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viernes, 20 de febrero de 2026

El DISCO DE VINILO: El Ave Fénix de los soportes de audio (1 de 2)



El disco de vinilo, también conocidos como disco microsurco, microsurco o simplemente vinilo, es un medio de almacenamiento analógico de señales sonoras, caracterizado por utilizar como material de soporte un plástico denominado policloruro de vinilo, del que recibe el nombre.

Los dos formatos más frecuentes son el LP (Long Play) y el single o sencillo.

El LP (Long Play) fue lanzado en 1948 por la compañía Columbia Records en los Estados Unidos de América, como una evolución muy mejorada de los anteriores discos de 78 rpm, fabricados con un material mucho más frágil como la goma laca.

El LP, también conocido como álbum, es un disco de 12 pulgadas (30cm) de diámetro que gira a 33⅓ rpm, con un agujero pequeño en el centro.

El sencillo, lanzado por la compañía RCA-Victor en 1949, tiene un diámetro de 7 pulgadas (aproximadamente 18 cm) que gira a 45 rpm, con un agujero central más grande.

El sonido de un disco de vinilo se reproduce mediante un tocadiscos (por lo general, conectado a un amplificador), que permiten utilizar discos de diferentes diámetros y elegir la velocidad de rotación mediante un selector.

Sin entrar en tecnicismos, decir que el sonido del disco de vinilo se reproduce en modo de señal analógica. El disco de vinilo contiene surcos en espiral que actúan como un relieve físico, representando las ondas sonoras. Una aguja, generalmente de diamante, se desplaza por estos surcos, generando vibraciones derivadas de las irregularidades del surco, que se transmiten a un transductor (denominado cápsula fonocaptora) montada en el brazo lector, que las transforma en señales eléctricas.

La señal eléctrica resultante es muy baja, por lo que se envía a un preamplificador (o previo de phono) y posteriormente al amplificador y altavoces para convertirse en sonido.

Los defensores del vinilo, aducen que su sonido, reproducido de forma mecánica y analógica, produce una serie de imperfecciones e irregularidades conocidas como distorsiones, que hacen que la música sea más «agradable» e «interesante», más «natural», en comparación con los sistemas digitales modernos, que son más precisos pero considerados «fríos».



Quizás su principal inconveniente sean los desgastes y rayones que comprometen su calidad acústica y/o funcionamiento, así como la acción de mohos microscópicos que pueden afectar a su calidad de reproducción, por lo que requiere de cuidados periódicos especiales y continuas limpiezas.

Uno de los problemas del vinilo es el almacenamiento, debido a su tamaño. Mantenerlos apilados pueden hacer que se doblen y deterioren, tanto el disco como las fundas

Existen diferentes soportes para su almacenamiento. Uno de ellos es este estante para pared, especialmente diseñado para exhibir aquellos discos de vinilo especiales de tu colección, como si fueran piezas de arte.

Combina funcionalidad y una estética moderna. Fabricado en acero de gran calidad (negro mate o blanco mate) y con un diseño minimalista es ideal para decorar, transformando los vinilos en una pieza de museo. Su instalación es muy sencilla.




Tiene una capacidad para 20 vinilos, y proporciona un acceso rápido a los discos más usados. Una opción tanto para hogares como para estudios musicales, tiendas especializadas o zonas de exposición.

AQUÍ os dejo el enlace a Metal Bundle Shop, empresa española que los comercializa, para que podáis ampliar información.


La Habitación del Jazz

martes, 13 de enero de 2026

BALLIN' THE JACK ORCHESTRA Vinilo: Con Man Firmation

 


Pistas

CARA A

1.Moonglow 2.Rena hjärtat 3.Prelude To A Kiss 4.The Swedish Apple 5.Gee Baby, Ain't I Good To You

CARA B

1.Blues For Ronnie 2.Mood Indigo 3.A Foggy Day 4.But Beatiful 5.Con Man Firmation

 

Interpretes

Ture Trygger – saxo alto, saxo soprano, clarinete

Charlie Malmberg – saxo barítono

Olle Eklind – trombón (A3, A4, B3, B4)

Thomas Driving - trompeta

Dicken Hedrenius –  trombón y trombón bajo (A1, A2, A5, B1, B2, B5)

Håkan Trygger - contrabajo

Martin Wikström - batería

Anders Färdal - guitarra

 

Sello discográfico: Trygger Music

Grabado e 26-27 de abril de 2025  en la casa del trompetista Thomas Driving, en las afueras de Estocolmo (Suecia)

Publicado el 20 de noviembre de 2025

 

Håkan Trygger es contrabajista, arreglista, compositor y director de orquesta de Estocolmo. Es el fundador del sello discográfico de jazz Trygger Music. Håkan interpreta tanto jazz tradicional como música contemporánea. También trabaja en proyectos experimentales que combinan la música improvisada con otras formas artísticas, como la danza, el cine, la poesía y el teatro. Ha tocado en numerosas bandas. Estudió en la Real Escuela Superior de Música de Estocolmo.

Actualmente es miembro del Cuarteto Coco Chatru  y escribe para su banda Ballin' The Jack Orchestra (BTJO).

BTJO es un octeto de jazz, sueco, localizado en Estocolmo. Está formado por  Ture Trygger (saxo alto, saxo soprano, clarinete) hijo de Håkan, Charlie Malmberg (saxo barítono) que también forma parte de Coco Chatru, Olle Eklind (trombón), Thomas Driving (trompeta), Dicken Hedrenius ( trombón y trombón bajo), Håkan Trygger (contrabajo), Martin Wikström (batería) y Anders Färdal (guitarra). Es decir, en esta banda tenemos el  50% del Cuarteto Choco Chatru, del que hemos reseñado sus álbumes “Limbokolia” y “Lost Christmas”.

El nombre de la banda, "Ballin' the Jack" (o "Balling the Jack") proviene de una canción popular de 1913 escrita por Jim Burris con música de Chris Smith. Introdujo un baile popular del mismo nombre con "Folks in Georgia's 'bout to go insane". Se convirtió en un clásico del ragtime, el pop y el jazz tradicional, y se ha grabado cientos de veces.

BTJO tiene su orígen en la banda sueca Gugge Hedrenius Big Blues Band, en la que Håkan tocó durante 10 años. Malmberg también desde los 90 con el LP "Jazz Ballroom Night" y Driving durante casi 30 años; mientras que Dicken Hedrenius (hijo de Gugge) ha estado involucrado en la banda toda su vida. Tal era el prestigio de la banda que, a lo largo de los años, ha tenido como invitados a  Mel Lewis, Hank Crawford, Sabu Martinez entre otros.

El estilo de la BTJO dista mucho del mostrado por el Coco Chatru Quartet. Como ellos mismos dicen, se trata de una "banda sin generación", con un rango de edad de entre 18 y 81 años.

El álbum contiene una mezcla de originales (cuatro) y de estándares (seis), con arreglos de  Håkan Trygger. La música es una mezcla de jazz contemporáneo, con raíces  en el jazz Americano de los años 40 y 60, junto a jazz tradicional sueco.

La cara A del disco comienza con el clásico “Moonglow” (Eddie Delange, Irving Mills, Will Hudson) que marca el estilo del resto del álbum.

Le sigue “Rena hjärtat” original de Håkan Trygger, que mantiene el estilo big band de club. Le sigue otro clásico, "Prelude To A Kiss" (Duke Ellington, Irving Gordon, Irving Mills) con sonido a club donde se “cuecen” asuntos no demasiado legales. Una gran versión.

Sigue otro original de Håkan Trygger, "The Swedish Apple" que nos anima a bailar sin freno.

La cara A cierra con "Gee Baby, Ain't I Good To You" (Andy Razaf, Don Redman). De nuevo el ambiente ensombrecido y humeante de club, se deja traslucir en esta interesante versión.

La cara B comienza con “Blues For Ronnie” original de Ture Trygger, que rinde homenaje al fantástico baterista de jazz (y fantástica persona), Ronnie Gardiner, originario de Estados Unidos pero residente en Suecia durante muchos años. Swing a raudales.

Qué decir del extraordinario “Mood Indigo” (Barney Bigard, Duke Ellington), un clásico donde los haya y una excelente versión. La versión de “A Foggy Day” (George Gershwin, Ira Gershwin) nos devuelve a un mundo más amable, seguida de la romántica “But Beatiful” (Jimmy Van Heusen, Johnny Burke).

El álbum cierra con “Con Man Firmation” otro original de Håkan Trygger, canción  que da nombre al disco.

“Con Man Firmation” es un excelente álbum, con una interpretación inmejorable que merece ser escuchado más de una vez para apreciar la excelencia de sus arreglos e intérprets.

La Habitación del Jazz


lunes, 15 de diciembre de 2025

COCO CHATRU Quartet Vinilo: Lost Christmas

 


Pistas

CARA A

A1. Mys vid brasan (Cozy Bt The Fireplace)

A2. Slädens framfart (The Sled's Progress)

A3. På vinterpromenad (On A Winter Walk)

A4. Ringdans (Ring Dance)

A5. En juldröm (A Christmas Dream)

A6. Tomtarnas midnatt (The Gnomes' Midnight)

CARA B

B1. Gästerna kommer (The Guests Are Coming)

B2. Coco raskar över isen (Coco Skates on the Ice)

B3. NEIPA (New England IPA--a beer brewed in New England by Swedish Craft Brewery)

B4. Prosten (The Dean)

B5. Snöyra (Blizzard)

B6. Julnocturne (Night Sky at Solstice)

B7. Pulka (Sled)

 

Intérpretes

Linus Kåse – saxo alto, saxo soprano

Charlie Malmberg – saxo barítono

Håkan Trygger – contrabajo

Daniel Kåse – batería, vibráfono, campanas, trompeta

 

Sello discográfico: Trygger Music

Grabado el  5-7 agosto de 2025

Publicado el 29 de noviembre de 2025

 

La banda Coco Chatru Quartet (CCQ) se formó en 2023 y en 2024 lanzó su primer álbum, “Future”. Los miembros de CCQ son músicos profesionales con amplia experiencia y radicados en Estocolmo, Suecia. Previamente a la formación de CCQ ya habían tocado juntos en numerosas ocasiones. Básicamente la banda se compone de saxofones alto y barítono, contrabajo y batería.

Linus Kåse, saxofón alto, es un músico muy solicitado y versátil, principalmente jazzista, aunque también interpreta otros géneros. Además, trabaja como productor e ingeniero de sonido. Es originario de Helsingborg, en el sur de Suecia, y estudió música en la Royal College of Music de Estocolmo.

Charlie Malmberg, saxofón barítono,  es un experimentado músico de jazz que ha colaborado durante muchos años con renombrados grupos de jazz suecos.  También es arreglista y trabaja con música teatral. Estudió saxofón, composición y arreglos en la Royal College of Music de Estocolmo.

Håkan Trygger, contrabajo,  ha actuado profesionalmente durante muchos años como bajista de jazz. También es arreglista y ha producido una serie de proyectos experimentales que combinan la música con la literatura, el teatro y otras formas de arte. Estudió música en la Royal College of Music de Estocolmo. También estudió literatura en la Universidad de Estocolmo y es cofundador de la editorial sueca Faethon.

Daniel Kåse,  batería y percusión,  es miembro de la Real Orquesta Filarmónica de Estocolmo y trabaja como líder de sección. Ha actuado como solista en numerosas ocasiones tanto con la Real Orquesta Filarmónica de Estocolmo como con otras orquestas sinfónicas. Además,  es baterista de jazz y cantante. Es originario de Helsingborg y estudió música en la Academia de Música de Malmö.

CCQ lleva el nombre de la legendaria aventurera inventora y actriz sueca que se hacía llamar Coco Chatru, que llamó la atención de la banda tras descubrir una vasta colección de sus cartas. Las historias que contienen son extraordinarias: expediciones en las profundidades marinas, juegos de ruleta con matones en rascacielos y extrañas fiestas de té bajo la metrópolis.

Lost Christmas es el tercer álbum de CCQ. Su anterior disco, “Limbokolia”, se lanzó en mayo de 2025, y el primero, Future, en 2024. Sus álbumes han recibido una acogida positiva de la crítica (tanto sueca como internacional). Los discos se publican tanto en vinilo como en plataformas de streaming.

Coco Chatru fue la actriz estrella de la película Lost Christmas (1932). Esta película se convirtió en un escándalo y  fue prohibida. La película solo se proyectó una vez. Fue en un granero a las afueras de Norrtälje. Hubo una banda en vivo tanto antes como durante la proyección. La proyección transcurrió con relativa tranquilidad hasta que se tornó tumultuosa con bailes y peleas desenfrenadas. Finalmente, el granero se incendió, llevándose consigo la única copia de la película.

Con la ayuda de un profesor de Historia del Cine (Universidad Humboldt de Berlín), CCQ reconstruyó la historia de Lost Christmas. La película era una aventura futurista de ciencia ficción postapocalíptica donde un planeta agonizante había sido devastado por la guerra, las enfermedades y la contaminación. Solo una fracción de la humanidad sobrevivió, escapando del planeta moribundo en un cohete. Encontraron un extraño cuerpo celeste en el que se asentaron. Sus recuerdos terrenales pronto se nublaron hasta el olvido. Lo único de lo que estaban seguros era que solían celebrar algo llamado “Jul” (Navidad). Pero nadie sabía qué era Jul, por qué se celebraba ni cómo. Una cosa, sin embargo, era cierta: la importancia de Jul. Era el último vínculo que el hombre tenía con su ser anterior…

El Cuarteto Coco Chatru ha intentado recrear la música que sigue la historia de la película. Las pistas del álbum corresponden a escenas de la película.

El primer tema de la cara A, “Mys vid brasan”, representa  la escena inicial. La Condesa (Coco Chatru) duerme plácidamente. De repente, una visión la despierta: su destino es revelar el significado de “Jul” organizando un grandioso festín. Una tierna composición de Daniel Daniel Kåse, con sonido camerístico.

Le sigue “Slädens framfart”. La Condesa vuela en un trineo con cascabeles, sobre el cielo nocturno. Composición de Linus Kåse, de puro jazz eléctrico.

El tercer tema, ”På vinterpromenad” lo firma Daniel Kåse. A destacar el solo de contrabajo de Trygger. Como en todo el disco, los diálogos entre el los saxos soprano y alto de Linus Kåse y el saxo barítono de Malmberg son exquisitos.

Seguimos con el baile navideño, “Ringdans” , un tema de Trygger, lleno de encanto y sensualidad.

La Condesa se sumerge en un sueño de Navidad, “En  juldröm”. Trygger nos permite revivirlo en esta interesante composición de carácter introspectivo.

La cara A del álbum termina con "Tomtarnas Midnatt". “Tomten” es la versión sueca de Papá Noel, una extraña figura que parece una cabra. Los Tomts, celebran desfiles nocturnos durante todo diciembre. Una composición de Trygger, con mucho swing, alegre y bailable. 

La cara B comienza con “Gästerna kommer”, que representa la llegada de unos invitados no deseados,  Prost y sus seguidores. Linus Kåse refleja a la perfección la tensa situación.

En “Coco raslłar över isen”, Trygger combina jazz y  música tradicional navideña sueca. La Condesa patina sobre hielo, en un intento de adelantarse a los interese de Prost. Sin embargo, esto resulta infructuoso, porque el astuto Prost contraataca con “NEIPA” (acrónimo que significa simultáneamente «baile excesivo» y «bebida»). Una canción al más puro estilo be bop, que incluye un buen solo de batería a cargo de Daniel Kåse, compositor de la misma.  

En el inquietante e intenso “Prosten”, de Linus Kåse, se revela la naturaleza malvada de Prost: causa travesuras y roba los regalos de los niños.   

En “Snöyra”, Malmberg nos muestra a la Condesa patinando sobre un bloque de hielo, donde permanece atrapado el astuto Prost. Otro tema de excelente jazz.

Estamos llegando al final de este interesante álbum y CCQ lo hace con dos temas cortos, ambos de Malmberg. Por un lado "Julnocturne", donde la Condesa bebe Glögi, festejando su victoria. Y de ahí pasamos a la alegre y festiva "Pulka", que pone broche de oro a “Lost Christmas”.

Un álbum envuelto en una cautivadora elegancia, no exenta de energía cuando así se necesita.   

Como ya apunté desde este blog, cuando reseñé “Limbokolia”,  la música de Coco Chatru Quartet (CCQ) es una más que interesante mezcla de jazz contemporáneo estadounidense y jazz nórdico.

 

La Habitación del Jazz


martes, 13 de agosto de 2024

ROY BUCHANAN Vinilo: When A Guitar Plays The Blues

 


CARA A

1.When a Guitar Plays the Blues

2.Chicago Smokeshop

3.Mrs. Pressure

4.A Nickel and a Nail

CARA B

1.Short Fuse

2.Why Don't You Want Me

3.Country Boy

4.Sneaking Godzilla Through the Alley

5.Hawaiian Punch

 

Formación

Roy Buchanan - guitarra y voz

Bill Heid - teclados

Larry Exum - bajo

Morris Jennings - batería

Invitados especiales

Steele "Sonny" Seals – saxo tenor (B1)

Otis Clay – voz (A4)

Gloria Hardiman - voz (B2)

 

Sello discográfico: Alligator Records

Grabado en 1985 en los estudios Streeterville de Chicago

Publicado en julio de 1985

 

Leroy “Roy” Buchanan, fue un guitarrista estadounidense de blues, pionero en el uso del sonido Telecaster. Se caracterizaba por el uso del glissando, de rápidos staccatos y de pellizcos armónicos. Nació en Ozark, Arkansas. Creció en California. Su conexión con la música llegó a través de la Iglesia su padre, agricultor, también oficiaba como predicador pentecostal. El góspel fue el primer paso y luego las canciones de R&B que escuchaba por la radio. A los siete años ya tocaba la guitarra. En Los Angeles formó su propia banda llamada Heartbeats.

En los 60 emigró a Canadá para acompañar una banda de rockabilly en la que conoció a Robbie Robertson, que más tarde fundó The Band. Buchanan volvió a Estados Unidos para instalarse en Washington y fundar los Snakestretchers junto a Danny Gatton, otro gran guitarrista que se suicidó en su casa de Maryland, en 1994.

Guitarristas de la talla de Jeff Beck, Gary Moore y Joe Bonamassa, han elogiado a Buchanan, a quienes a su vez, ha inspirado.

El 14 de agosto de 1988 fue encontrado ahorcado con su propia camisa en una celda del Centro de Detención de Fairfax County, en Virginia, Estados Unidos. Había llegado hasta ahí detenido por ebriedad, primero, y por agredir a su esposa después, que fue quien finalmente llamó a la policía. Posteriormente se comprobó que tenía contusiones en la cabeza, ¿se suicidó realmente? Nunca se aclaró.

Vivir de la música no le resultaba fácil a Buchanan. Llegó a trabajar de barbero para poder mantenerse. Él mismo contó que le estaba cortando el pelo a un cliente cuando pasó alguien por la calle con Nancy, la que iba a ser su guitarra mítica. Compró la Fender Telecaster modelo 1953, y es la guitarra que aparece en la portada del disco “When A Guitar Plays the Blues”,  primer disco de Buchanan en Alligator Records, que se publicó  originalmente en 1985. En julio de 2023, Alligator Records volvió  presentar este álbum tras someterlo a un meticuloso proceso de remasterización, supervisado meticulosamente por Bruce Iglauer, el productor original, así como el fundador y presidente de Alligator Records.

La cara A comienza con el tema que le da título al álbum,  “When A Gitar Plays The Blues”, un inicio de lo más original que se transforma en un blues con mayúsculas. Canción versionada anteriormente por muchos, entre ellos Albert Collins.

Le sigue “Chicago Smokeshop”, un tema instrumental compuesto por Buchanan, en el que hace diabluras, mientras Exum está a tope con el bajo.

Otro instrumental, “Mrs Pressure”, también de Buchanan, una evocadora canción lenta.

El conocido “A Nickel And A Nail” con la voz de Otis Clay que da un toque soul-blues.

La cara B comienza con “Short Fuse”, otro instrumental de Buchanan que cuenta con la intervención de Steele "Sonny" Seals al tenor. Buchanan on fire.

Otro blues de los que suman adeptos “Why Don't You Want Me”, con la voz de Gloria Hardiman y Buchanan acompañando ¡que no es poco!.

Sigue “Country Boy”, con Buchanan cantando-hablando.

Buchanan nos traslada a un escenario fantasmagórico en “Sneaking Godzilla Through The Alley”. Ritmo repetitivo con Buchanan de protagonista indiscutible.

La cara B termina con el electrizante “Hawaiian Punch”.

Buchanan consideró que “When A Guitar Plays The Blues” era uno de sus logros más notables, un disco donde tuvo total libertad y donde pudo colaborar con auténticos músicos de blues de Chicago. Rápidamente el álbum entró en las listas de éxitos de Billboard permaneciendo  durante 13 semanas.

 

La Habitación del Jazz


viernes, 9 de agosto de 2024

ALBERT COLLINS Vinilo: Frozen Alive!

 


Cara A

1.Frosty

2.Angel Of Mercy

3.I Got That Feeling

Cara B

1.Caldonia

2.Things I Used To Do

3.Got A Mind To Travel

4.Cold Cuts

 

Formación

Albert Collins – voz, guitarra

The Icebreakers:

Marvin Jackson - guitarra

A.C. Reed – saxo tenor

Allen Batts - órgano

Johnny B. Gayden - bajo

Casey Jones - batería

 

 

Sello discográfico: Alligator Records

Grabado en vivo el 5-8 de marzo de 1981 en The Union Bar, Minneapolis, Minnesota

 

En colaboración con Planeta DeAgostini y dentro de la colección “Blues en Vinilo”, La Habitación del Jazz publica la reseña correspondiente a esta entrega dedicada a Albert Collins. A Albert Gene Drewery (Albert Collins) le han llamado de muchas formas: “The Master of the Telecaster”, “The Razor Blade” y por el que quizás más se le conoce “The Ice Man”, debido al sonido que, gracias a su técnica,  sacaba a su guitarra Telecaster. No usaba púa pues sus dedos estaban ya lo suficientemente duros (aunque a veces le dolían tanto que casi no podía tocar). Por cierto, esa técnica, que le caracterizó, se la enseñó su prima Willow Young, que le prestaba a Albert su guitarra y le enseñaba la afinación modificada que utilizaba, una afinación que Ice Man utilizó a lo largo de su carrera.

A los dieciséis años, y después de escuchar el tema “Boogie Chillen” de John Lee Hooker, tuvo claro que quería dedicarse a tocar la guitarra eléctrica.

Durante cuatro años trabajó en un rancho; durante doce de camionero. Su primera guitarra comprada fue una Fender Esquire (aunque hubiese preferido una Telecaster, pero su precio no se lo podía permitir) a la que modifica poniéndole un mástil de una Telecaster. Con ella realiza sus primeras grabaciones.

En el año 1976, Bruce Iglauer, quien marcaba lo designios del sello Alligator Records, andaba a la caza de figuras de blues de antaño para reforzar el prestigio del sello discográfico. Alguien le habla de un tal Albert Collins, quien además de haber publicado varios discos, había reemplazado al mismísimo Jimi Hendrix en la banda de Little Richard y había sido telonero de los Allman Brothers en las míticas sesiones en el Filmore East. Pero había un problema, nadie sabía dónde se encontraba Ice Man.

Collins, desmotivado por el decadente panorama musical que tenía ante sí había decidido volver a su Texas natal, donde se dedicó a trabajar en el sector de la construcción.

Este álbum, titulado “Frozen Alive!”, su primer álbum oficial en directo,  es icónico en la carrera de Collins. Captura toda la fuerza de su guitarra y su habilidad para hipnotizar a la audiencia.

Músico autodidacta, desarrolló un estilo propio basado en una afinación muy particular del instrumento y en el empleo de la cejilla mecánica que tomaría de Clarence Gatemouth Brown.

El disco se grabó en el Union Bar, un famoso local ubicado en el 507 de East Hennepin en Mineápolis. El edificio de dos plantas de color mostaza se construyó en 1907, cuando la compañía de cervezas Gluek Brewing decidió construir un salón para entretenimiento de los ciudadanos de la ciudad.     

Jimi Hendrix diría de él: “Hay un hombre que deberían conocer en todo el país. Su nombre es Albert Collins. Debe de estar tocando por ahí en una banda de carretera en el sur profundo. Es bueno, muy bueno, un guitarrista muy fluido y melódico”.

Este es Collins y este “Frozen Alive!” uno de sus mejores discos, que no hay que dejar pasar.

La Habitación del Jazz

 


miércoles, 7 de agosto de 2024

KOKO TAYLOR Vinilo: The Hearthshaker

 


Cara A

1.Let the Good Times Roll

2.Spoonful

3.Walking the Back Streets

4.Cut You Loose

5.Hey Bartender

Cara B

1.I'm a Woman

2.You Can Have My Husband (But Please Don't Mess With My Man)

3.Please Don't Dog Me

4.Wang Dang Doodle

 

Formación

Koko Taylor – voz

Mervyn "Harmonica" Hinds – armónica

Abb Locke – saxo

Johnny B. Moore – guitarra

Sammy Lawhorn – guitarra

 

Pinetop Perkins – piano

Cornelius "Mule" Boyson – bajo

Vince Chappelle – batería

 

Sello discográfico: Alligator Records

Grabado en los estudios Mantra de Chicago

Publicado el 1 de marzo de 1978

 

En colaboración con Planeta DeAgostini y dentro de la colección "Blues en Vinilo", La Habitación del Jazz publica la reseña correspondiente a esta entrega, dedicada a Koko Taylor.

Cora Walton, conocida como Koko Taylor (Koko viene de su afición desmedida al chocolate), nació en  una granja de Memphis, Tennessee (Estados Unidos).

Al cumplir 18 años, decide marcharse junto a Robert "Pops" Taylor, con quien se casaría en 1953. Viajan a Chicago y trabajan, él en un matadero, ella  limpiando casas de familias. Por las noches visitaban los clubes de blues, donde pudieron conocer a los grandes intérpretes.

A finales de los años 50 y durante 12 años, comienza a cantar de manera amateur en los bares y clubes de Chicago, hasta que es descubierta en 1962 por el productor, compositor y bajista Willie Dixon.

A parte de dedicarse a la música también tuvo actuaciones en el cine y la televisión. Actuó en el film "Wild At Heart" del director David Lynch. Además se interpretó a sí misma en la serie policial "New York Undercover". También reaparece, cantando una canción, en la película "Blues Brother 2000”, tras pasar varios años alejada de los escenarios debido a un accidente de coche junto a su marido, a consecuencia del cual éste falleció.

Koko Ganó un Grammy y fue nominada  a once más.

El estilo vocal de Koko bebe de Bessie Smith, Memphis Minnie y Big Maybelle, además de Muddy Waters y Howlin’ Wolf, uno de sus bluesman favoritos.

Koko abrió un camino a toda una generación de blueswoman que siguieron sus pasos.

Todo esto queda patente en el extraordinario “I’m A Woman” escrito por Koko en respuesta a “I’m A Man” éxito de Bo Diddley y Muddy Waters. Atención a la armónica de Mervyn "Harmonica" Hinds. Esta canción es todo un himno feminista, lleno de fuerza.

Lo mismo ocurre en el tema “Please Don't Dog Me”, donde una mujer es capaz de engañar a su marido con su mejor amigo.

Koko marcaba el ritmo de los temas que interpretaba con el pie, obligando al baterista a adaptarse.

En las grabaciones exigía grabar junto a la banda, en vivo, y no la voz separada de la música.

El disco cierra con la estupenda “Wang Dang Doodle”, compuesta por Dixon, que se convirtió en uno de los  clásicos de Koko en conciertos y álbumes. Este tema lo cantó en Washington en la toma de posesión del presidente de los EE.UU George H.W.Bush y en su última actuación en un escenario el 7 de mayo de 2009, en los Blues Musci Awards de Memphis. Koko Taylor falleció en Chicago el 3 de junio de ese mismo año, tras complicaciones después de una intervención quirúrgica.

Koko era una trabajadora incansable, dentro y fuera de su hogar. Un ejemplo a seguir.Poseía una fuerza y un vigor envidiable, que mantuvo en su casi medio siglo de vida artística desde, 1960 hasta el año 2009.

La música de Koko es música de bar, de club nocturno.

Un disco imprescindible del blues, del blues interpretado por mujeres y de la propia Koko Taylor.

La Habitación del Jazz

 


lunes, 5 de agosto de 2024

James Cotton Vinilo: High Compression

 


Cara A

1.Diggin' My Potatoes

2.Ying Yang

3.23 Hours Too Long

4.No More Doggin'

5.No Cuttin' Loose 

Cara B

1.Ain't Doing Too Bad

2.Sunny Road

3.Superharp

4.Easy Loving

5.High Compression

 

Formación

James Cotton – armónica, voz

The James Cotton Chicago Blues All-Stars (A1,A3,A4,B2,B5)

Magic Slim – guitarra

Pinetop Perkins – piano

Aaron Burton – bajo

Robert Covington – batería

The James Cotton Band

Douglas Fagen – saxo tenor

Johnny Cotton – trombón

Danny Fields – trompeta

Eddie Harsch – teclados

Michael Coleman – guitarra

Noel Neal – bajo

Ray Allison – batería

 

Sello discográfico: Alligator Records

Grabado en 1984  en los estudios Streeterville de Chicago

Publicado en 1984

 

James Henry Cotton nació en Tunica, Mississippi, Estados Unidos. Fue un estupendo armonicista, cantante y compositor, que se presentó y grabó con muchos de los grandes artistas del blues de su tiempo, así como con su propia banda. Tocó la batería al principio de su carrera, pero su fama se debió a su manera de tocar la armónica. Comenzó su carrera profesional tocando la armónica en la banda de Howlin Wolf, a principios de los años cincuenta. En 1955, fue reclutado por Muddy Waters para ir a Chicago y unirse a su banda. Cotton, entonces se convirtió en el líder de la banda de Waters, y se quedó con el grupo hasta 1965, año en el que formó el Jimmy Cotton Blues Quartet. Después de dejar la banda de Waters en 1966, Cotton viajó con Janis Joplin mientras continuaba su carrera como solista. Formó en 1967 la James Cotton Blues Band, con la que hacía versiones originales, principalmente del blues popular y del R & B de los años 50 y 60. Fue premiado en 1996 con un Grammy por Mejor Álbum de Blues Tradicional por el disco, “Deep in the Blues”.

Cotton compartió escenarios y estudios de grabación con con Janis Joplin, The Grateful Dead, Led Zeppelin, B.B. King, Koko Taylor, Santana, Steve Miller, Freddie King, Todd Rundgren, Steve Miller, Johnny Winter, Dr. John, David Sanborn, Charlie Haden, Michael Bloomfield y Cissy Houston, entre otros muchos.

Cotton luchó contra el cáncer de garganta a mediados de los años noventa, pero siguió haciendo giras, usando cantantes o miembros de su banda como vocalistas. Su último álbum “Cotton Mouth Man”, en Alligator, fue lanzado el 7 de mayo de 2013, y también fue nominado al Grammy.

Este “High Compression” (1984) fue el primer trabajo para Alligator  y en él estrenó su potente sección de vientos, dentro de la James Cotton Band.

El productor fue, como en casi todos los discos editados por el sello Alligator, Bruce Iglauer.

Cuando grabó este disco, Cottom ya era un músico consolidado y plenamente formado.

De los diez cortes del álbum, sólo dos están firmados por Cottom, que no compuso demasiados temas durante su carrera (quizás por su analfabetismo parcial), pero que sin embargo, tema que caía en sus manos, tema que salía enriquecido. El resto de temas son clásicos, pero no demasiado conocidos. 

El disco es una mezcla de blues funk y sonido Chicago.

Cottom era un músico serio que ensayaba antes de grabar y que mantenía un “buen rollo” con sus acompañantes. La comunicación entre Cotton y su banda (a la que se refería como “mi familia”) es evidente.

Las grabaciones se realizaron durante una noche y una tarde, y casi todo se grabó una sola vez, al primer intento.

Cotton leyenda inimitable del blues, con sus improvisaciones a la armónica no deja indiferente a nadie.

Como dijo Cottom: "Si no lo siento, no puedo tocarlo". Aunque no tenía una gran voz, su poderosa armónica es uno de los sonidos más reconocibles del blues.

Otro disco de blues imprescindible.

 

La Habitación del Jazz

 


viernes, 17 de mayo de 2024

Albert Collins Vinilo: Frostbite


 

 

Cara A

1.If You Love Me Like You Say

2.Blue Monday Hangover

3.I Got a Problem

4.Highway Is Like a Woman

 

Cara B 

1.Brick

2.Don't Go Reaching Across My Plate

3.Give Me My Blues

4.Snowed In

 

Formación

Albert Collins – guitarra, voz

A.C. Reed - saxo

Paul Howard - trompeta

Bill McFarland - trombón

Henri Ford – saxo barítono

Allen Batts - teclados

Marvin Jackson - guitarra

Johnny Gayden - bajo

Casey Jones – batería

 

Sello discográfico: Alligator Records 

Grabado en 1980 en los Curtom Studios de Chicago.

Fecha de publicación: 1980

 

En colaboración con Planeta DeAgostini y dentro de la colección "Blues en Vinilo", La Habitación del Jazz publica la reseña correspondiente a esta entrega dedicada a Albert Collins. A Albert Gene Drewery (Albert Collins) le han llamado de muchas formas: “The Master of the Telecaster”, “The Razor Blade” y por el que quizás más se le conoce “The Ice Man”, debido al sonido que, gracias a su técnica,  sacaba a su guitarra Telecaster. No usaba púa pues sus dedos estaban ya lo suficientemente duros (aunque a veces le dolían tanto que casi no podía tocar). Por cierto, esa técnica, que le caracterizó, se la enseñó su prima Willow Young, que le prestaba a Albert su guitarra y le enseñaba la afinación modificada que utilizaba, una afinación que Ice Man utilizó a lo largo de su carrera.

A los dieciséis años, y después de escuchar el tema “Boogie Chillen” de John Lee Hooker, tuvo claro que quería dedicarse a tocar la guitarra eléctrica.

Durante cuatro años trabajó en un rancho; durante doce de camionero. Su primera guitarra comprada fue una Fender Esquire (aunque hubiese preferido una Telecaster, pero su precio no se lo podía permitir) a la que modifica poniéndole un mástil de una Telecaster. Con ella realiza sus primeras grabaciones.

En el año 1976, Bruce Iglauer, quien marcaba lo designios del sello Alligator Records, andaba a la caza de figuras de blues de antaño para reforzar el prestigio del sello discográfico. Alguien le habla de un tal Albert Collins, quien además de haber publicado varios discos, había reemplazado al mismísimo Jimi Hendrix en la banda de Little Richard y había sido telonero de los Allman Brothers en las míticas sesiones en el Filmore East. Pero había un problema, nadie sabía dónde se encontraba Ice Man.

Collins, desmotivado por el decadente panorama musical que tenía ante sí había decidido volver a su Texas natal, donde se dedicó a trabajar en el sector de la construcción.

Este “Frostbite” se grabó en sólo dos noches y una tarde. Collins era un experto en manejar todos los aspectos de una grabación. Le gustaba grabar en directo siempre que fuera posible. En este disco en ninguno de los temas se  necesitaron más de cuatro tomas para darlo por bueno.

 

Este fue el primer disco de Collins donde utilizó una sección de vientos al completo. Esto quizás no es del gusto de todos sus seguidores, pues hay quien considera que los vientos son una intrusión y que sólo sirven para “sabotear” el resultado final. Lo cierto es que la incorporación de los vientos, hace que el sonido blues se acerque al soul y la guitarra de Collins quede en un segundo plano.

“Frostbite” contiene ocho temas, de los que solo dos son originales de Collins, “Give Me My Blues” y “Snowed In”, cuyas letras fueron escritas por su esposa Gwen. De todos ellos, el tema “If You Love Me Like You Say” es el único que tocaba regularmente en sus conciertos.

El sonido del disco, algo sucio, es como si estuviera grabado en un local en directo.

Un disco que hay que escuchar si queremos acercarnos  un poco más al gran Albert Collins.  

La Habitación del Jazz