Aniversarios a toda pantalla 2013

El 13 de febrero de este año que ahora se nos termina celebrábamos el 80 aniversario de Kim Novak, guapísima actriz a la que hemos visto, y admirado, en títulos de la gran pantalla como “Picnic”, “El hombre del brazo de oro”, “Pal Joey”, “Vértigo”, “Me enamoré de una bruja” o “Una vez a la semana“.

Nacida en Chicago, Marilyn Pauline Novak decidía probar suerte en Los Ángeles tras ganar una beca en una escuela de modelos. Felices 80, Kim.

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La versión más clásica de “King Kong”, dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, conmemoraba también su 80 aniversario el 7 de marzo.

Este mítico título llevaba al estrellato a su protagonista femenina Fay Wray, en la última de sus tres colaboraciones con Cooper y Schoedsack tras “Las cuatro plumas” y “El malvado Zaroff”.

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“Pauline en la playa”, delicioso relato cinematográfico magistralmente narrado por Erich Rohmer,  celebraba su 30 aniversario el 23 de marzo.

A la Pauline de esta historia la conocíamos a través de una debutante y encantadora Amanda Langlet, quien volvería a trabajar con Rohmer posteriormente en “Cuento de verano” y “Triple agente”.

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El 9 de abril conmemorábamos el 80 aniversario del nacimiento de Gian María Volonté…

… guapísimo actor italiano que, tristemente, nos dejaba en 1994 no sin antes regalarnos su extraordinaria profesionalidad en títulos cinematográficos como “La chica con la maleta”, “Por un puñado de dólares”, “La muerte tenía un precio”, “La armada Brancaleone”, “Yo soy la revolución”, “Cara a cara”, “Sacco y Vanzetti”, “Crónica de una muerte anunciada” o “Tirano Banderas”. Grande Volonté.

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Título ya clásico de la historia del cine dirigido por Nicholas Ray, “55 días en Pekín” celebraba el 6 de mayo su 50 aniversario.

Elizabeth Sellars, David Niven, Robert Helpmann, Charlton Heston y Ava Gardner, entre muchos otros, formaban el reparto de lujo de esta mítica pelicula.

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El 15 de junio conmemorábamos el 75 aniversario de “Vivir para gozar”, uno de los más deliciosos títulos cinematográficos dirigidos por ese maestro entre maestros que fue George Cukor.

Esta preciosa historia reunía por tercera vez a Katharine Hepburn y Cary Grant tras “La gran aventura de Sylvia” y “La fiera de mi niña”. Y aún nos quedaba disfrutar de esta maravillosa y elegantísima pareja en “Historias de Filadelfia”.

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Con Greg Kinnear celebrábamos el 17 de junio su 50 aniversario.

Aunque había aparecido antes en diversas series y telefilmes de la pequeña pantalla, empezamos a fijarnos en Greg tras encarnar a David Larrabee en el remake a cargo de Sydney Pollack de “Sabrina” y le seguimos viendo después en otros personajes cinematográficos como Danny en “Una sonrisa como la tuya”, Simon en “Mejor… imposible”, Frank en “Tienes un e-mail”…y, cómo no, su genuino Richard Hoover en “Pequeña Miss Sunshine”. Muy felices 50, Greg, y gracias por esa sonrisa.

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El 20 de julio conmemorábamos el 75 aniversario del nacimiento de Natalie Wood, uno de los más bellos rostros de la gran pantalla…

… que ya nos maravillaba de niña en títulos como “El fantasma y la señora Muir” o “De ilusión también se vive”…

… y lo seguía haciendo después en otras películas como “La estrella”, “Rebelde sin causa”, “Centauros del desierto”, “Esplendor en la hierba”… Y, por supuesto, “West Side Story”. Preciosa Natalie Wood.

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“El verdugo” cumplía en este año en el que estamos su 50 aniversario. Presentada entre el 24 de agosto y el 7 de septiembre en el Festival de Venecia, llegaba a nuestras pantallas españolas un año más tarde, en febrero de 1964.

Magistralmente dirigida por Luis García Berlanga, “El verdugo” contaba con un impecable guión de Rafael Azcona y del propio Berlanga basado en una historia de ambos. En el reparto principal, unos extraordinarios Pepe Isbert, Nino Manfredi y Emma Penella. Sin duda, uno de los más imprescindibles títulos de nuestro cine.

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El 21 de septiembre celebrábamos con Joseph Mazzello su 30 aniversario.

Joseph debutaba como actor a los siete años de edad en el telefilm “Abuso a un menor”, apareciendo ese mismo año también a toda pantalla en “Presunto inocente”. Después, llegarían para él otros títulos cinematográficos como “La fuerza de la ilusión”…

… una interpretación maravillosa de Joseph y de Elijah Wood, su también magnífico compañero de reparto; “Parque Jurásico”, “Tierras de penumbra”, otra extraordinario interpretación de Mazzello; “Río salvaje” o “El inolvidable Simon Birch”. Más recientemente le hemos visto también en la serie televisiva “The Pacific”.

Felices 30, Joseph, y gracias por llegarnos al corazón.

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El 23 de septiembre conmemorábamos el 75 aniversario del nacimiento de Romy Schneider, otra de las más bellas actrices de la historia del cine.

Nacida como Rosemarie Magdelena Albach-Retty, debutaba a toda pantalla a los quince años de edad junto a su madre Magda.

Después llegarían para Romy títulos cinematográficos como “A pleno sol”, “Bocaccio ’70”,  “El proceso”, “¿Qué tal, Pussycat?”, “La piscina”, “Lo importante es amar”, “La muerte en directo”, “Testimonio de mujer”… Y, por supuesto, “Sissi”. Maravillosa Romy Schneider.

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“Pesadilla antes de Navidad” celebraba el 9 de octubre su 20 aniversario.

Dirección de Henry Selick sobre una idea y personajes creados por Tim Burton y con el compositor Danny Elfman como la voz cantarina de Jack Skellington, el singular protagonista de esta historia… Pues una película tremendamente mágica, y como no. Y eso sin haber mencionado aún su fabulosa, fantástica animación.

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El 16 de octubre conmemorábamos el 40 aniversario de “Tal como éramos”, otro más que reconocido clásico de la gran pantalla.

Dirigida por un Sydney Pollack de lo más romántico y con una maravillosa banda sonora firmada por Marvin Hamlisch, esta ya mítica película nos contaba una muy romántica historia protagonizada por Barbra Streisand…

… y un Robert Redford tremendamente romántico y, madre mía, tremendamente guapo, sí, lo tengo que añadir, está en mi carácter. Ay, rubio…

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“La zona muerta” celebraba su 30 aniversario el 21 de octubre. David Cronenberg dirigía más que correctamente esta historia basada en la novela homónima de Stephen King…

… y Christopher Walken nos maravillaba, una vez más, a través de su personaje. Durante la película, el personaje que interpreta Christopher aconseja leer la novela de Washington Irving “La leyenda de Sleepy Hollow”. Curiosamente, en 1999, Walken daría vida al Jinete sin Cabeza en  el “Sleepy Hollow” de Tim Burton.

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El 5 de noviembre se conmemoraba el centenario del nacimiento de Vivien Leigh, otra inolvidable leyenda cinematográfica.

Tras debutar en 1935, Vivien nos dejaba maravillosos personajes  a toda pantalla como su Cynthia de “Fuego sobre Inglaterra”, su Scarlett de “Lo que el viento se llevó”…

… su Myra de “El puente de Waterloo”, su Emma de “Lady Hamilton”, su Ana de “Ana Karenina”, su Blanche de “Un tranvía llamado deseo”, su Karen de “La primavera romana de la señora Stone”… Y su espectacular belleza.

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“Las cuatro hermanitas”, primera adaptación cinematográfica de las “Mujercitas” de Louisa May Alcott celebraba el 16 de noviembre su 80 aniversario.

Dirigida por George Cukor, todo un maestro en la materia, esta clásica versión nos presentaba a Amy, Beth, Jo y Meg, las cuatro hermanas March, a través de Joan Bennett, Jean Parker, Katharine Hepburn y Frances Dee, respectivamente.

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El 17 de noviembre “Sopa de ganso” celebraba también su 80 aniversario.

Dirigida por Leo McCarey, esta película hacía la número cinco en la filmografía de Groucho, Chico y Harpo. El público americano había ya disfrutado con estos tres disparatados hermanos en “Los cuatro cocos”, “El conflicto de los Marx”, “Pistoleros de agua dulce” y “Plumas de caballo”.

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El pasado 28 de noviembre se conmemoraba el 90 aniversario del nacimiento de Gloria Grahame…

… otra maravillosa actriz a toda pantalla que nos dejaba para la historia del cine sus impecables interpretaciones en títulos como “¡Qué bello es vivir!”, “Encrucijada de odios”, “Un secreto de mujer”, “En un lugar solitario”, “El mayor espectáculo del mundo”, “Cautivos del mal”, “Los sobornados”, “Deseos humanos”, “Oklahoma!”… Otra leyenda del séptimo arte.

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“La lista de Schindler” cumplía 20 años el pasado 30 de noviembre.

Steven Spielberg dirigía con maestría esta historia adaptada para la pantalla del libro de Thomas Keneally e interpretada en sus principales papeles por Liam Neeson, Ben Kingsley y Ralph Fiennes. Película de calidad redondeada con la magistral banda sonora de un soberbio John Williams.

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Y ayer, 13 de diciembre, celebrábamos el 40 aniversario de la genuina “Amarcord”.

Federico Fellini, no podía ser otro, firmaba la dirección de esta inolvidable joya del cine que contaba con un más que magistral reparto actoral, del primero al último de sus intérpretes. Únicos estos recuerdos de Fellini.

Y con tan extraordinario cineasta ponemos punto y final a este conmemorativo recorrido cinematográfico.

Un tranvía llamado deseo

“Todos nosotros somos gente civilizada, lo cual significa que somos salvajes de corazón pero que somos capaces de observar unas pocas normas de conducta civilizadas”

(Tennessee Williams)

Blanche Dubois llega a Nueva York y, tras coger un tranvía llamado Deseo y cambiar a otro de nombre Cementerio, se instala en el apartamento de su hermana Stella y su cuñado Stanley Kowalski…

Tras ser presentada en el Festival de Venecia, "Un tranvía llamado deseo" (A streetcar named desire) se estrenaba el 18 de Septiembre de 1951.

Magistralmente dirigida por Elia Kazan, esta producción de Charles K. Feldman para la Warner Brothers contaba además con un exquisito guión firmado por Tennessee Williams y Oscar Saul que estaba basado en la obra homónima del primero.

Harry Stradling, Sr., ya reconocido director de fotografía de títulos como “Pygmalion” o “La posada de Jamaica”, dejaba también su impecable huella en “Un tranvía llamado deseo”.

Y la calidad de la película se redondeaba con la lograda banda sonora de Alex North, por aquel entonces nuevo en Hollywood pero ya con un buen número de partituras para el teatro y el film documental a sus espaldas.

Pero la película venía precedida por la representación teatral que se hizo de la obra de Tennessee Williams y que, también dirigida por Elia Kazan, fue estrenada el 3 de Diciembre de 1947 en el Ethel Barrymore Theatre con un total de 855 representaciones. Williams obtuvo por ella el Premio Pulitzer, el Premio Donaldson y el Premio de los Críticos de Teatro de Nueva York.

Cuando la Warner Brothers decidió llevar a la gran pantalla “Un tranvía llamado deseo” pensó, lógicamente, en Elia Kazan como director de la misma.

Sin embargo, Kazan ya había tenido bastante con la obra y no quería responsabilizarse  de su versión cinematográfica. Tan sólo la tenaz persuasión de Tennessee Williams logró convencerle de que era el director idóneo para llevar esta obra a la gran pantalla.

Para el reparto de la película, Elia Kazan decidió contratar a la mayoría de los actores que había dirigido en los escenarios de Broadway. Contó así con tres de los actores principales (Marlon Brando, Kim Hunter y Karl Malden) y con cuatro de los actores secundarios.

La actriz Jessica Tandy había representado el papel de Blanche Dubois en la obra teatral dirigida por Elia Kazan. Sin embargo, la Warner Brothers no la quería para la película porque querían que la actriz principal fuera ya una estrella bien reconocida.

Y, tras desechar a Olivia de Havilland por el elevado salario que pedía, Vivien Leigh se convirtió en la actriz más apropiada con el hecho añadido de haber dado vida a este mismo personaje en las representaciones que se hicieron de esta misma obra en Londres.

Vivien llegaba al rodaje de la película con su papel bien aprendido, pero tal y como la había dirigido en la obra teatral su entonces marido Laurence Olivier. Y esa Blanche Dubois no era exactamente la que quería Elia Kazan.

Cineasta y estrella llegaron, sin embargo, a un mutuo acuerdo cuyo fruto fue una de las mejores interpretaciones en la carrera de Vivien Leigh.

“Vivien se habría revolcado sobre trozos de vidrio si hubiera podido servir para mejorar su interpretación. Me gustaba mucho… y francamente me sentí muy feliz cuando consiguió el Oscar, ya que yo estaba convencido de que se lo merecía”

(Elia Kazan)

Marlon Brando era la elección lógica para el personaje de Stanley Kowalski debido al gran éxito que había conseguido con su magnífica representación en Broadway.

“Kowalski siempre tenía razón y nunca tenía miedo. Nunca vacilaba ni dudaba de sí mismo. Su ego desbordaba seguridad. Y tenía esa agresividad brutal que yo odio. Me da miedo. Detesto al personaje”

(Marlon Brando)

Brando, por su parte, intentaba borrar de la mente del público la identificación que de él habían hecho con su personaje teatral.

Muy afortunadamente para la historia del cine, John Garfield rechazó la oferta de interpretar a Kowalski en la gran pantalla porque no quería ser eclipsado por la protagonista femenina.

Y así fue como el papel volvió a Brando, quien finalmente accedió a interpretarlo en lo que sería su segundo título para la gran pantalla tras debutar a las órdenes de Fred Zinnemann en “Hombres”.

“Es exactamente el personaje que me hubiera gustado crear. Tómenselo como una presunción mía o bien como un homenaje, pero es cierto que cada uno de sus gestos, todo lo que hace, responde a las coordenadas del personaje que tengo en mi cabeza. Brando se convirtió en el mejor Stanley Kowalski que yo podía esperar”

(Tennessee Williams)

Y yo totalmente de acuerdo con Tennessee Williams. El Stanley Kowalski de Marlon Brando es, por derecho propio, una de las mejores interpretaciones cinematográficas de la historia. Sencillamente magistral.

Kim Hunter daba vida maravillosamente en la gran pantalla, al igual que en la obra teatral, a Stella, la hermana de Blanche. Rostro conocido desde su debut en el cine en 1943, la actriz llevaría luego a cabo una extensa carrera en la gran y pequeña pantalla.

Curiosamente, el otro papel por el que será siempre recordada Hunter no es otro que el de la doctora Zira de la saga de “El planeta de los simios”.

Y un extraordinario Karl Malden en el papel de Mitch completaba el cuarteto de protagonistas de esta historia. Malden había debutado en la gran pantalla en 1936 y llevaba ya a sus espaldas títulos como “13 Rue Madeleine”, “El beso de la muerte”, “El pistolero” o “Situación desesperada”.

Tras su participación en la obra teatral de “Un tranvía llamado deseo” redondeó su éxito personal con una interpretación antológica en la película. No en vano se convertiría con el tiempo en uno de los mejores actores americanos de todos los tiempos.

En el verano de 1950 se iniciaba el rodaje de la versión cinematográfica de la obra de Tennessee Williams. Rodaje que comenzó con un enfrentamiento entre Marlon Brando y Karl Malden, quien acusaba al primero de hacer todo lo posible por robarle los pocos momentos de protagonismo que tenía.

Y aunque en un principio Vivien y Marlon no se aceptaron mutuamente en sus respectivos papeles, pronto se hicieron amigos trabajando sin problemas junto al resto del elenco.

De hecho, Brando llegó a cenar una noche con ella y con Laurence Olivier, que se encontraba también entonces en Hollywood rodando “Carrie” a las órdenes de William Wyler.

En la primera colaboración cinematográfica de Elia Kazan con Tennessee Williams (en 1956 volverían a trabajar juntos en “Baby Doll”), los censores del Código de Producción exigieron 68 cambios en el guión cinematográfico con respecto a la obra teatral. Otros tantos recortes pidió la Legión Católica de la Decencia.

En sus memorias, Tennessee Williams escribía que le gustaba la película, pero que había sido empañada por ese “final de Hollywood”.

"Un tranvía llamado deseo” fue galardonada con 4 Premios Oscar: mejor actriz (Vivien Leigh), mejor actriz secundaria (Kim Hunter), mejor actor secundario (Karl Malden) y mejor dirección artística (Richard Day y George James Hopkins).

Y fue también nominada en otras 8 categorías: película, director, actor (Marlon Brando, el galardón se lo llevó Humphrey Bogart por “La reina de África”), guión, fotografía, diseño de vestuario, sonido y banda sonora.

Los Globos de Oro premiaron también a Kim Hunter como mejor actriz secundaria y nominaron a Vivien Leigh como mejor actriz principal.

Y los británicos Premios Bafta otorgaron a Vivien Leigh el premio a la mejor actriz y nominaron también a la película.

En el Festival de Venecia, Elia Kazan recibió el Premio Especial del Jurado por su magistral dirección y Vivien Leigh recibió el Volpi Cup a la mejor actriz. Kazan fue también nominado al León de Oro en este certamen.

“Un tranvía llamado deseo” es una auténtica obra maestra del cine con todos los ingredientes necesarios para ello. Una impecable dirección, una magistral fotografía, una banda sonora inolvidable, un excepcional guión con un más que exquisito texto…

Y cuatro actores de lujo que forman, sin ninguna duda, uno de los mejores repartos cinematográficos de toda la historia del cine.

“La verdad es que al menos para mí, Blanche y su creador eran intercambiables: compartían la misma sensibilidad, la misma inseguridad, la misma melancólica lujuria”

(Truman Capote)

Lo que 1939 nos dejó

A principios del pasado Agosto, Hollywood celebró el 70 aniversario del mejor año de su época dorada: 1939. En aquel tiempo, los avances en el uso del Technicolor y la mejora en la tecnología de las cámaras comenzaban a dar su fruto.

“Se llegó a una cima creativa de Hollywood”
(Randy Haberkamp, miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias)

Durante estos años dorados, ayudó mucho el que un grupo de artistas europeos emigraran a Estados Unidos debido a la amenaza del nazismo y la Segunda Guerra Mundial.

“Ellos hicieron posible el alineamiento de estrellas. El influjo de su talento tuvo mucho que ver con la calidad de las películas. La gente empezó a ir más al cine y a gastar dinero. Al mismo tiempo, la industria invertía más recursos en hacer mejores películas”
(Randy Haberkamp)

“Beau Geste”, “Corazones indomables”, “Las cuatro plumas”, “Esmeralda, la zíngara”, “Sólo los ángeles tienen alas”, “Los violentos años 20”, “Mujeres” o “El joven Lincoln” son algunos de los títulos de este año. Un año maravilloso.

Y como parte de la celebración de este 70 aniversario, desde el pasado mes de Mayo la Academia de las Artes y Ciencias cinematograficas de Hollywood comenzó a exhibir, en el Teatro Samuel Goldwyn Mayer, las diez candidatas a mejor película de 1939.

“Adios, Mister Chips”, “Amarga victoria”, “Cumbres Borrascosas”, La diligencia”, “Lo que el viento se llevó”, “El Mago de Oz”, “Caballero sin espada”, “Ninotchka”, “De ratones y hombres” y “Tú y yo”, fueron los títulos candidatos y la elección de la ganadora no fue fácil debido a la calidad que reunían todos ellos.

El ciclo conmemorativo arrancó con la triunfadora en la ceremonia de los Premios de la Academia de ese año: “Lo que el viento se llevó”, clásico de la historia del cine que precisamente hoy, 15 de Diciembre, cumple su 70 aniversario.

“Lo que el viento se llevó” tuvo su origen en una novela. Es más, en la única novela que escribió Margaret Munnerly Mitchell. Nacida el 8 de Noviembre del 1900 en Atlanta, capital del estado sureño de Georgia, Margaret Mitchell pertenecía a una familia de ascendencia irlandesa.

 

De 1922 a 1926 trabajó como reportera y columnista en la publicación de su pueblo natal, el “Atlanta Journal”. Pero en 1926 Margaret sufrió una grave caída que le ocasionó una serie de lesiones en el pie. De ese crítico accidente se desató un estado artrítico agudo que la obligó a dejar de trabajar en el periódico y pasar largas horas del día en cama.

Con el fin de combatir sus largos ratos de soledad y aburrimiento, su marido le sugirió que escribiera un libro con todos aquellos recuerdos contados por sus progenitores y procedentes de su infancia. La autora volcó en la novela, además, sus extensos conocimientos de historia. Dato curioso es el que comenzara la novela por el final y lo último que escribiera fuera el principio.

La historia de esta familia se convirtió de inmediato en un best seller, con cincuenta mil copias vendidas el primer día y con más de millón y medio de ejemplares vendidos tan sólo en el primer año. Un éxito desconocido en el mundo de la edición norteamericana gracias al cual obtuvo Margaret el Premio Pulitzer en 1937.

En el verano de 1949, cuando se dirigía a un cine en la ciudad de Atlanta, un taxi que circulaba a gran velocidad se llevó por delante a la escritora, dejándola en una grave situación. Al cabo de cinco días, el 16 de agosto de 1949, Margaret fallecía a causa de las heridas del accidente.

Los habitantes de Atlanta, su ciudad natal, aseguran que fue Margaret Mitchell quien puso a la ciudad en el mapa cuando tan sólo era un pueblo ferroviario.

Hoy en día se conserva como museo la casa en la que habitara la autora durante la primera mitad del siglo XX, y su arquitectura guarda bastantes diferencias respecto a los edificios de alrededor.

Al igual que un siglo antes lo hiciera Emily Brönte con “Cumbres Borrascosas”, Margaret Mitchell nos dejaba a los 48 años de edad dejando tras de sí tan sólo una única novela. Eso sí, una gran novela.

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Katharine Brown, colaboradora del productor cinematográfico David O’Selznick, le envió a éste en Mayo de 1936 las pruebas de imprenta y la sinopsis de la novela de Margaret Mitchell, con la entusiasta recomendación de que comprara los derechos de adaptación al cine.

Un mes después de la publicación del libro, en Junio de 1936, Selznick se hizo con esos derechos.

Y comenzó la selección del reparto. Para el papel de Rhett Butler no se plantearon muchas dudas. Los cuatro únicos actores que había considerado Selznick eran Clark Gable, Gary Cooper, Errol Flynn y Ronald Colman.

Sin embargo, el productor comenzó a recibir innumerables cartas en las que se pedía que Rhett fuera interpretado por Clark Gable. A Selznick también le gustaba esta opción. El problema era que Gable tenía contrato con la Metro Goldwyn Mayer y era necesario hacer un trato con ellos para que Clark fuera cedido.

Curiosamente, al único que le disgustaba esta idea era al propio Clark Gable que, incluso siendo el papel por el que más se le recordaría en toda su carrera, vio toda la vida este título como una “película de mujeres”.

Para el papel de Scarlett O’Hara, la protagonista de esta historia, el proceso fue mucho más lento, alargándose a dos años el llegar a su elección. Fueron unas 1.400 actrices las que pasaron la prueba para el papel de Scarlett.

Entre otras, optaron a este papel Jean Arthur, Lucille Ball, Tallulah Bankhead, Bette Davis, Claudette Colbert, Joan Crawford, Paulette Goddard, Katharine Hepburn, Carole Lombard, Norma Shearer, Barbara Stanwyck, Margaret Sullavan, Susan Hayward, Frances Dee, Lana Turner, Joan Bennett y Olivia de Havilland.

Curiosamente, De Havilland fue elegida finalmente para interpretar a la otra mujer importante de la historia: Melanie Hamilton. Pero esta oportunidad le vino de rebote pues para este papel había hecho una prueba anterior su hermana en la vida real, la actriz Joan Fontaine, que apareció toda engalanada para la prueba y fue rechazada precisamente por tanta ostentación.

Fontaine reaccionó diciendo que si querían a una actriz sosa llamaran a su hermana (la relación entre ellas era bastante inexistente) y O’Selznick no sólo hizo la prueba a De Havilland sino que finalmente le dio el personaje.

Y buena elección la del productor pues Olivia llevó a cabo una impecable interpretación.

Existen dos teorías sobre la elección de Vivien Leigh como Scarlett. Una cuenta que ya estaba secretamente elegida en Febrero de 1938 y se hizo el resto del casting para darle publicidad al proyecto.

La otra teoría, más dramática e interesante, sostiene que el hermano de Selznick, Myron, que era entonces agente de Vivien, se la presentó en el rodaje de la escena del incendio diciéndole: “David, te presento a Scarlett O’Hara”. Aún hoy no se sabe la verdad con absoluta certeza.

En cuanto al personaje de Ashley Wilkes, y aunque Selznick había considerado antes a Vincent Price y a Melvyn Douglas, finamente le fue ofrecido a Leslie Howard. Pero Leslie, a sus 46 años, se veía mayor para el papel.

El sueño de Howard siempre había sido ser productor y Selznick lo sabía. Y le propuso un trato. Le presentó a una joven actriz sueca llamada Ingrid Bergman, y le ofreció la oportunidad de producir y protagonizar lo que sería el debut de ella en Hollywood: “Intermezzo”.

Howard aceptó entusiasmado y, tras producir y coprotagonizar con gran éxito su película, se metió de lleno en el papel de Ashley. Y aquí tampoco se equivocó Selznick.

Hubo otros datos curiosos en el reparto. Hattie McDaniel, la entrañable Mammie en esta historia, fue la primera actriz afroamericana en ser nominada y ganar, además, el Oscar. Lillian Gish fue considerada, en un principio, para hacer de la madre de Scarlett. Pero finalmente fue elegida Barbara O’Neil, en la vida real tan sólo tres años mayor que Vivien Leigh, su hija en la historia.

Y para el papel de Bonnie Blue Butler, la hija de Rhett y Scarlett, se llegó a plantear la posibilidad de que lo hiciera Elizabeth Taylor. Finalmente fue elegida Cammie King Conlon, quien debutó en la gran pantalla con tan sólo cuatro años de edad en un papel por el que sería recordada durante toda su vida.

Completaban el reparto figuras de la talla de Thomas Mitchell como el padre de Scarlett (curiosamente Thomas obtuvo este año el Oscar por su papel en “La diligencia”), Jane Darwell, Ward Bond o Richard Farnsworth.

También la dirección de la película fue cambiando a lo largo del rodaje. Llegó a rodarse con cinco directores distintos: Reeves Eason, Sam Wood, William Cameron Menzies, George Cukor y Victor Fleming.

Y aunque George Cukor fue excluído de la producción, continuó dirigiendo en privado a Vivien y a Olivia en los fines de semana que ellas le requerían. Por algo era conocido como "el director de mujeres". Afortunadamente, sobrevivió una escena rodada por Cukor en la película: el nacimiento del niño de Melanie.

Cuando Victor Fleming asumió la dirección de la película, rechazó el guión ya escrito de Sydney Howard. La producción se cerró durante 17 días mientras Ben Hecht reescribía el guión. Pero Hecht, que consideraba soberbio el guión de Howard, lo utilizó de base para su reescritura.

"Lo que el viento se llevó" se estrenó el 15 de Diciembre de 1939 en el Gran Teatro Loews, que se engalanó con un falso porche de columnas blancas a imitación del típico estilo arquitectónico del sur de Estados Unidos. Tuvo un éxito arrollador.

8 Premios Oscar avalaron la calidad de la producción: Película, Director (Victor Fleming), Actriz principal (Vivien Leigh), Actriz secundaria (Hattie McDaniel), Guión adaptado, Fotografía, Direccion Artistica y Montaje. Y Selznick, artífice de esta gran película, recibió, más que merecidamente, el Premio Irving Thalberg.

Y 5 nominaciones más corroboraron su magnitud: Actor principal (Clark Gable), Actriz secundaria (Olivia de Havilland), Música original, Efectos visuales y Sonido.

Para conmemorar el 70 aniversario de "Lo que el viento se llevó", se ha vuelto a editar en DVD con especiales características.

Y es que todo parece poco a la hora de rendir tributo a una de las mejores películas de la historia del cine.

Y a uno de los mejores personajes que ha dado la literatura.

Gracias, Margaret.