Libro: Historias Curiosas del Jazz , Lawrence Lindt

HISTORIAS CURIOSAS DEL JAZZ

Lawrence Lindt

 Ed: Robinbook (ManonTroppo)

       Los amantes del jazz y los que no lo son tanto, disfrutarán leyendo este libro. Su autor Lawrence Lindt huye de tecnicismos y frases grandilocuentes que distraen del verdadero sentido de las anécdotas que narra.

       Plagado de historias curiosas, como la que nos cuenta  que Woody Allen tomó el nombre de pila de Woody Herman, el famoso clarinetista y director de big band.

       La editorial Robinbook , de donde forma parte ManonTroppo, tiene otros interesantes  libros de música en su catálogo.

       También destacaría  la calidad de su encuadernación, al contrario de otras obras como Bitches Brew de la editorial Global Rhythm., cuyas hojas se sueltan al poco de abrir el libro.

Daniel Picazo, Diego de Lera, Felipe Cucciardi Trío + Ensemble CD: Al Voltant De Mompou

Daniel Picazo, Diego de Lera, Felipe Cucciardi Trío + Ensemble CD: Al Voltant De Mompou

Intérpretes:

Daniel Picazo - Piano, Fender Rhodes
Diego de Lera - Contrabajo
Felipe Cucciardi - Batería
Kiko Berenguer - Saxos Tenor, Soprano
Toni Belenguer - Trombón
Voro García - Trompeta
David Fores - Chelo
María Velasco - Voz.

Títulos

1.- Impresiones Intimas I, 2.-Impresiones Intimas II, 3.-Canción Nº VI, 4.- Over the Rainbow, 5.- Beautiful Love 6.-Nocturna 7.- Nana in Minor

Sello: Blau Records  

Año: 2012

       Daniel Picazo (Denia, Alicante) es profesor de piano y ha participado en numerosos festivales de jazz nacionales e internacionales y actuado en muchos de los más importantes clubs de jazz de España. Diego de Lera, compagina sus labores pedagógicas con actuaciones y colaboraciones como la del grupo AZIMUT y diversas big bands así como con el saxofonista Bill Evans y Joey Di Francesco entre otros. Felipe Cucciardi ha trabajado en los grupos de Lou Bennett, Ximo Tebar y Ricardo Belda. Participa en giras por toda España, Italia, Francia etc, obteniendo diferentes premios y ha participado en la grabación de más de una treintena de discos. Actualmente participa en la gira “Clásicos del Jazz” con Sole Giménez.

       Pues bien, estos tres músicos se han unido para grabar este disco titulado “Al Voltant De Mompou” (En torno a Mompou), junto a otros músicos de talla indiscutible, que forman el denominado Ensemble.

       El disco se compone de 7 temas. Los tres primeros de Federico Mompou, a quien está dedicado el disco y que recrean de forma magistral, adaptándolos al jazz con gran destreza. El resultado es de una sutil belleza

       Los temas 4 y 5 son dos estándares de la música norteamericana. En “Beautiful Love” hay un sabor barroco de gran belleza. El trombón de Toni Belenguer resalta con un sonido muy bello. La trompeta vuelve a estar a una gran altura interpretativa. 

       Por último, los dos temas finales compuestos por De Lera y Picazo respectivamente. “Nocturna” es un tema alegre con mucho swing, no exento de momentos de tristeza contenida, en el que brillan la trompeta de Voro García y el resto de componentes.

       “Nana in Minor” es una bellísima pieza vocal, en la que destaca la voz de María Velasco y el chelo de David Flores. Acompañados de un piano contenido que sin quitarles protagonismo da paso a un soprano de Kiko Berenguer francamente bonito.

       La batería de Felipe Cucciardi y el contrabajo de Diego de Lera acompañan en todos los temas de forma magistral.

       A Federico Mompou se le considera un músico miniaturista con obras generalmente breves y con cierta aproximación a la improvisación. Según el mismo decía, era “un hombre de pocas palabras y un músico de pocas notas”. Picazo, De Lera y Cucciardi trío han conseguido trasladar este espíritu a este disco.

       Es un disco muy bello, delicado e íntimo, digno de ser escuchado con atención para disfrutar de todos los matices que nos ofrece.

Omer Avital CD: Suite of the East

Omer Avital

CD: Suite of the East

Intérpretes

Omer Avital - Bajo Acústico
Joel Frahm - Saxo Tenor
Avishai Cohen - Trompeta
Jason Lindner - Piano
Daniel Freedman - Batería.

Títulos

1.-Free Forever, 2.- Suite of the East 3.- Song for Peace 4.- The Mountain Top, 5.- Sinai Memories 6.- The Abutbuls 7.- Bass Meditation

Omer Avital es un joven contrabajista Israelí (1971) que desde los once años que empezó sus estudios en el conservatorio de su ciudad natal, Civataim, no ha parado de desarrollar una carrera musical brillante que va desde el liderazgo de la banda de jazz de su escuela, su participación en la orquesta del ejército israelí, desde donde parte a Nueva York, donde colabora con músicos de la talla de Antonio Hart,  Steve Grossman, Brad Mehldau Jimmy Lovelace Nat Adderley, Jimmy Cobb,  Walter Bishop , Peter Bernstein, Larry Goldings y Marc Miralta entre otros.

    La gestación de este disco dura 3 años durante los cuales Avital compone sus temas en Israel y  culmina con su grabación el 27 de abril de 2006 en el Smalls (en Greenwich Village, NYC) y que por fin ha visto la luz este 2012.

La suite es una concatenación de temas con un hilo conductor que es el sonido folclórico de la cultura israelí, del norte de Africa aderezados en ocasiones por  toques flamencos.

Todos los temas son muy bonitos. Algunos van creciendo en expresividad y en intensidad, alcanzando momentos de extraordinario jazz.

“The Abutbuls” es una bellísima balada en la que el piano es el protagonista.

Termina el disco con “Bass Meditation” donde Avital asume todo el protagonismo en solitario con su bajo acústico.

Marco Sanguinetti CD: Los Procesos de Franz

Los Procesos de Franz

Pistas

1.- Laberinto 2.-Revisación 3.- Poder 4.- Trámite 5.- Culpa 6.- Bicho 7.- Inconsciente 8.- Muerte 9- Impro para 9 dedos

Todos los temas compuestos por Marco Sanguinetti, excepto Trámite (Sanguinetti, Armas y Lera)

2008

"Los Procesos de Franz" es la música de un espectáculo de danza contemporánea, basado en textos del autor checo Frank Kafka, que combina  literatura, danza y música.

Y se combinan, no de cualquier forma, si no con una intensidad que evoca de forma fiel  la personalidad de Kafka.

¿Cómo no sentir en esta música el sentido de culpabilidad de Kafka ante la muerte de sus hermanos Georg y Heinrich.O el temor de ser  percibido de manera repulsiva tanto física como mentalmente. O simplemente la tormentosa relación con su padre?.

El  mundo oscuro y complejo de Kafka, su lucha personal,  se siente en este disco, se palpa en cada acorde

El obstinato que imprime Marco Sanguinetti a su obra expresa magistralmente la manía persecutoria que sufría Kafka

Todo ello hacen que la música de este disco no sea fácil. Si así fuese no sería fiel a su propia naturaleza. Pero precisamente esa dificultad, no exenta de belleza, la hacen merecedora de una escucha detenida. Cierre los ojos y pasará delante de usted la obra de Kafka hecha música y danza.

Marco Sanguinetti. CD: El Otro

El Otro

Pistas

1.-Sucesos, 2.-Desayuno 3.-Tren, 4.-Visiones,5.-El esqueleto, 6.-Naturalmente,7.-La montaña, 8.- Sapos encajonados, 9.- Paranoid android, 10.-Secret world, 11.- Solo

Todos los temas compuestos por Marco Sanguinetti excepto temas 7,9 y10. El tema 6 compuesto junto a P. del Cerro.

Año:2010

Marco Sanguinetti, piano

Hernán Rodríguez, batería

DJ migma, bandeja giradiscos

Omar Grandoso,trombón y melódica

Paloma del Cerro, voz

No hace muchas fechas, la Habitación del Jazz publicó una entrevista realizada a Marco Sanguinetti http://lahabitaciondeljazz.blogspot.com.es/2012/04/entrevista-marco-sanguinetti.html

.

En ella, Sanguinetti se declaraba seguidor de pianistas como Keith Jarrett, Brad Mehldau y Esbjörn Svensson entre otros. En efecto, en este disco, su último trabajo hasta el momento, se aprecia esa influencia, quizás sobre todo de los dos últimos.

Estamos ante un trabajo coherente, hecho con seriedad. Sanguinetti expresa sinceridad en sus composiciones y en su forma de interpretar.

La coherencia referida se rompe sólo en un tema, el interpretado por Paloma del Cerro, Naturalmente, pero, todo sea dicho, bienvenida esa rotura pues se trata de una dulce canción que, en el ecuador del disco, sirve para recobrar el aliento.

Y es que, la música que nos ofrece Sanguinetti, es muy intensa, con una presencia de ostinatos que contribuyen a ello y que deja sin aliento al oyente.

Sin duda este pianista es  atrevido en sus planteamientos, lo que es de agradecer en el panorama jazzístico actual.

Es difícil destacar un tema de entre todos los que integran este disco pero, puestos a hacerlo, me ha gustado especialmente el titulado Visiones.

Este disco requiere una escucha sosegada, descubriendo todos los matices que nos brinda Marco Sanguinetti.

En definitiva, un  trabajo más que recomendable  

ART PEPPER (CD: The Art of the Ballad)

Intérpretes

Art Pepper (sa,cl)

George Cables (p)

Conte Candoli (t)

Pete Candoli (t)

Howard Roberts (g)

Paul Chambers (b)

Red Garland (p)

Elvin Jones (d)

Philly Joe Jones (d)

Wynton Kelly (p)

Mel Lewis (d)

y otros

Año: 1956-1982

Pistas:1.-Winter Moon 2.-Body And Soul 3.- Maybe Next Year 4.- Blues In The Night 5.- Round Midnight 6.- Imagination 7.- Over The Rainbow 8.- Why Are We Afraid? 9.- All The Things You Are 10.- Come Rain Or Come Shine 11.- You Go To My Head

        Art Pepper nace en California en 1925.Su encuentro con la música fue, como en tantos otros casos, a muy temprana edad. A los 9 años aprendió clarinete y a los 13 saxo alto.  

        Y como en otros muchos casos, su vida estuvo marcada por su adicción al alcohol y las  drogas.  Esta dependencia que compartió  con alguna de sus  compañeras, le llevó varias veces a la cárcel (incluida la famosa San Quintín)  y también  a hospitales para rehabilitarse. Estos periodos de reclusión no mermaron su capacidad interpretativa que recuperaba una vez se reincorporaba a la vida civil.

        Las influencias de Art Pepper fueron Benny Carter, Lester Young y John Coltrane.Pero lo cierto es que era poseedor de un estilo propio considerándosele como uno de los saxofonistas más originales de los años 40 con un fraseo y una sonoridad excepcionales.

        Normalmente los grandes intérpretes ante situaciones como las que sufrió Art, sin duda ven mermadas sus facultades. Pero en su caso, esto no sucedió, por lo que es obligado preguntarse ¿hasta donde hubiera llegado con sus facultades en plena forma?.

        En varias ocasiones se le daba por muerto musicalmente hablando, pero su gran categoría como músico, le hacía renacer de sus cenizas. Así sucedió  en 1975 con su disco "Living Legend" con una portada y un contenido estremecedores. En 1978,  graba "Today", una obra maestra  y en la portada otra vez esa mirada triste reflejo de décadas de sufrimiento.

        Su gran capacidad para transmitir emociones la podemos visualizar en este disco “The Art of the Ballad”, compendio de grabaciones realizadas entre 1956 y 1982. Baladas maravillosas que  transmiten sinceridad y pasiones contenidas.  Sin duda estamos ante un músico cuya música es pura autobiografía.

        Es uno de los grandes del jazz de todos los tiempos, a veces injustamente  olvidado por la crítica y por el aficionado.

        El 15 de Junio de 1982, tras una semana en coma, murió víctima de una hemorragia cerebral.

        Prepárese a disfrutar de un disco tranquilo, que emociona, ideal para una noche en compañía. Y para terminar, con la copa de cava en la mano, escuche el último corte del disco, un estándar  grabado en vivo en el mítico Village Vanguard, mes y medio antes de su muerte, cuya letra dice  “You go to my head like a bubbles in a glass of champagne”, ¿puede haber un mejor final de velada?

“Quiero que el publico sienta alegría y tristeza. Abrirles el espíritu, los oídos. Es lo que siempre he querido. Y lo intentaré”.

                                                                               Art Pepper

   

Milton Arias Trío: En vivo en 1961 Audio Estudio

Milton Arias Trío

CD: En vivo en 1961 AudioEstudio

Intérpretes

Milton Arias: bajo

Martín Barroso: piano

Martín Gallo: batería en 01, 03, 05

Exequiel García: batería en 02, 04, 06

Santiago Bartolomé: trompeta en 05

Pistas

01-Planta Alta (Arias), 02-10 Cuadras (Arias), 03-Sirabhorn (Metheny), 04-Dos Gatos (Arias), 05-Blue in Green (Evans/Davis), 06-Los Libros de la Buena Memoria (Spinetta)

Grabado en vivo el 6 y 7 de Noviembre de 2011 en 1961AudioEstudio

Descarga gratuita: www.miltonarias.com.ar 

Como dice Milton “una opera prima siempre tiene mucho de caos, de incertidumbre, de expectativas, riesgos poco medidos, y de ese vacío esperanzador que es el futuro”.

Este es su primer trabajo de compuesto por dos bloques: uno formado por tres composiciones propias y el otro por tres temas ajenos, elegidos por ser sus autores referentes para Milton.

Milton describe perfectamente el proceso previo a esta grabación:”Durante el 2011 comenzó a inquietarme esta idea, de editar un primer trabajo comoleader. Conseguí algún dinero, y me encontré con las personas justas que podían apoyarme, tomé un puñado de composiciones y arreglos que me habían estado acompañando los últimos tiempos, y entramos en el estudio a jugar”.

El resultado es un disco muy agradable, con el que el oyente se identifica al momento y en le que tiene una presencia importante el espacio para la improvisación.

Robert Glasper CD: Black Radio

Robert Glasper

CD: Black Radio

2011

Intérpretes

Robert Glasper (piano, teclados)

Casey Benjamin (saxo)

Derrick Hodge (bajo)

Chris Dave (batería)

Eryka Badu

Bilial

Ledisi, entre otras voces

Pistas

1.- Lift OffMic Check 2.- Afro Blue 3.- Cherish The Day 4.- Always Shine 5.- Gonna Be Alright (F.T.B.) 6.- Move Love 7.- Ah Yeah 8.- Consequence Of Jealously 9.-Why Do We Try 10.- Black Radio 11.- Letter To Hermione 12.- Smells Like Teen Spirit

Robert Glasper es uno de los máximos exponentes del nuevo jazz. Cuando actúo en Madrid ya lo dijimos en este blog  http://lahabitaciondeljazz.blogspot.com.es/2011/11/robert-glasper-en-el-festival-jazz.html .

Ahora nos trae este disco muy distinto a Canvas , más convencional en su desarrollo http://lahabitaciondeljazz.blogspot.com.es/2011/10/robert-glasper-canvas.html . Black Radio (Blue Note) se apoya en cantantes de prestigio procedentes del rap, soul, hip-hop entre otros estilos. Glasper hace un jazz vanguardista, versionando canciones como “Cherish the day” (Sade) o el mismísimo “Afro Blue” (Mongo Santamaría) y temas propios. Glasper es el productor y arreglista de este álbum de jazz fusionado al límite. La grabación de primera. Un disco totalmente recomendable.

Déjate envolver por Black Radio.

AMBROSE AKINMUSIRE: ¿Hablan las trompetas?

AMBROSE AKINMASURI, trompeta

WALTER SMITH III, saxo tenor

SAM HARRIS, piano

HARISH RAGHAVAN, contrabajo

JUSTIN BROWN, batería

Auditorio Nacional, Sala de Cámara

Madrid

17 de marzo 2012

21:00 h

Ambrose Akinmusire con 17 años ya había compartido escenario con Joe Henderson, Joshua Redman y Steve Coleman. No muchos pueden decir lo mismo. A los 25 ganó el premio Thelonious Monk International Jazz Competition.

Acaba de publicar su primer disco para la Blue Note When the Heart emerges glistening. Sabido es que Blue Note no ficha a cualquier músico. Con este bagaje se presentó en Madrid. Lleno absoluto. El y Walter Smith con elegantes trajes oscuros,  camisa blanca sin corbata y zapatos brillantes. El resto del quinteto con camisa por fuera del pantalón, muy informal. Como marcando distancias.

Desde el primer se metieron en harina, sin calentamiento previo. A Ambrose no le asustan las dificultades y alcanza agudos difíciles de superar. Se suceden diálogos entre el saxo y la trompeta y en otras ocasiones, los dúos de ambos instrumentos. La segunda mitad del concierto decae algo en intensidad, remontando de nuevo el vuelo al final del concierto. La rítmica (piano, contrabajo y batería) correctos. Walter Smith III, uy elegante sobre el escenario y en su interpretación.

Original la versión que hizo del clásico In a sentimental mood nada convencional pero no exenta de melancolía.

Ambrose es un gran trompeta y sin duda dará mucho que hablar. Tiene un sonido personal y  además hace hablar a la trompeta. Si señor. El cuarto tema llamado Regret (No more) interpretado a dúo con el piano, fue bellísimo. La trompeta hablaba, gemía. Un momento de esos inolvidables y mágicos que sólo se dan en los directos y en contadas ocasiones.

CHINA MOSES: Una artista de los pies a la cabeza

CHINA MOSES, voz

RAPHAËL LEMONNIER, piano

FABIEN MARCOZ, contrabajo

JEAN-PIERRE DEROUARD, batería

Lugar: Auditorio Nacional (sala de cámara), Madrid

Fecha: 25 de febrero 2012-02-26

Hora: 21:00h

Empezaré con lo único negativo del concierto: el sonido. Creo que era demasiado alto y la reverberación excesiva.

Pasemos a la actuación. Con el letrero de “no hay entradas” y con un público entregado de antemano, China Moses triunfó con su simpatía arrolladora y su  envidiable naturalidad. No sólo canta muy bien, es que además interpreta las canciones al mas puro estilo de las grandes de los años cincuenta. El concierto estuvo dedicado a Dinah Washington. Cada canción era precedida de una larga explicación en la que incluía datos  biográficos de Dinah y desenfadadas notas de humor.

El trío estuvo   más que correcto, destacando el pianista Raphaël Lemonnier, que imprimió un swing arrollador.

Hubo momentos mágicos, como la interpretación de “Crazy blues”, apoyada en el piano con un micrófono de los años 50 en la que China Moses estuvo absolutamente sensual. Otro fue “I sing the blues” acompañada por el bajo y el bis, que como no podía ser de otra manera y a petición de un espectador fue,  “Mad about the boy”.

Hubo anécdotas que reflejan el ambiente distendido y de empatía entre el público y los artistas, como fue la felicitación al bajista cantándole  el “Happy birthday to you” o el “guapa” gritado por  un espontáneo y que China agradeció.  

China Moses no puede negar que es hija de la gran Dee Dee Bridgewater, a quien recuerda en más de una ocasión. No paró de moverse por el escenario (con unos tacones de infarto) y con un dominio y desparpajo extraordinarios.

El público en pie aplaudió con fuerza la actuación y China Moses mostró su sincero agradecimiento varias veces y tomando en vídeo con su móvil las gradas en pie aplaudiéndola.

Un concierto fantástico con esta mujer,  que es una realidad y que sin duda nos dará momentos inolvidables en directo como así fue en el concierto de anoche en Madrid.

Sinouj: Were

Sinouj: Were

Pistas

1.- Nawa Party 2.- Haka Aka 3.- Wech4 Taksim Possible 5.- Were 6.- Yekermo sew (piano intro) 7.- Yekermo sew 8.- From Addis to Tunis 9.- Maghreb Cosmos 10.- Majazz

Intérpretes

Pablo Hernández (saxo alto)

Larbi Sassi (violín, voz)

Akin Onasanya (batería)

Sergio Salvi (teclados)

 Pablo Alfieri (bajo eléctrico)

Damian Nueva (contrabajo en 2 & 3)

LuisTaberna (percusión en 2 & 7-10)

Javier Paxariño (bansuri en 2, flauta en 3)

Jorge Pardo (flauta en 10)

El arroz  es un alimento ideal para combinar con  otros muchos alimentos; absorbe sus sabores.  Al jazz le pasa lo mismo. Mezcla con el flamenco de forma casi espontánea; pero no es la única fusión étnica que le va como anillo al dedo. Y este disco es una buena muestra de esto. En Were se fusiona música de Marruecos, Argelia, india y Túnez entre otros.

Pablo Hernández lidera esta banda formada por músicos muy interesantes. El propio Pablo, excelente al saxo; Larbi Sassi integra su violín de forma admirable allí donde lo toca; los teclados también suenan muy bien. La percusión en conjunto es francamente buena.

Además, en este disco, han participado dos figuras de reconocido prestigio como Javier Paxariño y Jorge Pardo.

El  grupo suena redondo. Los cortes 1 al 3 están grabados en estudio y el resto en directo.

Las composiciones son propias, originales, a la altura de otros muchos discos internacionales de más proyección en los medios.

Sin duda el jazz que se puede escuchar en este disco está a dentro del mejor  jazz moderno étnico que podamos oír en cualquier parte del mundo.

Jazz con una fuerte base rítmica, con fuerza, mucha fuerza. En definitiva, jazz con mayúsculas.

Monk: Laurent de Wilde Edit. Alba

Quien busque una biografía exhaustivamente  documentada, que no lea este libro. Sin embargo, aquellos que quieran conocer diversas etapas de la vida de Monk, su relación con las mujeres, sus adicciones, su música, de forma ligera e introductoria, es más que suficiente, sobre todo si tenemos en cuenta la falta de biografías editadas en castellano  sobre Thelonious Monk.

Otro aspecto destacable de este libro es que su autor, Laurent de Wilde, es también pianista, lo que le da la perspectiva de otro músico, aunque no tiene mucho que ver con Monk. 

De wilde lo publicó en 1996  y llegó a España en 2007, gracias a la editorial Alba (Barcelona).

Le concedieron el premio Charles Delaunay de la Académie du Jazz al mejor libro del año en 1996; el premio Pelléas en 1997 y el  premio Firecracker  Alternative Book for Music en 1998.

A Monk hay que oírle  y disfrutar con su música, pero también hay que conocer, aunque sea superficialmente, su vida. Este libro  consigue con creces ese  objetivo.

KIKO BERENGUER: Mi camino

Kiko Berenguer Nu Flamenco Jazz: Mi camino

Intérpretes

Kiko Berenguer, saxo tenor y soprano
Juan Carlos Gómez,  guitarra flamenca y palmas
Rafael Vargas “el Chino”, cante y palmas
Rogerio Campas, bajo
Rafa Villalba, percusión
Julia Gominelli, palmas
Antonio Serrano, armónica en 3 y 4
Ricardo Belda, teclado en 2
Ximo Tebar, guitarra en 7
Isabel López, viola en 4 (arr. cuerdas R. Campas)
Ester Andújar, voz en 3
Ester Sancho, voz en 3

Pistas: 1.- Blue rumba  2.-Mi camino  3.- Canastera  4.- Bolero cojo  5.- Ceifeira 6.- Hoja y piña  7.- Reencuentro 8.-No puedo dejarte de amar

Año: 2010

Cuando se fusionan dos estilos tan llenos de fuerza y expresividad como el flamenco y el jazz surge una música que, como poco, rebosa emotividad.

Son muchos los artistas que han mezclado ambos estilos, desde Pedro Iturralde, Chano Domínguez, pasando por Jorge Pardo, Carles Benavent, Perico Sambeat y Kiko Berenguer, entre otros.

Kiko Berenguer (Xàbia, Alicante) es un experimentado saxofonista que ha estudiado con profesores como Daniel Deffayet y Jean Marie Londeix (Paris), Ralph Moore y Chriss Cheek (N.Y.) y trabajado con músicos de la talla de Richie Cole, Dennis Rowland,  Pat Metheny,  Michel Camilo, Claudio Roditi, Terell Stafford, por citar algunos. También es el director artístico del festival internacional “Xàbia jazz”.

Kiko posee un estilo personal que deja traslucir su formación y vivencias musicales y, por qué no, personales.

Este nuevo trabajo llamado “Mi camino” se deja oír con facilidad. Sin estridencias, guía al oyente por un camino de melodías relajantes.

Se ha rodeado de instrumentistas y cantantes  que dan sobradamente la talla y consiguen una producción redonda.

Apto para amantes del jazz y para amantes del flamenco.

JOSE LUIS GUTIERREZ Quartet: Fruit Salad

Intérpretes
José  Luis Gutiérrez: Saxofones y percusión
Jesús Parra: Guitarra y sartén (3)
Gerardo Ramos: Contrabajo
Tommy Caggiani:Batería y percusión/platos Ufip

Pistas
1.-La Escuela, 2.-Tradición y Contradicción 3.-Fruit Salad 4.-Algún día 5.-Tierra a la Vista 6.- JLG 7.-Bromas y Veras.

Año: 2010

José Luis Gutiérrez no es sólo un magnífico intérprete de saxo y percusionista; es también profesor y divulgador  del jazz  como lo demuestran los 1500 Conciertos Didácticos de la mano de Cajamadrid. Es creador y director de los festivales de jazz Universijazz (Valladolid) y GranJazz (La Granja de San Ildefonso, Segovia) y por si esto fuera poco, creador del término Iberjazz  que da nombre también a su productora.

Fruit Salad es el tercer disco de este músico. Sus  dos trabajos  anteriores fueron Núcleo (1998)  y El ojo de la aguja (2000).

Como no podía ser de otra manera habiendo acuñado el término Iberjazz, este disco es una muestra fehaciente de ese jazz que aúna la tradición musical ibérica con la improvisación jazzística.

Este nuevo trabajo no defrauda en absoluto y las notas  populares que contiene transportan al oyente a lugares en los que uno ha estado o soñado.

En conjunto el cuarteto suena francamente bien  y las composiciones (todas de J.L.Gutiérrez) y los arreglos conforman un disco homogéneo en el que no desentona ninguno de sus temas.

Disco relajante, apasionado íntimo y muy personal.


http://www.joseluisgutierrez.com/portada/portada.htm

KEITH JARRETT: Rio

Que suerte contar entre los artistas que graban en tu sello, con músicos como Keith Jarrett. El día menos pensado actúan en directo, les sale todo perfecto y “zas”, ya tiene un disco listo para publicar.

Manfred Eicher, este músico, bajista y productor alemán fundador del sello discográfico ECM (Edition of Contemporary Music), tiene esta suerte. No es la primera vez que Keith Jarrett edita un disco fruto de un concierto en directo.

Jarrett grabó por primera vez para ECM en  1971, un disco llamado   Facing You  y desde 1977 lo hace de forma exclusiva.

Muchos han sido sus discos en directo (Radiance, Tribute, La Scala, Carnegie Hall,  Paris Concert, Inside Out,Sun Bear Concerts entre otros muchos), todos ellos de altísima calidad y este último, Rio, no lo es menos.

Se trata de  un recital de improvisaciones que Keith Jarrett considera su mejor concierto a piano solo en muchos años

Es un paseo por diferentes estilos musicales europeos y americanos;  con una fuerte emoción musical. Son 15 temas en dos discos, simultáneamente de extraordinaria belleza y fuerza.

Qué cierto es que en una actuación en directo, en ocasiones, se dan una serie de elementos que hacen del mismo algo especial, único, impregnándose el auditorio de una atmósfera que te lleva a un estado de ánimo más allá de lo explicable.

Desgraciadamente, parte de esa magia se pierde al trasladarlo al disco, pero aún así se deja intuir lo que allí sucedió.

Este 9 de abril de 2011, esto mismo debió de acontecer en el Teatro Municipal de Río de Janeiro. Jarret, una vez más, demostró  lo grande que es al piano.

Con Billie Holiday, una biografía coral

Eleanora Fagan Gough  (Filadelfia, 7 abril de 1915 – Nueva York, 17 julio de 1959), conocida como Billie Holiday y apodada Lady Day, fue una de las cantantes de jazz más influyentes.

Su vida estuvo llena de claroscuros, su existencia,  turbulenta y desdichada, lo que se tradujo en una enorme capacidad para conmover al oyente.

Este tipo de personajes no es fácil de atrapar y su vida es difícil de plasmar en un libro o película (El ocaso de una estrella, 1972). Sin embargo, este libro, Con Billie Holiday, una biografía coral  de Julia Blackburn lo ha conseguido.

A lo largo de la década de los setenta, una joven periodista llamada Linda Kuehl entrevistó a más de 150 personas con el propósito de escribir una biografía coral de Billie Holiday. Complementó los testimonios y las confesiones de los entrevistados con datos obtenidos en los archivos de diversas instituciones sanitarias, causas judiciales, postales y correspondencia privada.

Kuehl no consiguió que se editara. En 1979, Linda se suicidó después de asistir a un concierto de Count Basie. Todo el material recopilado acabó en manos de un coleccionista.

Julia Blackburn, tras dar finalmente con el propietario de las cintas escribió este libro, que integra entrevistas inéditas, proporcionando una visión profunda e íntima de su personalidad.

El resultado es Con Billie Holiday (Global Rhythm Press, Barcelona, 2007).  Un excelente libro que ningún seguidor de esta cantante debe dejar de leer.

MILES DAVIS: Bitches Brew (4 de 4)

El resultado es un disco abstracto, difícil de catalogar. No es rock (es mucho más complejo) pero tampoco es el jazz tradicional hecho hasta entonces.

Miles, para muchos aficionados al jazz, murió musicalmente hablando cuando se metió en el jardín de lo electrónico  y abandonó lo que se llama ahora “unplugged” o lo que es lo mismo, lo acústico. Ese sentimiento de traición lo hemos sentido muchos pero creo que es injusto y es de justicia reconocer la enorme aportación que hizo  Miles a la música con este disco y otros posteriores. La crítica fue muy dura con él y su música.

Sony acaba de publicar una versión ampliada de Bitches Brew: dos vinilos, tres CD que incluyen canciones inéditas, un DVD de extraordinaria calidad que contiene la actuación de Miles el 4 de noviembre de 1969  en Copenhague, un libro de 48 páginas y un póster. Vamos, una joya.

El montaje final de lo que allí ocurrió fue este maravilloso disco, uno de los grandísimos discos de jazz. Un disco imprescindible donde los haya.

La música es algo espiritual.

      El negocio de la música no lo es.

                                                                       Van Morrison

VERONICA FERREIRO: Laio

Intérpretes

Verónica Ferreiro, voz

Sergio Fernández, bajo, contrabajo

Rubén García, teclados, piano, Rhodes

Diego Lipnizky, guitarras

Chuchi Crespo, batería

Roberto Somoza, flauta

Carmen Rey, voz

Pistas

1.- Laio, 2- Non Quero Crer, 3.- Riverside, 4.- Floating Lovers, 5.- Stop Your Step!

6.- Please Don’t Fall In Love, 7.- 20, 8.- Instante, 9.- Lares, 10.- Auf  Wiedersehen   

Verónica Ferreiro es una jovencísima cantante y compositora española (A Coruña) que desde  los cinco años de edad ha estado inmersa en el mundo artístico: estudiando y graduándose en ballet clásico y estudiando piano y solfeo. Sus dotes innatas para el canto, la llevaron a estudiar con Carmen Rey, técnica vocal e improvisación.

En 2008, junto a Sergio Fernández, inicia su propio proyecto y con su propia banda da forma a esas canciones que había interpretado en diversas giras. Resultado de esa colaboración es este disco titulado  “LAIO”.

Las óperas primas de los músicos, en general, son fácilmente superables. En este caso Verónica Ferreiro ha puesto el listón muy alto. “Laio” es un precioso disco que podría estar firmado por  cantantes de renombre internacional. Verónica posee una cristalina voz de un enorme registro.

Todos los temas han sido compuestos por Verónica y Sergio Fernánez a excepción de “Non Quero Crer”, compuesto por Carmen Rey y “Floating Lovers” que junto a Verónica y Sergio lo firma Rubén García.

Es difícil destacar alguno de los cortes que conforman este disco. Personalmente me gustan mucho “Laio”, con un vocalese  extraordinariamente bonito y que define las posibilidades vocales de esta cantante. En “Floating Lovers” vuelve a mostrar sus posibilidades rítmicas. “Stop Your Step” es una preciosa balada que contrasta con la fuerza de “20”  y en donde vuelve a emplear el vocalese. Pero insisto, todas las canciones del disco son muy bonitas.

Verónica Ferreiro, que tiene a uno de sus referentes en Rachelle Ferrell, ha realizado un disco de enorme calidad, en el que los músicos que le acompañan han realizado un gran trabajo.

¡Nuestra más sincera enhorabuena!.

MILES DAVIS: Bitches Brew (3 de 4)

La primera sesión de grabación fue precedida de una fuerte discusión  entre Miles y Teo Macero. Miles no soportaba a la secretaria de Macero y le dijo que la echara. Teo por supuesto se negó y ahí empezó todo. Antes del inicio de la sesión de grabación, palabras altisonantes, insultos y casi, casi llegaron a las manos. Una fuerte tensión que a punto  estuvo de dar al traste con la grabación.

Quizás todo fuera una treta del propio Miles que así provocaba la descarga de  adrenalina de sus músicos lo que les llevaría a una mayor creatividad. No era la primera vez que utilizaba estos trucos.

Si se escucha atentamente se pueden oír las directrices de Miles a los músicos. A Miles le gustaba trabajar así. Sus músicos debían prestarse mucha atención los unos a los otros, a las señales que él les hacía, indicaciones que podían hacer variar el rumbo de la canción en segundos.

Pero se tiene la sensación de que los músicos no saben muy bien por donde les quiere llevar Miles. Los músicos cuando acabaron las sesiones no entendían lo que allí se grabó. Algunos dijeron que era demasiado improvisado. No les gusto el resultado final.

Bitches Brew  fue pionero en la aplicación del estudio como un instrumento musical, con multitud de efectos de estudio que fueron una parte integral de la música. Miles y su productor Teo Macero utilizan el estudio de grabación como un instrumento más aplicando, en fase de post-producción,  efectos de eco y reverberaciones."Pharaoh's Dance" contains 19 edits – its famous stop-start opening is entirely constructed in the studio, using repeat loops of certain sections. Therefore, Bitches Brew not only became a controversial classic of musical innovation, it also became renowned for its pioneering use of studio technology. ^{[ 4 ]} Por lo tanto, Bitches Brew no sólo se convirtió en un clásico, un disco polémico por su enorme innovación musical, si no que también se hizo famoso por su uso pionero de la tecnología de estudio.

MILES DAVIS: Bitches Brew (2 de 4)

        La historia dice que la idea de grabar Bitches Brew fue del productor Teo Macero. Miles lo niega en su biografía, alegando que eso obedece al intento de unos blancos de atribuir a otros blancos  méritos gratuitos.

       

        La grabación se llevó a cabo en  el estudio de la Columbia en la neoyorquina calle 52, entre el 19 y el 21 de agosto de 1969. Miles venía de grabar In a Silent Way en febrero de ese mismo año. Sin duda 1969 y 1970 fueron dos años de frenética actividad.

        Miles citó a los músicos que intervendrían en la grabación con las prisas que le caracterizaba. Acababan de trabajar con él en varias giras. Los conocía a la perfección y sabía lo que podían dar de sí.

        Los músicos tenían muy poca información de lo que iban a grabar. Sólo unas pocas instrucciones, el tiempo a emplear  una  melodía, unos pocos acordes y el tono. Si bien algunas piezas de Bitches Brew fueron previamente ensayadas,  no ocurrió lo mismo con la mayoría.  No quiso escribir lo que allí se iba a grabar, entre otras razones para que la improvisación campara a sus anchas en el momento de grabar y porque no quería que fuera interpretado posteriormente.

        Sólo dos cortes no fueron compuestos por Miles:. "Fharaoh’s  Dance" de Joe Zawinul y  "Sanctuary" compuesta por Wayne Shorter. Pero Miles las recompone moldeándolas a su estilo algo que hacía siempre con las piezas que no  escribía él.

                                                      

“La improvisación es  lo que hace del jazz algo fabuloso”

                                                Miles Davis