.  Félix y Dino tocan con Sandy Scott en Las Vegas en 1964 y después entran en The Starlighters, el grupo del cantante Joey Dee. Después forman Young Rascals en 1965, con Gene Cornish.  Les descubre el promotor  Sid Bernstein,  y su primer single es “I ain’t gonna eat out my heart anymore" al quie le sigue el exitoso “Good, lovin’”. En 1966 sacan dos discos “Young Rascals” y “Collections”. Después sacan los singles “You better run” y “Lonely too long” más en 1967 “Groovin’” y el LP del mismo título. Repiten éxito en 1968 con el disco “Once upon a dream” y otro número uno con “People got to be free”.  En lo más alto de su trayectoria pasan a llamarse The Rascals.

Robert Popwell

Al año siguiente, 1969, sacan “Freedom suite” al que le sigue “See” (1970) con los cambios de  Brigati y Cornish por Robert Popwell, Ann Sutton y Buddy Feiten.  Popwell había tocado con Bob Dylan, Aretha Franklin, Tim Hardin, Eddie Floyd y Livingston Taylor. Ann Sutton venía del mundo del jazz y el soul, mientras que Feiten, pianista y guitarrista, fue miembro de la Paul Butterfield Blues Band en 1969.  Los nuevos Rascals editan en 1971 el LP “Peaceful world” más “Island of real” en 1972. Deciden separarse y Dino Danelli más Gene Cornish crean Bulldog, Félix Cavaliere graba dos discos en solitario entre 1974 y 1975.  Los Young Rascals fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll el 6 de mayo de 1997 y en el Salón de la Fama de grupos vocales  en 2005.

Popwell también tocó con The Crusaders para los que escribió el tema “Feelin Funky" en el álbum “Those Southern Knights” y la Macon Rhythm Section. Con los Cruisaders sacó los discos “Southern Comfort”  (1974), el mencionado “Those Southern Knights” (1976), “Free As the Wind” (1977) más “Images (1978).

Popwell con Terry Bradds 

También grabó con  Aretha Franklin, George Benson, Ron Wood, Al Jarreau, Bobby Womack, Terry Bradds, Larry Carlton, Joe Sample, Smokey Robinson, Bette Midler, Greg Allman, Bob Dylan, BB King, Les Dudek y Randy Crawford , entre otros.  Además estuvo de gira con  Bette Midler y Olivia Newton-John. Popwell apareció en la película “Hard to Hold” (1984) con Rick Springfield.  En la década de los 2000 colaboró con Terry Bradds sacando los álbumes “Sumner Sessions” (2006), “Master Hands” (2007), y “Touch of Spice” con Bradds más Nioshi Jackson.

Documento sonoro:

Popwell con los Crusaders en "Spiral". 

Fallece el pianista y contrabajista de jazz más folklore argentino, Oscar Alem

Oscar Alem

Oscar Alem nació en Olavarría, (Argentina) el 23 de noviembre de 1941 y falleció en Buenos Aires el 26 de noviembre de 2017n a consecuencia de una leucemia. Pianista, contrabajista y compositor, compaginó su carrera musical entre el jazz y la música tradicional.  argentino. Falleció el 26 de noviembre de 2017 a consecuencia de una leucemia. En los sesenta formó parte del trío de jazz del pianista Enrique “mono” Villegas más el baterista Osvaldo López.  También formó parte de las orquestas de Marito Cosentino, Ástor Piazzolla, Horacio Salgán y Lalo Schifrin. Tras una carrera en el jazz, se interesó también por el tango y el folclore. Como compositor dio vida a reconocidas cuecas, tonadas, milongas, triunfos, zambas, chacareras y tangos.

Con 19 años llegaba a Buenos Aires donde se interesa por el contrabajo y el jazz. Formó parte del trío del pianista Enrique “Mono” Villegas más el también prestigiosos baterista Osvaldo López “Lopecito”. También colabora con Lalo Schifrin, se interesa por el tango  y forma parte de las orquestas de Horacio Salgán o de Mario Cosentino así como de una de las formaciones de Astor Piazzolla.

Oscar Alem

Su interés musical y creativo también fue para el piano más la composición de temas folclóricos demostrando un enrome talento.  Serán recordadas piezas ejemplares de zambas, milongas, cuecas, tonadas, incluso tangos, algunas con colaboraciones poéticas memorables a cargo de Hamlet Lima Quintana, María Elena Walsh y Suma Paz entre alguna poesía de Homero Manzi.

La lista de colaboradores en sus más de cincuenta años de artista es larga con grandes como  Chico Buarque, Milton Nascimiento, Gal Costa, Joan Baez, Beth Carbalho, Les Luthiers, Dino Saluzzi, Juan Falú, Susana Rinaldi, Roberto Yanés, Chabuca Grande, entre otros.  Tocó por los mejores escenarios a nivel mundial y grabó once discos destacando trabajos como “Pianíssimo”, con Eduardo Lagos o "Baisanos" con Juan Falú.  Destacan temas suyos como “Chamarrita de Colonia”, “Tejedoras”, “La paciencia pobrecita”, “Zamba de los días”, “Zamba del duraznillo” y “La cruz del niño”. Entre otros premios, recibió en 2009 del Fondo Nacional de las Artes el Premio a la Trayectoria Artística.

Nota: Obituario redactado con la información publicada en el periódico “Clarín”. 

Documento sonoro:

"Baisanos" (2006) de Oscar Alem y Juan Falú.

Fallece el productor de jazz, George Avakian

George Avakian

George Avakian nació en Armavir, Rusia, el 15 de marzo de 1919 y falleció en Nueva York, el 22 de noviembre de 2017. Productor discográfico, es especialmente conocido por su trabajo para el sello Columbia Records, Warner Bros. y la producción de numerosos discos de importantes músicos de jazz, entre ellos los primeros trabajos de Miles Davis. Será recordado como uno de los gigantes de la industria estadounidense de jazz.  Popularizó  estándares de consumo como las notas de portada, los Lp’s y los álbumes en vivo. Fue fundador de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación, responsable de los Grammys.  

Nacido durante la primera República de Armenia, emigró con sus padres a los Estados Unidos. Estudió en Yale, sirvió en la Armada durante la Segunda Guerra Mundial y entró a George Avakiantrabajar en la industria discográfica. Fue responsable de muchas innovaciones como la creación del primer disco de jazz y la primera serie de álbumes de jazz. 

George Avakian

Su criterio era muy respetado entre los músicos y oyentes, y se le atribuye establecer el formato de 12’’ LP como estándar de la industria que revolucionó la forma en que se grabó, se distribuyó y se escuchó la música a nivel internacional.  También fue decisivo en muchas carreras de artistas de jazz. Fue el primero que grabó a Miles Davis en 1955.  La primera grabación de Miles Davis que pudo publicar en el sello Columbia fue "Sweet Sue", un tema grabado para What is Jazz, el programa de televisión de Leonard Bernstein. Incluso fue él quien encontró el nombre al disco “Miles Ahead”. Quería definirle como un músico adelantado a los demás y, de repente, se dijo: "He’s miles ahead!" (Está varias millas por delante). 

También fue muy importante en las trayectorias de Louis Armstrong y Duke Ellington. Entre los numerosos premios que recibió destaca el “Europe’s jazz award” y el “Django d’Or”. Avakian fue uno de los miembros fundadores de Warner Bros. Records.

Documento sonoro: 

"Miles Ahead", título del disco de Miles Davis con la orquesta de Gil Evans, que ideó su  productor George Avakian.

Nos deja el cantante de jazz, Jon Hendricks

Jon Hendricks

John Carl “Jon” Hendricks  nació en Newark (Ohio), el 16 de septiembre de 1921 y falleció en Manhattan (Nueva York) el 22 de noviembre de 2017. Cantante y letrista de jazz, es uno de los creadores del género vocalese, que añade letras a canciones instrumentales. Formó parte del  trío Lambert, Hendricks & Ross con Dave Lambert y Annie Ross, grabando un gran número de canciones de Count Basie y Charlie Parker. Por otra parte, es considerado uno de los mejores practicantes de scat, que comporta  solos de jazz vocal. A diferencia del scat, que consiste en improvisar mediante sílabas o tatareando, el vocalese requiere una letra previamente escrita. Por su trabajo como letrista, crítico e historiador de jazz, el compositor británico Leonard Feather le llamó el "poeta laureado del Jazz". 

Lambert, Hendricks and Ross

Nació en el seno de una familia numerosa con 14 hermanos, hijo de un pastor religioso. Se estableció en Toledo y comenzó su carrera como cantante a la edad de siete años. Cantó en la radio, con varias formaciones y después de servir en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, regresó a su ciudad para estudiar pero al final se mudó a Nueva York donde siguió con su carrera de cantante.

En 1957, se asoció con Dave Lambert y Annie Ross para formar el legendario trío vocal Lambert, Hendricks & Ross. Grabaron su primer álbum “Sing a song of Basie” para Paramount Records con versiones de clásicos de Count Basie. Tuvo tanto éxito que la misma Count Basie Orchestra colaboró con ellos en 1959 en el disco “Sing along with Basie”, que llegó a conseguir un Grammy en 1998 como uno de los mejores discos de la historia.

Lambert, Hendricks and Ross

En 1959, formaron con Columbia Records y grabaron tres discos. Entre sus canciones más conocidas, “Twisted”, con letra de Annie Ross y melodía de Wardell Gray, incluida en la banda sonora de la película de Woody Allen “Desmontando a Harry”.  En 1962 granan un Grammy al mejor grupo local y les deja Annie Ross siendo reemplazada por Yolande Bavan, con lo que el grupo pasó a denominarse Lambert, Hendricks & Bavan. Grabaron otros tres discos antes de separarse en 1964. Dos años después, 1966, Lambert fallecía en un accidente de coche.

Jon Hendricks

Hendricks se trasladó con sus cuatro hijos en Londres donde siguió cantando en solitario. Años  después se estableció en Mill Valley, California, donde trabajó como crítico de jazz para el San Francisco Chronicle y dio clases en la Universidad Estatal de California en Sonoma y la Universidad de California en Berkeley. La obra que escribió sobre la historia del jazz, “Evolution of the Blues” se interpretó durante cinco años en San Francisco y Los Ángeles, y su documental televisivo “Somewhere to Lay My Weary Head” recibió varios premios Emmy, Iris y Peabody.

Hendricks grabó varios álbumes aclamados por la crítica, algunos con su segunda esposa Judith y sus hijas Michele y Aria. Colaboró ​​con viejos amigos The Manhattan Transfer para su álbum  de 1985, “Vocalese”, que ganó siete Premios Grammy.  En 2000, regresó a su ciudad natal para enseñar en la Universidad de Toledo, donde fue nombrado Profesor Distinguido de Estudios de Jazz y recibió un Doctorado Honoris Causa de las Artes Escénicas. Fue seleccionado para ser el primer artista de jazz estadounidense en dar una conferencia en la Sorbona de París. Su grupo de 15 voces, el Jon Hendricks Vocalstra de la Universidad de Toledo, actuó en la Sorbona en 2002. Hendricks también escribió letras de algunas piezas clásicas, incluyendo "On the Trail" de la suite del Grand Canyon de Ferde Grofe. El Vocalstra estrenó una versión vocalese de "Scheherazade" de Rimsky-Korsakov con la Sinfonía de Toledo.

Jon Hendricks

En el verano de 2003, Hendricks realizó una gira con los "Four Brothers", un cuarteto formado por Hendricks, Kurt Elling, Mark Murphy y Kevin Mahogany. En 2012, apareció en el documental “No One But Me”, donde habló sobre Annie Ross, su antigua compañera de banda y amiga. En 2015, Hendricks perdió a su segunda esposa, Judith, por un tumor cerebral.  También apareció en un lanzamiento de 2016 del álbum "Meet Me At Minton's" con JC Hopkins Biggish Band. En 2017 Hendricks completó las letras del disco “Miles Ahead” (1957) de Miles Davis con orquestación de Gil Evans y fueron interpretadas por el coro London Vocal Project.

Documento sonoro: 

Lambert, Hendricks and Ross en directo en 1961.

Fallece la cantante y actriz Della Reese

Della Reese 

Nacida como Delloreese Patricia Early en Detroit, Míchigan, el 6 de julio de 1931, Della Reese falleció en Encino, California el 20 de noviembre de 2017. Actriz y cantante, con sangre africana y cheroqui, interpretó durante su carrera góspel, jazz, y R&B. También fue muy conocida por sus trabajos en televisión con series como “Touched by an Angel” que estuvo en antena nueve años hasta 2003.

A los seis años empezó a cantar en la iglesia y a los 13 entró a formar parte del grupo de góspel de Mahalia Jackson. Después crearía su propia banda de góspel, Meditation Singers.  Tras la muerte de su madre y con su padre enfermo, tuvo que dejar sus estudios en la Wayne State University para sostener a su familia. En 1953 firmó con Jubilee Records y se unió a la orquesta de Erskine Hawkins. Para Jubilee grabó temas como "In the Still of the Night", "I've Got My Love to Keep Me Warm" o "Time after Time". En 1957 saca  "And That Reminds Me" con la que logra una notable repercusión.  Ese año fue elegida por varios medios como la cantante más prometedora. Dos años después firma con RCA y saca "Don't You Know", basada en "La Bohème" de Puccini.

Ya en 1960 graba otro sencillo con éxito "Not One Minute More" y empieza una época con múltiples actuaciones en Las Vegas, Nevada, con numerosas  giras nacionales.  Siguió grabando temas como "The Classic Della" (1962), "Waltz with Me, Della" (1963), "Della Reese Live" (1966), "On Strings of Blue"(1967), y "One of a Kind “ (1978).

Della Reese 

A partir de 1969 participó en varios programas de televisión, dirigiendo uno de propio “Della”  y en 1979, tras grabar un programa de "The Tonight Show Starring Johnny Carson", sufre una aneurisma cerebral, que logra superar tras una recuperación compleja.  Un par de años antes ya había padecido un grave accidente cortándose con una puerta de vidrio.  Ya en 1989, protagonizó  con Eddie Murphy, Richard Pryor y Arsenio Hall la película "Harlem Nights". Siguió trabajando para la tele  y en 2002 anunció que sufría de diabetes. Fue la embajadora de la Asociación Estadounidense de Diabetes, viajando por todo los Estados Unidos para concienciar a la gente sobre esta enfermedad. Se ordenó como ministra en "Understanding Principles for Better Living Church" Iglesia del Entendimiento de los Principios de una Mejor Vida" en Los Angeles, California.

Documento sonoro: 

Bonito tema popcorn titulado "Blow out the Sun" a cargo de Della Reese. 

"If I Never Get To heaven" 

Muere el baterista de jazz, Ben Riley

Ben Riley 

Ben Riley nació en Georgia el 17 de julio de 1933 y falleció el 18 de noviembre de 2017. Prestigioso baterista de jazz será recordado principalmente por su trabajo con Thelonious Monk, así como con otros grandes como Alice Coltrane, Stan Getz, Woody Herman, Eddie "Lockjaw" Davis, Ahmad Jamal, Kenny Barron, así como miembro del grupo Sphere de tributo a Monk. Durante los setenta fue miembro del New York Jazz Quartet.

Ben Riley se mudó con su familia a la edad de cuatro años a la ciudad de Nueva York. En  secundaria tocó en la banda de la escuela, y después de la graduación se unió al ejército, donde fue paracaidista, y también tocó con la banda del ejército. Al dejar el ejército en 1954 se instaló en Nueva York, y en 1956 comenzó a tocar jazz profesionalmente.  Tocó con músicos como Randy Weston, Mary Lou Williams, Sonny Rollins, Woody Herman, Stan Getz, Billy Taylor y Johnny Griffin.  Entre sus colaboraciones, la más fue con el pianista Thelonious Monk con el que colaboró durante cuatro años grabando los discos “It's Monk's Time” (1964), “Monk” (1964), “Live at the It Club” (1964), “Straight, No Chaser” (1967) y “Underground” (1968).

Ben Riley 

A principios de los sesenta grabó con Johnny Griffin y Eddie "Lockjaw" Davis varios discos. Durante los sesenta también colaboró con Sonny Rollins, Junior mance, Bennie Green, Alice Coltrane,  entre muchos otros. En los setenta colaboró con Ron Carter y Red Garland,  en los ochenta con Chet Baker, Kenny Burrell y Kenny Barron con el que continuó en los noventa así como con Ricky Ford, entre otros. A su nombre grabó los discos  “Weaver of Dreams” (Joken 1996), “Memories of T” (Concord 2006) y “Grown Folks Music” (Sunnyside 2012).      

Documento sonoro: 

Solo de Ben Riley en 1966. 

Con la banda de Thelonius Monk en Oslo. 

Muere el legendario baterista Billy "Stix" Nicks

Billy "Stix" Nicks 

Billy "Stix" Nicks nació con el nombre de William Tyrel Nicks el 8 de diciembre de 1934 en Greenwood, Mississippi, y falleció el 16 de noviembre de 2017.  Autodidacta, formó varios combos de R&B, soul y jazz, desde los cincuenta como The Rhythm Rockers, Billy Nicks Jazz Trio y  The Jr. Walker All Star Band.  Grabó para la Motown y giró con una larga lista  de grandes del soul.   

Los padres de Billy eran aparceros en una gran plantación de algodón y decidieron alejarse del Delta para escapar de las dificultades raciales que asolaban el sur. El padre de Billy, "Wyze", en busca de igualdad y tranquilidad, tenía parientes en South Bend, Indiana, y decidió trasladar a la familia en otoño de 1944. La obsesión de Billy por llevar siempre baquetas de tambor practicando con cualquier cosa le valió el nombre de Billy "Stix" Nicks. Billy, cansado de golpear sillas y libros, finalmente compró un viejo tambor de una tienda de empeño en South Bend, Indiana, con dinero que había ahorrado trabajando para una compañía de máquinas de escribir. 

Billy "Stix" Nicks 

Autodidacta y tras mucha práctica, Billy finalmente consiguió una batería a los 17 años. En  otoño de 1952 empezó a tiocar ocn bandas y una de las primeras fue  Billy "Stix" Nicks  y The Rhythm Rockers se hicieron famosos en  verano de 1954. Billy tocaba la batería y cantaba, Junior Walker (saxofón) y Fred Patton (piano, voz).  Billy se graduó de la escuela secundaria Central, South Bend, Indiana, en primavera de 1954 y tocaba semanalmente con muchos jóvenes artistas prometedores para diversos locales como el Morris Park Country Club. En 1956 fueron contratados para actuar en una fiesta para el Club 46 de la WNDU TV, programa para el que tocó hasta 1957.  Ese año, contrató a Willie Woods para tocar la guitarra y voz para reemplazar a Jr. Walker.  Junior estuvo fuera por tres meses y cuando regresó para unirse nuevamente al grupo, Willie Woods se mantuvo como el guitarrista.

"Stix" en sus inicios 

A mediados de 1957 fue reclutado por el ejército y tocó como percusionista de la banda del ejército en Fort Benning Georgia (3ª División de Infantería), viajando a Würzburg, Alemania, y luego transferido a Stuttgart. Nicks terminó su periodo  militar en 1959 y regresó a su hogar en South Bend. De 1959 a 1962, Nicks colaboró  con su amigo Oscar Baby Jones tocando en su  Jazz Quartet".  En 1962 entró en Jackie Ivory and The Gents of Soul, la primera banda con la que estuvo de gira y grabó el álbum de 1965, "Soul Discovery" (Atco / Atlantic Records). Nicks también tocó y grabó para el prestigioso sello discográfico Motown / Soul con Jr. Walker y The All Stars en el LP de 1965" Roadrunner ", en las canciones " How Sweet Is To Loved By You","Pucker Up Buttercup " y la canción principal "Roadrunner". Desafortunadamente, debido a problemas con la compañía discográfica y la producción, Nicks nunca recibió beneficios por los créditos.

En enero de 1966, Billy Nicks, Jr. Walker, Willie Woods y Victor Thomas (cuatro originales de Jr. Walker and The All Stars) respaldaron a grandes como Wilson Picket, Sam & Dave, Billy Stewart, The Staple Singers, Louis Armstrong, Sammy Davis Jr., The Fifth Dimension, Leontyne Price, James Cleveland, Marvin Gaye, Patti LaBelle and the Bluebells, Major Lance, Chuck Jackson, Gladys Knight and the Pips, The Four Tops, The Isley Brothers, The Five Stairsteps, The Spinners, The Temptations, The Supremes, Dionne Warwick, Dee Dee Warwick, Jerry Butler, Adam West y Frank Gorshen entre muchos otros. 

Billy "Stix" Nicks 

En 1967, Nicks creó su propio trío, Billy Nicks Jazz Trio con el que no estaba de gira con Jr. Walker y The All Stars.  También firmó un contrato con la Universidad de Notre Dame para ser disc jockey de su programa Bill Nicks Radio Show para los WNDU Studios, que resultó ser un éxito colosal. En 1968, obtuvo finalmente beneficios parciales por escribir y tocar "Sweet Daddy Deacon", lanzada por la Motown en 1967 e interpretada por Jr. Walker y The All Stars, en el Lp “Home Cookin”.  De 1968 a 1976, Nicks grabó con Marry Wells y Jr. Walker y los All Stars en Detroit, Michigan y Los Ángeles, California, tocando en numerosos conciertos en los siguientes años. A principios y mediados de los ochenta, Nicks tocó con la leyenda del jazz Sonny Stitt y la leyenda del blues Pinetop Perkins. Desde los setenta hasta muy recientemnete, Nicks fue tocando y girando activamente con sus propios proyectos: The Rhythm Rockers, Billy Nicks Jazz Trio y  los reformados The Jr. Walker All Star Band.  También siguió con su programa de radio y enseñó percusión.  

Documento sonoro: 

Primera grabación de Billy "Stix" Nicks con Jackie Ivory y el disco "Soul Discovery" (1965). 

Muere el pianista de jazz, Muhal Richard Abrams

Muhal Richard Abrams

Muhal Richard Abrams nació el 19 de septiembre de 1930 en Chicago, Illinois y falleció en Nueva York el 29 de octubre de 2017. Compositor, pianista, arreglista, educador, clarinetista, chelista, fue un destacado intérprete de free jazz e impulsor de la vanguardia jazzística desde los sesenta por lo que respecta especialmente en la fusión de géneros de la llamada black music. Muhal es una palabra árabe que le pusieron sus amigos y que significa el primero.

Abrams asistió a la DuSable High School en Chicago. En 1946, se matriculó de música en la Universidad de Roosevelt, pero "no pude sacar demasiado provecho de eso, porque no era lo que estaba escuchando en la calle". Luego decidió estudiar de forma independiente. A partir de ahí, adquiere un pequeño piano espía y practicó hasta que llegó a tocar en la escena de su ciudad.  

Muhal Richard Abrams 

Los primeros conciertos de Abrams fueron tocando blues, R&B y en el circuito hard bop de Chicago, acompañando a Dexter Gordon, Max Roach, Ruth Brown y Woody Shaw. En 1950 comenzó a escribir arreglos para la King Fleming Band, y en 1955 tocó en la banda hard-bop Modern Jazz Two + Three, con el saxofonista tenor Eddie Harris. Después mantuvo un perfil bajo hasta que organizó la Experimental Band en 1962, un contraste con su anterior aventura de hard bop mediante conceptos de free jazz. Esta banda, con su alineación fluctuante, se convirtió en la Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), en mayo de 1965 con Abrams como su presidente. En lugar de jugar en clubes nocturnos, los miembros de AACM a menudo alquilaban teatros y lofts donde podían tocar para audiencias atentas y de mente abierta.

Muhal Richard Abrams 

“Levels and Degrees of Light” (1967) fue la primera grabación de referencia con el liderazgo de Abrams. Estuvo acompañado por los saxofonistas Anthony Braxton, Maurice McIntyre, el vibrafonista Gordon Emmanuel, el violinista Leroy Jenkins, los bajistas Leonard Jones y Charles Clark, y la vocalista Penelope Taylor. Abrams también tocó con los saxofonistas Eddie Harris, Gordon, entre otros.

Muhal Richard Abrams 

En 1977 se mudó a Nueva York donde estuvo involucrado en la escena local de Loft Jazz, movimiento creativo para asentar de nuevo las bases del free jazz y la improvisación afroamericana.  En 1983, creó una versión neoyorquina de la AACM. En esa década compuso para orquestas sinfónicas, cuartetos de cuerda, piano solo, voz y big bands, además de hacer una serie de grabaciones que incluían arpa y acordeón. Además, desarrolló su actividad docente en el Banff Center, y en las universidades de Columbia y Siracusa.

Ganó varios premios, incluida la primera entrega del danés The JazzPar Prize, en 1990. Además   recibió un Premio de la Fundación para las Artes Contemporáneas de 1997 a los Artistas, y en mayo de 2009, National Endowment for the Arts anunció que Abrams sería uno de los ganadores del Premio NEA Jazz Masters 2010. En junio de ese mismo año, Abrams recibió el premio Lifetime Achievement Award por el principal festival de jazz de la ciudad de Nueva York, conocido como el Vision Festival.

Muhal Richard Abrams 

Su enorme aportación al mundo de la música es muy notable en asociaciones como el Consejo de las Artes de Nueva York, o la Organización Nacional del Jazz de donde fue miembro activo. Otros de sus discos celebrados son “Young At Heart/Wise In Time” (1970) o “Things To Come From Those Now Gone” (1975),  en una larga lista hasta “SoundDance” (2011). También  colaboró con otros grandes como Anthony Braxton, Marion Brown, Chico Freeman o el Art Ensemble of Chicago.

Documento sonoro: 

"Blu blu Blu", Muhal Richard Abrams con formación de orquesta, free jazz y blues rock