ENTREVISTA : CLAUDIO RONANDUANO

Claudio Ronanduano es director del sitio SiteMusic, quien desde hace largo rato y renovándose a tono a los tiempos que corren, ha decidido incorporar, como proyecto paralelo un sello discográfico destinado a producir artistas locales.

Detrás de su impulso creativo se oculta la potencia y la sabiduría de alguien que se ha movido en el terreno de la cultura, a pesar de la manivela loca del país, en términos económicos, y apuesta con paso lento pero seguro, a este nuevo emprendimiento para los jóvenes leones y los nos tanto también para sumar un grano de arena en el panorama local.

IDJ.¿Cuál fue es disparador que te inspiró a la hora de embarcarse en este proyecto?

Las cosas ocurren y muchas veces fluyen solas, un llamado de Néstor Díaz, mi socio en este proyecto, un día por la tarde generó una charla sobre un disco que estaba produciendo, en ese momento hablamos de hacer algo juntos, él desde su estudio de grabación por el cual han pasado grandes músicos y yo desde mi estructura de empresa de venta mayorista y minorista. Los dos unidos por el gran amor a la música decidimos iniciar este camino.

IDJ. ¿Estás solo en esto o asociado con alguien más?

No, estoy en sociedad con Néstor Díaz, músico y productor discográfico de Dino Saluzzi, Ganador Premio Gardel 2015 por el álbum triple Raíz Spinetta, disco producido en forma total por el que cuenta con grandes músicos, fue un homenaje a Spinetta pero versionando su música desde una mirada folclórica, hacer esto solo es muy difícil, de esta manera podemos interactuar entre los dos dividiendo a la empresa en dos áreas bien definidas donde cada uno gestiona desde su lugar y experiencia. 

IDJ.¿Cómo es trabajar desde un sello independiente? Me refiero a esa instancia de costo-beneficio, más en los tiempos que corren actualmente.

No es un tema fácil, más teniendo en cuenta el contexto nacional, el formato físico con o contra lo digital, como tarea en general es muy enriquecedora, aprender, producir, editar, vender, para nosotros es un todo que tiene que ver con un gran objetivo: la emoción que pueda sentir el oyente al escuchar nuestros discos, nos proponemos editar conceptos, música con un contenido y un mensaje.

Queremos que al escuchar nuestros discos la gente se siente a disfrutar de algo nuevo y distinto al común denominador actual.

IDJ.¿Cuáles serían los factores a tener  en cuenta a la hora de elegir un artista e incorporarlo en el catálogo?

Creemos que no existe una herramienta o factor clave para esa elección, para el sello pretendemos producir nuestros propios discos como así también interactuar con el artista que pueda acercar una propuesta y evaluar su edición, en estos casos es clave el concepto que tenga esa música o músico, su discurso desde el instrumento es fundamental. 

Priorizamos lo artístico por sobre lo comercial, la música en primer lugar, el éxito de esa obra llegará con el tiempo, sino se transforma en un éxito la misma podrá ser valorada igual. Queremos producir arte, desde lo musical todo lo que se edite tendrá siempre que cumplir con la estética de sonido e imagen del sello. 

¿Qué estética le van a dar al sello?

La mejor en cuanto a calidad de sonido e imágenes en cuanto al diseño de los artes de cada disco, para eso contamos con un equipo profesional tanto en fotografía como en diseño, buscamos hacer un sello con identidad propia, que nuestros discos sean también valorados desde lo que comunique cada arte de tapa y su contenido en general desde el diseño. 

Eso es algo que no estamos dispuestos a negociar con nadie. La identidad de un sello no se logra de un día para el otro, es algo a trabajar con el tiempo, con ideas claras transmitiendo en cada caso qué es lo que contiene esa obra musical.

IDJ.¿Cuál es la parte más agradable de producir y cuál  la más ardua?

Hace 28 años que estoy en esta industria y me emociona todavía ver cosas nuevas, más en este caso si son de nuestra propia tarea y esfuerzo. Tenemos dos áreas bien definidas en el sello, la parte de producción artística que se ocupa Néstor, sea en su propio estudio o en otro y mi parte donde estoy a cargo de la parte ejecutiva del proyecto, son muy placenteras las dos y requieren de mucha dedicación y compromiso, planificar tiempos, presentaciones, pagos, etc, todo tiene que ver con todo. Esa tarea es la que te conduce a la llegada al público, que al tener la obra en sus manos la puede disfrutar y valorar.

IDJ.La industria, ¿Es justa con los músicos de la escena independiente?

La industria como tal está dividida en dos partes, las multinacionales por un lado, donde no se ve hace unos años una apuesta a nuevos intérpretes y la otra la parte independiente, que muchas veces desde lugares equivocados se aíslan y no se integran a un ecosistema que es el de interactuar, digo sello-artista. 

El músico sólo piensa en su instrumento, en la composición o el arreglo, y eso muchas veces no le permite la gestión en otras áreas que son fundamentales, nosotros en este  momento hace ya varios meses estamos trabajando en conjunto con Ignacio Montoya Carlotto, su disco es el primero del sello. 

El trabajo es en equipo, eso lleva a un diálogo permanente en forma diaria y no descuidar ningún detalle, eso es interactuar sello-artista, contener al músico y nosotros recibiendo sus inquietudes y necesidades, siempre desde la lógica, llevo muchos años en esto y he visto muchos errores desde los artistas. La tarea no es fácil, pero trabajar en equipo para nosotros es primordial.

IDJ.¿Como ves el mercado del jazz y ese vagón de cola que arrastra tras de sí otras propuestas alternativas, a la hora de producir un artista ?

El mercado en general es complicado para todos los géneros musicales, por distintos motivos, nosotros desde el sello no estamos etiquetando cada propuesta en cuanto al género, es música. Como decía antes a la hora de producir un artista debe estar todo muy claro, qué hacer y cómo hacerlo y cuál es el objetivo final. 

El hecho de producir implica también la aceptación por parte del músico a que no trabaja solo y que hay una dirección en todo, muchas veces vemos que en tal disco está el tema porque “me gusta”, ahora, sabe el artista si está en condiciones de tocar o cantar tal tema????. Esa es la tarea de producir, aceptar esto sí y esto no.

IDJ.¿Te asesoraste con especialistas a la hora de delinear el proyecto, teniendo en cuenta los embates económicos actuales? 

Los embates económicos están siempre, por un motivo o por otro, siempre y en todos los caso si hay que preguntar lo hacemos, la consulta nunca está demás. La experiencia y el sentido común sumado al conocimiento del mercado nos lleva a tomar una posición en cuanto que producir y luego como editarlo, en una economía tan inestable es fundamental alinear la producción a costos viables y no hacer ediciones con costos irrecuperables o que te comprometan económica y financieramente, más teniendo en cuenta cómo son los retornos en cada caso.

IDJ.¿Te ves más como productor o como editor?

En mi caso particular me veo más como editor y me gusta mucho esa tarea, poder estar comprometido desde el inicio de cada obra es primordial y de gran enseñanza a cada paso. Con el tiempo vas creciendo y desde el diálogo y el trabajo todo se va perfeccionando, hace dos años con Néstor estamos elaborando este proyecto, algunos pensamientos de los inicios ya no están, el proyecto en sí fue madurando y creciendo sin tener ningún disco editado, eso nace del compromiso y el hecho de perfeccionar una idea.

IDJ.¿Con el revival del vinilo está la idea de editar en este formato?

Por el momento no lo  tenemos en carpeta, pero sabemos que en algún momento será un tema a tratar, debemos adaptarnos a todas las circunstancias y responder la demanda del mercado. No le cerramos la puerta a nada ni a nadie, todo se conversa y evalúa para ver si está dentro de las posibilidades de edición.

ENTREVISTA: RODRIGO AGUDELO

Las transiciones de un disco a otro suelen  provocar músicas llenas de interés. Rodrigo Agudelo crea el espacio idóneo para la continuación de “La Salamanca” y su testimonio junto al gran Adrian Iaes, “Como si te estuviese viendo”; y nos prodiga en esta nueva producción: “Aeronautas”;  un registro cuyas fronteras están dentro de la música contemporánea, desde composiciones que hablan a las claras de la superación de su talento y creatividad.

Con la participación internacional del baterista Rudy Royston, un fuera de serie que suma fluidez mercúrica desde la batería, el resultado deviene en una forma de abordar el trabajo que es interesante, junto a un grupo que ha sabido acoplar  a un carismático de los tambores sin perder su singularidad. 

IDJ. Las composiciones transmiten una energía mayormente calma, contenida, no hay desbordes, o experimentaciones de ácida vanguardia e intuyo que fueron muy craneados.

El caso de “Liviandad” o “Pedra Da Lua”, temas hermosos que dejan  un sabor de boca cálido, que se mecen sobre una línea de bossa nova. ¿te influenció la música de aquel País?

Sí, la melodía y el lirismo para mí son fundamentales, incluso en temas rápidos como Bohemia o Peixe, las melodías intentan ser “cantables” o simples de escuchar. LA música brasileña me influnció (y la estudié) mucho en los últimos años, particularmente la música de Minas Gerais, y también la de Guinga, y por eso incluí una música de él y del mineiro Toninho Horta en el disco. En Liviandad encontré un sabor más litoraleño quizás, hay un poco del Negro Aguirre ahí. Es una influencia que estoy explotando más en el último tiempo.

IDJ. Hace largo rato que la palabra “jazz” resulta extraña cuando se escuchan algunas de las músicas que agrupa. Parece que entraran varios tópicos que ni fu ni fa, solo con un pretendido alo de una modernidad engañosa. ¿Cómo te llevas con esa diversidad, como oyente ?

La música que más me gusta es la que suena auténtica, la que tiene un paisaje; y la que no trata de llamar la atención forzosamente; puede ser simple o muy compleja. Jazz puede significar muchas cosas, y capaz algunos críticos o curadores de festivales encontraron que ponerle jazz a cualquier banda “música rara” les cerraba, es difícil lidiar con las etiquetas, a nadie le gustan, pero a veces son necesarias. Yo no me siento ni tradicionalista ni vanguardista, y a la vez me llevo bien con los dos mundos. 

Me siento totalmente identificado con el mundo del jazz y siempre lo defiendo, pero si alguna música está desplazando al jazz de los mismos festivales y sellos discográficos de jazz debe ser porque algo no debemos estar haciendo tan bien. Hay muchísimo jazz de mala calidad también, de eso tenemos que hacernos cargo.

IDJ. El tocar en vivo ¿ayuda realmente a poner en perspectiva aspectos, que quizás no aparecieron en el estudio?

Sí, por supuesto, la música que escribo no es fácil, y va ganando soltura con los conciertos, aunque en el estudio se dio una concentración y una fluidez muy particular que puede ser difícil de igualar. Estábamos todos muy felices de grabar esta música en esas condiciones óptimas.

IDJ. ¿Con que músico te sacarías las ganas de tocar, internacional o local ?

Son literalmente cientos….Hoy por hoy te podría decir Guillermo Klein y Miguel Zenón, no sólo porque los admiro sino porque me identifico con su música, Zenón sería el caño perfecto para mis temas, y Klein es una gran influencia a la  hora de escribir, y conceptualmente como percibe la mixtura entre el jazz, lo académico, lo latinoamericano y la forma canción, es algo con lo que me siento muy identificado.

En el plano local hay un talento y unas ganas enormes, pese a las dificultades, y he tenido la suerte de tocar con la mayoría de los músicos locales que admiro, aunque sea una vez. Siempre quedan algunos pendientes, como Diego Schissi, Richard Nant, Mono Fontana, Mariana Carrizo, Luis Agudo o Leo Genovese; aunque uno todo el tiempo descubre nuevos talentos o gente muy joven que te puede enseñar mucho.

IDJ. ¿ Imaginas que el público tiende a abrir más sus mentes en un concierto, pese a los tiempos que corren de bombardeo virtual permanente?

Sin duda, creo que todos se dan cuenta que la experiencia real es más rica, te hace sentir más vivo, cuando vas a un concierto, o al teatro, o a ver danza; trato de hacerlo lo más posible. La gente siempre te agradece después de un concierto, se acercan, preguntan; en los último años le doy más importancia a ser más comunicativo tocando, entender que la música es de todos, el que toca y el que escucha.

A veces los músicos de jazz nos quejamos del limitado público que hay en nuestro medio, pero debemos entender que nuestra ciudad tiene una oferta cultural enorme, en cuanto a teatro, música y danza se refiere. Y hay ofertas culturales y públicos para todos los gustos, a pesar de la situación socioeconómica del país. 

IDJ. ¿Que valoración le das a la nueva generación de jazzmen locales? Sigue creciendo la escena a pasos de gigante.

Sí, no se puede creer. Y se está dando más intercambio generacional. La carrera de Jazz del Manuel de Falla y el Festival de Jazz de Buenos Aires creo que fueron clave en el desarrollo de las últimas generaciones, incluída la mía. Hay mucho más intercambio con músicos de afuera también gracias al festival y a la carrera. Lo que falta aún es la articulación con el mundo profesional, todavía no se valora al músico profesional como en otras grandes ciudades del mundo.

IDJ. En este momento de tu vida: ¿Estás donde queres estar?

No me puedo quejar para nada. Tengo trabajo, puedo dedicarme a mi música, y comparto con algunos de los mejores músicos del país, toco con amigos, y estoy en una etapa donde disfruto mucho todos los conciertos. De a poco, cada año que pasa siento que voy ampliando mis horizontes, que toco con más gente, en más lugares, a paso lento pero seguro. Uno como músico siempre está “en construcción”, profundizando en su instrumento, o buscando su voz como compositor, eso trato de no perderlo de vista nunca; la música es implacable en ese sentido, si no le dedicás mucho tiempo, te lo hará saber.

IDJ. ¿Contanos cuando y donde sacas de paseo a: "Aeronautas"?

Sigo presentando el disco el Sábado 4 de Mayo, 21hs en Capital Federal, en Borges 1975 Bar –el nombre es la dirección misma del lugar-, un muy lindo local con un excelente piano, en pleno Palermo. Con Sebastián de Urquiza (de vuelta de su gira europea) en contrabajo, Carto Brandán en Batería, Joaquin Sellán en Piano, e invitada especial Mariana Iturri en voz y flauta.

IDJ. Allende este presente ¿Que proyectos hay a futuro?

Este año estaré muy activo con Aeronautas, seguramente grabe un nuevo disco a fin de año..También tengo varios grupos colaborativos con los que saldrán discos este año. El primero, que sale en abril seguramente, es el String Triory, con Jerónimo Carmona en contrabajo y Marcelo Lupis en violín y voz. Es un proyecto inclasificable, no tiene batería,  e igual confluye el rock, el jazz, la canción, y lo camarístico. Seguiré trabajando con dos tremendas cantantes y compositoras: Eleonora Eubel y Mariana Iturri; grabaremos el trio junto a Fefe Botti y Maia Acosta; hay un disco por salir del baterista rosarino Luciano Ruggieri; hay planes de volver a Brasil a tocar con músicos de allá; y seguir produciendo disco de artistas que es una actividad reciente que me ha dado bastante satisfacciones. Por supuesto la enseñanza, actividad que llevo adelante hace más de 15 años.

Discografía:

Rodrigo Agudelo & La Salamanca [2013]

Como si te estuviese viendo - Adrian Iaies & Rodrigo Agudelo [2016]

Rodrigo Agudelo - Aeronautas 2018

© Impronta de Jazz 

ENTREVISTA: RAFAEL DELGADO

Quizás si nos dicen de repente el nombre del músico a quien entrevistamos, no sea familiar al oído del oyente avezado. Pero si recalamos en la excelente presentación del cd y escuchamos su música que parte de un instrumento, un poco ajeno al jazz y que su sonido está más anclado en las músicas europeas, el violoncello de 4 y 5 cuerdas, puede dejar de ser una mera anécdota para convertirse de la mano de Delgado en sinónimo de entrega, pasión y disfrute. 

IDJ. ¿Cómo te iniciaste en la música?

RD. La música me acompaña desde pequeño. En casa siempre hubo música y tuve la suerte de tener una familia permeable a mis inquietudes musicales. Para formarme estudié violonchelo en el Conservatorio Nacional de Música de Perú, en ese momento dedicarme a la música era una entre otras posibilidades, pero cada vez iba tomando más fuerza. Luego proseguí con los estudios de violonchelo clásico en Buenos Aires el Conservatorio Nacional "Carlos López Buchardo", hoy Universidad Nacional del Arte. 

IDJ. ¿Porque el violonchelo, como medio de expresión de tu arte ?

RD. Bueno, el violonchelo es un instrumento que adoro, y durante todos los años de formación se produjo una simbiosis entre el instrumento y yo. Pienso que busco una manera de sonar con y desde el chelo, aprovechando su registro grave y profundo, sus melodías agudas cantábiles, así como todas sus posibilidades armónicas y percusivas. Por eso el nombre del disco es un neologismo divertido que significaría algo así como “autorretrato desde el chelo”. 

IDJ. ¿Cuanto hay de la música de tu país en tu propuesta?

RD. Aun llevando adelante una intensa carrera en la música clásica (Trío Sine Nomine, Cuarteto de la UCA, Orquesta de Cámara Mayo, Orquesta Sinfónica Nacional, Orquesta Estable del Teatro Colón) nunca perdí de vista mis raíces en Perú y siempre tuve la inquietud de hacer música popular con el violonchelo. Una de mis primera experiencias fue con el Free Jazz, a los 15 años en Perú junto al “Ensamble 1” del guitarrista Andrés Prado, el trompetista Gabriel Alegría, y el pianista José Luis Madueño, referentes actuales del Jazz afroperuano. 

También estudié los aerófonos andinos, y la guitarra criolla peruana. Toda esa información genética se ha ido decantando hacia una búsqueda de un sonido más ágil y con articulaciones percusivas propias de la música popular latinoamericana. Uno de los músicos que más me ayudó a encontrar esa sonoridad desde el violonchelo en la música afroperuana fue el guitarrista peruano radicado en New York, Yuri Juarez, autor de “Cántelo Usted”. Además incluí un landó de mi autoría “Redial”, “Casinos de Chincha” un festejo del guitarrista Leandro Cacioni, y “Fuego disimulados” un landó de la compositora Olga Milla en el que tuve la suerte de con mis amigos del Quinteto de Tango La Grela junto a Mario Gusso en percusión. 

IDJ. Hay una relectura de uno de mis grandes héroes, Pat Metheny, enorme melodista si los hay. ¿Que te llevo a elegir un tema de él ? 

RD. Siento que un disco es un trabajo de introspección desde adentro de uno mismo hasta llegar a sus propios bordes, y en esa búsqueda surgió el deseo de realizar un tema a muchos violonchelos sobregrabados, algo imposible de realizar en un show en vivo, pero real en estudio. Deseaba realizar, un homenaje a Heitor Villalobos y sus bellísimas Bachianas Brasileras 1 y 5, en las que aprovecha el inmenso registro de más de cuatro octavas del violonchelo en ensamble a ocho voces. 

Junto a Mariano Agustín Fernández, productor musical del disco, exploramos muchos temas, y los íbamos descartando porque no alcanzaba la profundidad de lo que buscábamos. En un momento surge la conversación sobre la obra programática “O Trenzinho do Caipira” de Villalobos que yo amo desde niño, y casi sin darnos cuenta linkeamos con Last Train Home, y estuvimos de acuerdo en que no solo era un tema perfecto para esta exploración, sino que además llevaba el disco más allá de sus propios bordes, como buscando nuevos territorios para explorar. 

IDJ. Hay un cliché que reza que para todo artista cada disco es como un hijo y más si es un debut, como tu caso. ¿Quedaste conforme tanto con la música como con el objeto físico, que te soy sincero es un lujito? 

RD. Veo el disco y me emociona, pero además de conforme, te diría que estoy agradecido. Son muchas las personas que han participado en el resultado final del disco y cada una fue aportando su saber y su cariño. El disco físico se está volviendo un objeto de culto, y como tal pienso que debe representar un valor en sí mismo, ya que cualquier oyente va a poder acceder en las redes a la música del disco, pero descontextualizado, sin ninguna referencia simbólica. Junto Mariano Agustín Fernández (productor musical) buscamos un sonido particular con el chelo como protagonista principal, acompañado de muchos músicos amigos que aportaron con su arte a una gran riqueza de texturas, timbres y colores. Quiero destacar especialmente a mi compañera, la flautista Victoria Polti, quien tiene un papel fundamental en todo el disco. 

El broche de oro estuvo a cargo de Andrés Mayo en el mastering, que hizo un trabajo impecable, para poder escuchar el sonido con la más alta calidad en cualquier plataforma. Pero además de la búsqueda musical buscamos que el ojo de Leticia Fraguela nos brindara su propia visión fotográfica de la belleza de las formas de ambos violonchelos, al aire en el interior de la gráfica, pero ocultos en la tapa. A su vez, Angelina Fernández aportó a la delicadeza del diseño con un arte de tapa que invita a descubrir que hay dentro de esos estuches. Aunque no se ve en el disco, de alguna forma también forma parte la directora de cine Yael Szumeliwicz que fue determinante para llevar a la imagen el delirio de los seis cellos sonando simultáneamente, como un viaje astral imposible en el que me desgloso en mis múltiples personalidades musicales. 

IDJ. ¿Existe un jazz Latinoamericano donde también confluyen las genéricamente llamadas músicas del mundo? 

RD. Por supuesto que sí. Permanentemente insisto en mis alumnos de violonchelo popular en que el Jazz ha aportado muchísimo a la complejización y evolución de los géneros populares tradicionales. En ese sentido parte de mi búsqueda tiene que ver con el desarrollo del jazz afroperuano, y las armonías que utilizo en mis propios temas se remiten a ello. 

IDJ. Participaste en varias producciones de otros artistas. Sin desmerecer a nadie, si tuvieras que elegir cual fue la que más te marco, como músico cual sería. 

RD. Efectivamente, he participado en muchos proyectos, y siento que me han marcado más aquellos en los cuales pude intervenir como arreglador, compositor u orquestador, ya que me permitieron encontrar una manera de sonar, una personalidad desde el chelo. Sin embargo debo retrotraerme a mi adolescencia, a la primera orquesta en la que participé a los 12 años, la “Camerata de Lima” donde descubrí el amor por la música. Esa experiencia fue determinante para decidir dedicarme a la música. 

IDJ. ¿Te consideras más un intérprete o un compositor? 

RD. Que difícil. La verdad es que no me lo planteo, es un hecho que va sucediendo. Por lo general, recurro a la deconstrucción de las piezas que estoy estudiando. Es un proceso de apropiación, mediante el cual extraigo células rítmicas, patrones melódicos, exploro timbres y texturas. No suelo tocar la música tal cual me la escriben, aunque lo puedo hacer, intento encontrar una manera personal de interpretarla, como encontrar su esencia desde mi forma de tocar. En ese proceso hay elementos que me atraen y los voy transformando en otros. A veces los cambios son tan notorios que dejan de remitir a la fuente original y cobran entidad propia. Estos esbozos de temas son el germen para futuras composiciones. 

IDJ. ¿Qué sigue después de Chelfie 1 - Territorios ? 

RD. Espero que después de CHELFIE 1 - Territorios, sigan varios Chelfies más. Durante el proceso de grabación del disco me surgieron varias ideas, en principio me gustaría hacer un disco en el cual se aborde el chelo aún más desde el ritmo, recurriendo a patterns, a la manera de los paradiddles. Otra idea es hacer un disco con diferentes cantantes invitados, en el cual el chelo vaya a la par de la voz como un cantante más. También está en vista el disco del Dúo Polti Delgado, junto a Victoria Polti.

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ENTREVISTA - MICHAEL SARIAN

FECHAS

ENTREVISTA - JUANI MENDEZ

Con un comienzo prometedor con “Diez Construcciones Fáciles” y en un intento de ahondar en la profundidad de esta música, el entrevistado pasa a una segunda etapa en su joven carrera con su nuevo disco “Otra Parte Del Todo”.

Docente y compositor oriundo de San Nicolás en la Provincia de Buenos Aires, su música expresa el respeto y la convicción que posee por el jazz y por su música en particular. 

Como aperitivo para escuchar e indagar sobre su propuesta, entrevistamos al músico que ha sido sideman de otros artistas y en la actualidad integra todo ese aprendizaje en su carrera solista, intentando como tantos otros dar nuevos pasos desde un lenguaje que busca nuevos tratamientos para sacar afuera la voz propia.

IDJ. ¿Cómo nace tu afinidad con la música?

J.M. No recuerdo un punto inicial preciso. Sí tuve siempre una sensibilidad para apreciar el arte en general. De muy chico me relacioné con el dibujo, la pintura intermitentemente, abandonando y retomando, pero con la música me encontré más grande, ya más decidido y pensando más a largo plazo.

IDJ. ¿El músico nace o se hace?

J.M. En mi caso particular, uno se va formando todos los días, pero sólo puedo responder por mi, no creo que seamos todos iguales. Por ahí algunos ya nacen hechos. 

IDJ. ¿En qué percibís que has evolucionado y crecido desde que empezaste este camino como profesional?

J.M. En lo estrictamente técnico y profesional, crecí un montón y lo sigo haciendo todos los días. Pero también, el arte me ofreció un desarrollo filosófico y humano que está en constante evolución.

IDJ. ¿Cuáles son los rasgos que más te provocan sorpresa en tu escritura? 

J.M. Una de las cosas que más me divierte, y que eventualmente me puede sorprender es la reinterpretación del los materiales, es decir, así como una palabra puede tener varios significados, cualquier material musical puede resignificarse y hacerse propio en diferentes contextos. 

En cuanto a los métodos, me sirve mucho concebir los componentes por separado, así escribo ritmos, melodías, progresiones armónicas que después me sirvan para un posterior desarrollo.

IDJ. “Otra Parte Del Todo”, ¿Es una continuidad? ¿Un camino de búsqueda? ¿La reafirmación de un estilo? 

J.M. Es la continuidad y desarrollo de "Diez Construcciones Fáciles".

IDJ. Soy un convencido que el riesgo hace al músico de jazz, ser lo que es o tiene que ser por sobre otros, en cuanto al objetivo de buscar su propio cantar. ¿Qué opinas sobre esta cuestión?

J.M. El riesgo dentro de la interpretación para mí tiene que ver con la situación de la improvisación y la manipulación de la música en tiempo real. Ya sea con relación a los materiales que uno mismo va desarrollando o con el material que va brindando el resto de los músicos. El riesgo tiene que ver, me parece, justamente con la interacción dentro del grupo a la hora de estar tocando. A veces se logran resultados muy lindos, con mucha frescura y vuelo. 

IDJ. ¿Tiene sentido - y de haberlo, cual sería - hablar de un jazz de raigambre local? ¿Es una alternativa sólida o ya es un hecho en sí mismo? 

J.M. Sí, creo que ya existe una continuidad en el tiempo, una escena y una cantidad de material suficiente que lo justifica. 

IDJ. Las presentaciones en vivo; ¿Te ayudan a poner en perspectiva la búsqueda de tu estética y afianzar la mirada dentro de la joven camada de jazz local?

J.M. Las presentaciones en vivo son todo. Es el momento que siempre más estoy esperando, siempre son únicas e irrepetibles. Poder jugar con todo lo que venís trabajando individual y colectivamente es de lo que más disfruto, sobre todo, con los músicos que me acompañan. Y, por su puesto, hacerlo para que el público lo pueda disfrutar es doblemente gratificante.

IDJ .Como oyente: ¿Cuál es el mejor concierto que recordás y cual el peor?

Entre los buenos, creo que no hubo uno sólo. Me acuerdo de uno increíble que fue el de Dr. Lonnie Smith en el Bric Jazz festival del 2015, también el trío de Barry Harris en el Village Vanguard. 

En cuanto al peor, directamente no lo registro. Seguro que fue tan malo, que ya ni me acuerdo. 

IDJ. La mayoría de los jazzmen prefieren tocar en lugares más bien pequeños o íntimos, de un tiempo a esta parte sin el humo de antaño. ¿En donde te sentís, mas a gusto en escena; en el espacio reducido con distancias cortas entre público y músicos o en el gran teatro?

J.M. Cualquier situación en la que esté conectado con la música. No creo que dependa sólo del lugar o la cantidad de gente. Sin embargo, siempre me gusta tocar para mucha gente.

IDJ. ¿Estás satisfecho con el resultado del disco?

J.M. Si, estoy muy satisfecho. Sería imposible no estarlo teniendo en cuenta el grupo de gente que me ayudó a concebirlo. Los músicos son increíbles - Ernesto Jodos en piano, Mauricio Dawid en contrabajo y Sebastián Groshaus en batería - , realmente siempre pusieron lo mejor de sí mismos para que esta música suene realmente en serio. También los técnicos que lo grabaron, los diseñadores gráficos hicieron un trabajo muy fino y con mucha entrega. Sumamente satisfecho y agradecido con todos ellos. 

IDJ. Musicalmente hablando, dentro de 50 años, ¿cómo te gustaría ser recordado?

J.M. Pienso estar vivo y tocando dentro de 50 años, asi que nada de recuerdos jaja!

Discografía : 

Diez Construcciones Fáciles (2014) - Kuai Music
Otra Parte Del Todo (2017) - Kuai Music

© Impronta De Jazz

DOMINGO 10 de SEPTIEMBRE

20 hs

En el ciclo "Tertulias de Domingo"

en CASA BRANDON -  

Luis María Drago 236, Villa Crespo, CABA

Entrada: $120 /  Entrada + Plato de Comida: $200 

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JUANI MENDEZ CUARTETO

Juani Mendez: saxo y composiciones

Pablo Raposo: piano 

Mauricio Dawid: contrabajo 

Sebastián Groshaus: batería.

En esta oportunidad, Juani Mendez presenta su flamante álbum, "Otra Parte del Todo".

ENTREVISTA - MATTHEW GOLOMBISKY - 2º PARTE

IDJ. Hay muy buenas tapas, “front cover” como se dice en tu país, me gustaría pasar por mis manos la de Charles Rumback, una de las mejores o la de Paul Dietrich, gran trabajo por cierto. Completando la pregunta anterior y en el mismo sentido:   

¿Qué tipo de estilo buscas para complementar la música desde lo visual?

Las tapas y empaques cambiaron durante la vida de ears&eyes. La palabra “eyes” (“ojos”) se refiere al arte, ya que la parte visual es muy importante también. El sello no tiene un estilo específico como ECM, hay muchas diferencias entre nuestras tapas. Para mi es muy importante que el arte pueda “decir” algo sobre la musica; que esten juntos con un mismo objetivo: que sea una representación de la música, como el arte del álbum Tall Tales de Jon Deitemyer en el que sus canciones se escribieron en base a sueños.

En e&e, ponemos mucho tiempo en el arte. En los primeros años, muchos lanzamientos tuvieron tapas pintadas a mano, o con tela cosida, o con origami. Ahora estoy trabajando mucho con artistas de Buenos Aires para hacer las tapas y el arte: Federico Maksimiuk, Magdalena Fumagalli,, Luke Etcheverry, Ailim Melillan; fijate las tapas de Dedicated, True North, Live at The Green Mill, Tall Tales, By A Thread, y/o Gustav 29 Hanna Concerto, por ejemplo.

IDJ. ¿Sos ahora más productor que contrabajista?

Esa es una pregunta difícil. Es verdad que en el pasado tocaba todas las noches de la semana y hoy en dia esa frecuencia es mucho menor. Pero no he dejado de tocar, componer, y armar shows. En Agosto de este año tengo un lanzamiento propio y voy a tocar en diferentes partes de EEUU. Pero en general, es verdad que ahora estoy trabajando mucho mucho más con ears&eyes...todos los días estoy haciendo cosas para ears&eyes!

IDJ. Hay conformismo de algunos de tus pares americanos en no salir a mirar de que va la cosa en otros lugares del mundo y compartir saberes, experiencias o zapadas (JAM en Estados Unidos)

No si es verdad. Pensando en lo que más conozco, a Chicago y sus músicos, veo que hay mucho “crossover” no solo entre estilos de música, como músicos de jazz colaborando con músicos de rock/ruido, sino también entre ellos y, por ejemplo, músicos europeos. De hecho, hay festivales dedicados a traer músicos desde Europa para generar esas colaboraciones, festivales enteros! Creo que hoy en día, por esta era de internet y la tecnología digital, el mundo es mucho más pequeño y cualquier persona puede aprender cualquier cosa que se proponga y todos eventualmente pueden hablar el mismo “idioma” lo que hace las colaboraciones más fáciles y divertidas.

IDJ. ¿Influencias que te hayan marcado como músico?

Cuando tenía 10 años, empecé a tocar cornet (trompeta) y despues compre y aprendí a tocar el bajo eléctrico. Desde el principio fui muy fan del metal y me encantaba Nirvana, Metallica, Living Colour, KMFDM, Faith No More, Primus, Infectious Grooves, and NIN. Más adelante me enamore del metal escandinavo; algunos álbumes importantes para mi fueron Orchid de Opeth, Brave Murder Day de Katatonia, Rain Without End de October Tide y The Jester Race de In Flames.

En la secundaria, deje la trompeta y empecé a tocar el bajo en la big band del colegio. Me enamore del jazz. Tocamos mucho Count Basie y Duke Ellington. No me enamore del jazz por el jazz en sí, sino por la libertad que me daba, el requisito de la creatividad. Después de crear mis propios sonidos y aprender teoría de escalas y acordes, me fascinaba que podía tocar la misma canción una y otra vez, y tocarla de manera diferente expresando diferentes ideas y/o sentimientos cada vez. De eso fue de lo que me enamore, del proceso creativos. 

Mi primer disco de jazz fue Volume 1 de Miles Davis. Después, en la universidad (1997-2001), me cruce con otros discos que me resultaron super intrigantes como Miles Smiles, My Funny Valentine ('64) de Davis, A Love Supreme, Giant Steps, Juju de Wayne Shorter, Bitches Brew, and In A Silent Way. Ornette Coleman, su estética y música, especialmente con Charlie Haden, Don Cherry y Blackwell/Higgins, me volvieron loco. Por lejos, Charlie Haden se convirtió en mi mayor influencia e inspiración como músico! Compre todo Montreal Tapes de Haden inmediatamente después de escuchar el de Cherry y Blackwell! También me interese muchísimo en Mingus, Monk, Charles Lloyd, Jim Hall, Brad Mehldau (me enamore de vuelta, esta vez con Larry Grenadier), Brian Blade Fellowship, Drew Gress, Eric Dolphy, Dave Douglas, Kurt Rosenwinkel, Paul Motian, Lee Konitz, Chicago Underground Duo, Sex Mob, Isotope 217, el “nuevo” cuarteto de Wayne Shorter en 2001, y más. 

Pero también algo muy importante durante esta época fue el descubrimiento de Steve Reich, Stravinsky, Bartok, Rachmaninoff, Ralph Vaughan Williams, y Debussy. Tuve la suerte de que, aunque estaba estudiando Jazz como carrera de grado, gracias a un gran profesor, Dr. Joyce Dorr, mi universidad requería el estudio de no solo historia de la música y clases de teoría, sino también clases de música clásica del siglo XX. En lugar de lecciones de bajo, por un año, tambien tome clases de percusion afro-cubana y me interese muchísimo en Cachao, así como tambien bossa nova de Brasil. 

Una vez graduado, me mude a New Orleans donde pude explorar nuevas ideas con muchisimos musicos de mi estilo, para remarcar Will Thompson, Quin Kirchner, Matthew McClimon, Robin Boudreaux, Milton Villarrubia, Simon Lott, y donde pude escuchar (y también tocar con) personas como James Singleton, Tim Green, Ed Petersen, Rob Wagner y Johnny Vidacovich. Formábamos bandas y tocabamos de manera libre por horas, escribiendo temas, saliendo de gira, y realmente encontrando posibilidades en nuestra música con nuestras diferentes personalidades e historias. 

Durante este tiempo, desde el punto de vista de jazz/clásico, escuchaba mucho al Esbjörn Svensson Trio, Nils Petter Molvaer, Erik Truffaz, Gavin Bryars, Ben Monder, Jim Black, Kornstad Trio, Jan Garbarek, John Hollenbeck, The Bad Plus, Skuli Sverrisson, Hamid Drake, William Parker, Cinematic Orchestra, Tony Malaby, Ken Vandermark, Arvo Pärt, Henryk Gorecki, y Richard Wagner.

También obtuve mi Maestría en composición (clásica) con uno de los profesores más importantes que tuve, Dr. Jerry Sieg. Después de varios años en New Orleans y después del huracán Katrina, me mudé a Chicago lo cual fue una experiencia increíble que me permitió experimentar aún más, en una comunidad de músicos excelentes y con una audiencia muy abierta a escuchar cosas nuevas y lejanas a la norma.

IDJ. ¿Qué música escuchas por puro placer?

Depende del dia y de la hora! Siempre estoy buscando música nueva, pero ejemplos recientes que no son jazz son: Phoenix, Bonobo, Matthäus, Good Kids, Major Player, Tortoise, Bells Atlas, Radiohead, Sufjan Stevens, In Tall Buildings, Fell Runner, Moongriffin, Jamiroquai ...

IDJ. ¿Qué otras formas de arte llaman tu atención? 

Me encanta la literatura, soy fan de las obras clásicas como Kurt Vonnegut y Joseph Keller. También me gusta mucho el arte visual, específicamente estilos como expresionismo abstracto, expresionismo, surrealismo, y puntillismo.

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ENTREVISTA : MATTHEW GOLOMBISKY - 1º PARTE

Contrabajista y fundador del sello discográfico “Ears&Eyes Records”, originario de la ciudad de Hillsborough en tierras de Trump, vivó en varias ciudades de aquel país hasta  afincarse en su destino actual: Buenos Aires. 

Padre de familia, desde hace un tiempo, que pasea su vida en esta parte del mundo y se da tiempo para todo, tirando los mejores cortes a la parrilla. 

IDJ. Cualquier argentino, te diría ¿qué haces acá?, cuando naciste en el primer mundo y más con una profesión que quizás por cantidad de habitantes y de ser el centro del mundo, tendrías mucho más trabajo. De hecho New York lleva por sobrenombre: "La Ciudad de los músicos".

¿Cómo llegaste por estos caminos y cuáles serían las ventajas y desventajas de hacer y producir jazz desde acá con respecto a hacerlo en Norteamérica?

A fines de 2008, tuve el impulso de mudarme a un país nuevo y probar algo diferente. En su momento vivía en Chicago, tocaba, componía y creaba conciertos y giras con mucha gente asombrosa pero pensaba que si no viajaba en ese momento, tal vez no iba a poder hacerlo nunca. Mi primera idea fue ir a Praga o Berlín porque conocía de haber tocado en Berlín en 2005.

También porque se un poco de francés y alemán, y me gusta la región en general. Pero fin de año en el hemisferio norte es invierno, así que Alemania y República Checa no es tan agradable. No es tan frío como Chicago donde son meses y meses de nieve, pero la verdad es que prefería irme a algún lugar con sol y calor! Un amigo me contó que Buenos Aires era re lindo con buena gente, comida rica y re copado. 

Busque algunas cosas en la web y me decidí! No sabía español, excepto algunas palabras como “hola, adiós, uno, dos, tres, cuatro, salsa, taco, quesadilla, burrito, etc”. Igual, averigue sobre Buenos Aires y dije, creo que es un lugar que voy a disfrutar mucho. Vendí mis cosas (menos mis bajos y libros de música), compre un pasaje a Bs.As, alquile un cuarto en un departamento en Boedo, y me vine con una valija y un bajo acústico, nada más.

No conocía nadie y no conocía la ciudad. Durante las primeras semanas estuve sin reloj, celu, ni acceso a wifi/internet y no podía charlar con nadie del barrio, tampoco mi roomate. Tengo muchas historias sobre esas primeras semanas pero bueno, vamos a seguir. Para acortar la historia larga, conocí una chica muy perfecta para mi, nos enamoramos, y pensé en quedarme en Bs.As, pero ella consiguió una beca para estudiar en EEUU. Entonces volví a EEUU por tres años y, después de ese tiempo, volvimos a Bs.As y hace ya 4 años que estamos acá.

Actualmente mucho de mi trabajo es online. Puedo charlar con artistas a través de Google Hangouts y/o FaceTime. No estoy teniendo que buscar nuevos artistas porque muchos de mis amigos y su entorno en Chicago ya conocen ears&eyes. Por eso, muchos lanzamientos de ears&eyes son de músicos de Chicago. También estamos creciendo y tengo lanzamientos de Bélgica y Croacia y además mucho de mi trabajo, como marketing y comunicación con gente de prensa, y la empresa que produce los discos, vinilos, y cassettes, todo es online. Adicionalmente, tengo muchas ganas de trabajar con músicos en Buenos Aires porque hay mucha música muy creativa. Ya estoy en conversaciones con un contrabajista que me gusta mucho, Juan Bayon. Bs.As está lleno de buenos músicos y también sellos, por ejemplo, me gusta mucho el trabajo y los lanzamientos de Kuai Music y Nendo Dango.

IDJ. Manfred Eicher era contrabajista como vos y un día sintió que era más útil del otro lado del vidrio, al lado de la consola. ¿Hay alguna similitud con el hecho que compartís ambas pasiones, como el alemán?

Manfred Eicher es una persona muy importante para la música creativa, linda, nueva y avanzada. Nunca se me ocurrió que mi trabajo es similar al suyo, pero, ahora que lo mencionas, es verdad que ears&eyes está lanzando música creativa, linda etc etc, como ECM. Pero ECM es ECM. Otro mundo! Yo particularmente no diría que he cambiado el lado del vidrio. Actualmente sigo tocando y componiendo mucho; y los músicos de ears&eyes hacen muchas cosas por cada lanzamiento.

Es más como una comunidad. Obviamente mucho de mi trabajo es de preparación para vender los discos online y psíquicamente, contactando prensa, y pensando que podemos hacer para poner la música a disponibilidad en la mayor cantidad de oídos que podamos, produciendo videos, a veces el diseño/arte… es verdad que es mucho. Pero, no me puedo comparar con Manfred Eicher! Jajaja!

IDJ. Estando en Buenos Aires, ¿como contactas a los músicos y le das forma a determinado proyecto?

Como te contaba, suelo usar FaceTime para mis reuniones con los músicos. También, un diseñador de Buenos Aires es quien está haciendo el arte de muchos discos, pero igual estamos en contacto por email y WhatsApp!.

 Para definir si quiero trabajar con un nuevo disco, la música tiene que ser nueva, inspiradora y creativa. Otra cosa en la que siempre estoy pensando es si puedo conseguir prensa, si hay una historia sobre ese disco o el músico. Si no hay historia, es más difícil que los escritores escriban al respecto porque hay mil lanzamientos por semana y tenemos que tener más que solo el audio.

No estoy seguro de esto pero creo que el espacio que tienen los críticos de este tipo de música es cada vez menor así que tenemos que ofrecer no solo buena música sino tambien una historia para contar y cualquier otro tema relevante que el músico pueda ofrecer. También por eso, desde ears&eyes, ofrecemos streaming exclusivos, video premieres, etc.

IDJ. Distribuis el material de manera digital, método que tiene una llegada más directa, sobretodo para quienes difundimos. Y también en formato físico. ¿Como ves el reflotamiento de formatos como el vinilo y el mismo cede en comparación con la marabunta digital que todo lo devora?

Siempre trato que, en la medida de lo posible, e&e tenga algo físico que ofrecer a nuestros fans y seguidores, algo físico que, en teoría, inmortalice esta música. Por supuesto, algunas personas prefieren comprar algo más simple y pequeño, por ejemplo downloads digitales. 

No quiero que esas personas no puedan disfrutar de nuestros lanzamientos. También es fácil ofrecer versiones digitales, entonces, porque no? Otra cosa a considerar es que, y esto es una percepción ya que no tengo información concreta al respecto, muchas veces nuestra audiencia no considera serio un lanzamiento que se realiza solo de manera digital vs algo fisico también. Es como que pensaran, “bueno, si este artista no se dedica lo suficiente a producir algo físico, entonces no debe ser de buena calidad”. Aunque falso, y aunque esta persona compra versiones digitales igual, es una manera de pensar.  Otra vez, solo una teoría pero, por esto, es que tratamos de lanzar discos físicos en la medida de lo posible. Y aun con todo esto, me contradigo a mi mismo porque el último lanzamiento de e&e, Gustav 29 Hanna Concerto, fue solo digital!

Creo que hay aspectos positivos y negativos de la nueva tecnología digital, pero lo importante es que esta acá y puede ser aceptada, ignorada, magnificada y/o manipulada como se quiera. Creo que es una oportunidad y una desventaja. Por ejemplo, hoy en día puedo compartir álbumes con gente de prensa de manera más rápida, fácil y barata. Por otro lado, las personas que decidieron no comprar reproductores de CD, cassette, y/o tocadiscos aun pueden participar de nuestra música. Las personas que deciden tener música disponible cuando salen a correr, tomarse un colectivo, etc pueden participar en lo que estamos haciendo, y eso me encanta.

Pero también creo que muchas personas creen en tener la música en sus manos, y por eso los formatos físicos. Estas personas pueden o no ser conscientes del hecho de que toda su música está en una app o una página y que una compañía, como Spotify, decide si un determinado álbum o artista no genera ingresos suficientes y deciden si lo borran y no lo ofrecen más. Los consumidores de Spotify no participan de esa decisión y son los que pierden. Entonces ser dueño de la música también es importante y nos aseguramos que eso sea una opción para nuestra audiencia. También creo que las personas que escuchan jazz son diferentes a la audiencia típica de, por ejemplo, rock/pop en tanto que nuestros oyentes entienden el tiempo, energía, esfuerzo, costo, y amor que significa convertirse en un músico de jazz competente, y están más que felices de participar en ese tipo de relación, es decir, son más propensos a pagar por la música.

IDJ. Se están viviendo momentos muy productivos en el País en cuanto a jazz local se refiere. Hay sellos, festivales y movidas que van desde el jazz más ortodoxo hasta el free más visceral o la música improvisada.

¿Estás al tanto de lo que se hace puertas para adentro? ¿Qué músicos locales podrías mencionar entre tus preferencias?

Si! Es un gran momento con mucha música nueva, creativa, y excitante. También, hay muchos clubes nuevos que están presentando, en general, arte nuevo. Me gusta mucho el trabajo y música de los sellos Kuai Music y Nendo Dango, los clubs como La Pipa de la Pepa, Café Vinilo, y El Quetzal, el Festival Internacional De Jazz, y músicos como Juan Bayon, Andrés Elstein, Tatiana Castro Mejía, Pablo Motta, Ramiro Flores con su banda El Jardín de Ordóñez, las revistas y blogs como BA Jazz Magazine y ArgentJazz, escuelas gratis como el Instituto de Música y la  Escuela de Música Popular en Avellaneda y hay mucho más! Es verdad que es una época muy importante para Bs. As y la escena de jazz.

IDJ. El sello está destinado a producir nueva música. Si tuvieses que ubicarla estéticamente, ¿En que lugar la pondrías ?

Mi idea siempre es lanzar buena música; debe ser fresca, interesante, intrigante y sincera. Muchos lanzamientos son de jazz/música creativa, pero no todos. Por ejemplo, hay algunas bandas de rock/soul, pop, electrónica y folklore (de EEUU). 

Ears&Eyes Records

© Impronta de Jazz